Brechtfestival Archiv - Brechtfestival Augsburg 21.2.-2.3.2025

Phase

"Die große Methode“: Brechts Arbeitsweise im Mittelpunkt

2024 - 2023

Festival

NO FUTURE

2024

Produktionen

Festival

Brecht's People

2023

Produktionen

Junge Theatermacher*innen in der Stadt des jungen Brecht: Studierende des Studiengangs Szenisches Schreiben (UdK Berlin) und Regiestudierende (Bayerische Theaterakademie August Everding) erarbeiten gemeinsam in der Auseinandersetzung mit Brecht fünf neue Texte, die in einem performativen Leseformat präsentiert werden.

An vier verschiedenen Standorten innerhalb des Trachtenheims Saalbau Krone verorten sich fünf voneinander unabhängige Projekte:

REVOLUTION von Anton August Dudda

Im Berliner Ensemble läuft heute ein politisches Stück. Andreas und Sabine sind deshalb unterwegs, aber die Straßen, durch die noch immer das Echo des Brecht’schen Revolutionsgeists hallt, scheinen die beiden nicht so recht durchkommen lassen zu wollen und zu allem Überfluss ist auch noch Straßenfest. Werden es die beiden trotzdem noch rechtzeitig schaffen? Nein, werden sie nicht.

Regie: Yunus Wieacker

Mit: Fabiola Kuonen, Simon Rauch, Manfred Ehrmaier, Benjamin Weygand

FAULENDER MOND von Anais Clerc

beschäftigt sich auf poetische Weise mit klassistischen Strukturen und soziopolitischen Fragen. Erzählt wird die Geschichte einer jungen Fleischerin, welche früher als Garderobiere in einem grossen Theater gearbeitet hat. Während Sie in einer Rückblende unter einer Flut von Pelzmänteln erstickt, fragt sich ihr ungeborenes Kind – Ist dieses Leben wirklich noch lebenswert? Fleischerkollegin A. hat ihre eigenen Ansichten – Für jedes Tierchen ein Pläsierchen. Und der Mond schaut zu.

Regie: Carolin Wirth
Mit: N.N.

HIER UNTEN LIEGT EIN HERZ von Julia Herrgesell

„Ich bin auf dem Weg nach unten irgendwie am Leben hängen geblieben.“

-Bertolt Brechts Schatten

HIER UNTEN LIEGT EIN HERZ erzählt von einer Welt, in der Bertolt Brechts Schatten an seinem eigenen Grab verweilt. Während er darauf wartet, Zugang zurück zu seinem Körper zu finden, setzt er sich mit den Fragen und Perspektiven von Martha auseinander - einer jungen Frau, die auf dem Friedhof anders über das Leben nachdenkt. Zwischen Martha und Bertolt Brechts Schatten spinnen die Pilze ihr Netzwerk. Sie transportieren Gedanken und schaffen eine Verbindung zwischen der Welt der Lebenden und der Toten. In einer mit Absurdität aufgeladenen Atmosphäre sezieren die Figuren die Projektion auf Bertolt Brecht und denken darüber nach, wie weit sein Schatten wirklich in die Gegenwart reicht. Dabei entdecken sie nicht nur die Angst als verbindendes Element, sondern auch einen Herzschlag. Irgendwo da unten - in der Tiefe.

Regie: Fabiola Kuonen und Laura Schinzel
Mit: Simon Rauch, Lara Freimuth, Manfred Ehrmaier, Carolin Wirth
Dekoration: Hannah von Eiff und Marleen Johow

DIE EREIGNISSE von Charlotte Gneuß

“Weder er noch ich hatten das Wort Abtreibung in den Mund genommen. Es war etwas, das keinen Platz in der Sprache hatte” (Annie Ernaux - das Ereignis)

Schwangerschaftsabbrüche gehören zum Kanon moralischer Kernfragen. Bertolt Brecht bezog Stellung, und setzte sich mit seiner "Ballade vom Paragraphen §218" für eine Legalisierung von Schwangerschaftsabbrüchen ein. Und doch ist der Abbruch einer ungewollten Schwangerschaft bis heute in der Bundesrepublik nicht nur ein Straftatbestand, sondern ist für die Betroffenen oft auch ein schambehaftetes, tabuisiertes Erlebnis. Wer sind diese Personen, die sich gegen den Fötus entscheiden? Welchen Prämissen folgen sie? Welchen Einfluss haben die öffentlichen Diskurse für ihre individuelle Entscheidung? – Für die dokumentarische Theaterskizze „Die Ereignisse“ hat Charlotte Gneuß über Jahre hinweg mit Frauen gesprochen, die eine Schwangerschaft abgebrochen haben, und die intime Einblicke geben über unser gesellschaftliches Miteinander.

Regie: Lara Freimuth
Mit: Anouk Warter, Soraya Bouabsa, Pauline Großmann, Emma Stratmann, Çağla Şahin
Es spielt: Fabiola Kuonen

SCHLECHTE ZEITEN FÜR LYRIK von Guido Wertheimer

"Schlechte Zeiten für Lyrik" ist ein Dialog zwischen den Tagebüchern von Bertolt Brecht während des Nationalsozialismus, denen von Ricardo Piglia / Emilio Renzi während der argentinischen Diktatur und dem Tagebuch des Autors, Guido Wertheimer, in der Gegenwart. Der Text taucht ein in eine Gedankenwelt über die dunklen Ereignisse des Krieges, den Spätkapitalismus und das alltägliche Unbehagen, dass wir jeden Tag erleben. Wie können wir diese dunklen Zeiten überwinden? Wollen wir wirklich gemeinsam daran arbeiten, sie zu überwinden? Was haben Brecht und Piglia darüber gedacht? Was denkt unsere Generation darüber und welche konkreten Aktionen können wir hervorbringen?

Regie: Jakob Altmayer
Voice Over: Luca Scupin
Sounddesign: Daniel Geßl
Kostüm: Sarah Buhmann
Betreuung: Sebastian Baumgarten, John von Düffel, Barbara Gronau

Eine Produktion des Studiengangs Regie der Bayerischen Theaterakademie August Everding in Kooperation mit der Universität der Künste Berlin

Mit freundlicher Unterstützung der Mara-und-Holger-Cassens-Stiftung

Ort

Saalbau Krone

Medien

Für welche Lebewesen ist die Demokratie? Wie können, wollen, dürfen, sollen so unterschiedliche Lebewesen wie Zierbanane, Bernstein-Waldschabe und Wolbachia-Bakterium auf begrenztem Raum zusammenleben? Mit Fragen wie diesen beschäftigt sich Augsburgs erste Organismenrepubik.
Sie entsteht im Herzen der Stadt, in den Wallanlagen am Roten Tor. Die Künstler*innengruppe Club Real hat auf dem Areal eine Vielzahl von Lebewesen entdeckt. In einem politischen Feldversuch werden die Machtverhältnisse neu gemischt. Jede/r Besucher*in kann sich einmischen! Gesucht werden Menschen, die 49 Spezies in der Gründungsphase der Republik eine Stimme geben: Denn jeder Staat braucht ein Grundgesetz, braucht Regeln, an die die Bürger*innen sich halten – die Fürsprecher und Fürsprecherinnen der Lebewesen der Organismenrepublik stellen diese Regeln auf. Club Real versorgt sie mit den wichtigsten Informationen zu den Bedürfnissen der einzelnen Lebewesen und bietet vor der verfassungsgebenden Versammlung Führungen und Einzelbegegnungen mit Spezies auf dem Staatsgebiet an. Eine Liste aller Lebewesen ist abrufbar unter:

https://organismendemokratie.org/wo/augsburg-wallanlagen/

Club Real lädt alle Festivalbesucher*innen ein, sich an der verfassungsgebenden Versammlung am 18.2.2023 zu beteiligen.
Die Verfassung bildet die Grundlage für ein Parlament der Lebewesen, das im Sommer/Herbst 2023 einberufen wird. Das Projekt schließt 2025 mit einem Verfassungsgericht, das prüfen soll, ob die Beschlüsse des Parlaments nach den Regeln umgesetzt wurden.

Infos: https://organismendemokratie.org/wo/augsburg-wallanlagen/
Anmeldung (optional): info@clubreal.de

Infotouren & Führungen mit Treffpunkt Kräutergarten am Roten Tor:
Samstag, 11.2.2023, 14.00 -18.00 Uhr
Mittwoch, 15.2.2023, 14.00 – 18.00 Uhr
Donnerstag, 16.2.2023, 14.00 – 18.00 Uhr
Freitag, 17.2.2023, 14.00 – 18.00 Uhr

Verfassungsgebende Versammlung
Samstag, 18. Februar, 10.30 – 14.30 Uhr
Saalbau Krone, Landwehrstraße 17, 86165 Augsburg

Eine Produktion von Club Real im Rahmen des Brechtfestivals 2023-2025.
In Zusammenarbeit mit dem Amt für Grünordnung, Naturschutz und Friedhofswesen

Mit

Club Real

Ort

Medien

Impossible Music sucht den Exzess, das Überraschende und Unwahrscheinliche in der Musik. Der junge rebellische Brecht steht für diesen Abend Pate. Er inspiriert Musiker*innen, die Grenzen ausloten, drängende gesellschaftliche Fragen aufgreifen und gegen die Krisen der Welt antanzen. Gaye Su Akyol aus Istanbul eröffnet den Abend im Staatlichen Textil- und Industriemuseum mit einem Mix aus nahöstlicher Volksmusik, Post-Punk, Grunge und psychedelischem Surf Rock. Nakibembe Xylophone Troupe aus Uganda und The Notwist laden das Publikum ein, an ihrer transkontinentalen Jam-Session mit Embaire und Electronics teilzunehmen. Im Provino Club heizen Zayaendo mit experimenteller japanischer Brassmusik und Malphino aus London mit tropisch psychedelischen Rhythmen ein.

Kuratiert von Markus Acher und Girisha Fernando
"Impossible Music" wird präsentiert mit freundlicher Unterstützung des Bezirks Schwaben und des Goethe-Instituts.

Aktuelle Änderung im Line-Up aufgrund der Erdbebenkatastrophe in der Türkei/Syrien:

Aufgrund von Umständen in Zusammenhang mit dem tragischen Erdbeben in der Türkei und Syrien wird Gaye Su Akyol leider heute Abend nicht bei Impossible Music auftreten können. An einem Nachholtermin wird gearbeitet.

Statement der Künstlerin:
Dear friends in Augsburg,

My country suffered one of the largest earthquakes in its history. Tens of thousands of people lost their lives, millions were affected. We are devastated, there is much grief to be shared. We must use all that we got to be with our people right now. My friends and I won’t be able to make it to Brecht Festival this evening sadly, but we hope to meet you in better times, when the healing power of music will bring us together again.

We need your support, and even the smallest thing matters. We would be more than grateful if you would choose to help in any way.

sending my love to you all ♥️

Gaye Su Akyol

If you can make a donatation to the relief-organisation below it is a big help.
DONATE VIA BANK TRANSFER to AHBAP:

SWIFT: ISBKTRIS
İş Bankası EUR Account
1021-2150277
IBAN: TR150006400000210212150277

İş Bankası USD Account
1021-2150262
IBAN: TR320006400000210212150262

Dadurch ergeben sich Änderungen im geplanten Ablauf. Wir bitten um Verständnis.

Mit

Ort

Medien

Wrestling ist Kampf und Spektakel. Während die Wrestler*innen im Ring mit Kampfsporttechniken und virtuosen Tricks gegeneinander antreten, steht bereits fest, wer gewinnen, wer unterliegen wird. Das Publikum ist eingeweiht – doch dadurch verliert die Show nicht an Reiz, im Gegenteil: Beim Wrestling geht es um Held*innen, Widersacher*innen und ihre Fehden, um peinigende Niederlagen und Triumph, um Mitleiden und Mitfreude, auch wenn immer alle wissen, dass alles nur gespielt ist.

Brechtfestival goes Wrestling – und den Plot dazu liefert die Stadt Augsburg. Wie jede Stadt ist sie ein Ort der Aushandlung von unterschiedlichen Interessenslagen, Bedürfnissen und Ansprüchen. Diesem „Kampf um Augsburg“ gehört am zweiten Wochenende des Brechtfestivals der Ring.
Auf der Grundlage einer Recherche und zahlreicher Interviews vor Ort entstanden die Characters und Konstellationen für den „Kampf um Augsburg“. Im Ring begegnen sich Pro Wrestler*innen (Professional Wrestlers) aus dem süddeutschen Raum und Österreich.

Künstlerische Leitung: Julian Warner und Veronika Maurer.
Szenische Einrichtung: Robert Gerloff.
Kostüm und Ausstattung: Nicole Marianna Wytyczak.
Video: Amon Ritz.
Musik: Manu Rzytki
Schlagzeug: Tom Wu
Casting und Realisierung Wrestling: Selina Nowak.
Stunt-Koordination: Greg Burridge.
Künstlerische Produktionsleitung: Sabine Klötzer.
Technische Leitung: Dennis Kopp.
Kamera: Kai Metzner
2. Kamera: Ikenna Okegwo
Produktionsassistenz: Nikita Nakropin.
Beratung: Marie Simons, Jos Diegel

Eine Produktion von Julian Warner. Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

Wrestler*innen

Künstlerische Leitung

Szenische Einrichtung

Robert Gerloff

Kostüm und Ausstattung

Nicole Wytyczak

Video

Amon Ritz

Musik

Manu Rzytki

Schlagzeug

Tom Wu

Casting und Realisierung Wrestling

Stunt-Koordination

Greg Burridge

Künstlerische Produktionsleitung

Sabine Klötzer

Technische Leitung

Dennis D. Kopp

Kamera

Ikenna Okegwo

Produktionsassistenz

Nikita Nakropin

Beratung

Konzert: Sound Lab for Fluid Ways of Knowing

Konzert: Alabaster DePlume & Impossible Orkestra

Alabaster DePlume

Ort

Alevitische Gemeinde

Medien

Phase

Ein Brecht-Spektakel für alle

2022 - 2020

Festival

Worldwide Brecht

2022

Produktionen

„Unglücklich das Land, das keine Held*innen hat! ‒ Nein. Unglücklich ist das Land, das Held*innen nötig hat.“ (So ähnlich hat es Bert Brecht Galilei in den Mund gelegt.)

Der Kurzfilm Heldin Nr. 0 taucht ab in die Welt der scheinbar stummen Antiheld*innen und gibt ihnen die Stimme, ihre ganz eigene Geschichte zu erzählen. Die fiktiven Charaktere brechtscher Poesie vermischen sich mit den Stimmen realer Erfahrungen. Wir erleben sie in ihren privatesten Momenten der Zerrissenheit, wenn es keinen körperlichen oder politischen Ausweg mehr gibt. Wenn Engel sich an ihren Verführern rächen. Wenn Mütter zu Gewehren verkommen. Wenn Gut-sein-Wollen das Böse-Sein-Müssen bedeutet. bluespots productions zelebriert die Null!

Konzept: Ensemble von bluespots productions und Gianna Formicone
Schauspiel: Elisabeth Englmüller, Daniela Maria Fiegel, Harald Molocher, Anja Neukamm, Patrick Schlegel, Martin Schülke
Drehbuch und Regie: Gianna Formicone,
Drehbuch und Dramaturgie: Kristina Beck,
Kamera: Axel Neukamm,
Schnitt: Markus Hertl,
Musik: Sebastian DOT Birkl
Aufnahmeleitung: Lisa Bühler,
Verwaltung, Organisation und Fotos: Anton Limmer
Eine Produktion von bluespots productions im Auftrag des Brechtfestivals 2021

Pressestimme
„Da wäre beispielsweise Brechts Gedicht ‚Über die Verführung von Engeln‘. Das Augsburger Ensemble Bluespots Productions hat sich Brechts Lyrik in ihrem Film ‚Heldin Nr. 0‘ gewidmet, hat mehrere kurze Szenen dazu erfunden und zusammenmontiert. Und so hört man die pornografischen Verführungszeilen, unterlegt mit harten Beats, während Elisabeth Engelmüller in einer Fabrikhalle kleine Bücherstapel formiert und Martin Schülke als Anzugschurke in ihren Wirkungskreis eindringt.“
Süddeutsche Zeitung, 7.03.2021

Konzept

Schauspiel

Drehbuch und Regie

Gianna Formicone

Drehbuch und Dramaturgie

Kristina Beck

Medien

Nach der gleichnamigen Kalendergeschichte von Bertolt Brecht, Trickfilm von Katia Fouquet, mit der Stimme von Sophie Rois

Bertolt Brecht wusste: Man muss die Verhältnisse ändern. Dann verändern sich auch die Menschen. Einfache Sprache verändert die Verhältnisse. Sie erschließt literarische Texte für Menschen, die Schwierigkeiten beim Lesen oder beim Lernen haben. Sie ist genauso gut für Menschen, die gerade erst damit begonnen haben eine Sprache neu zu lernen. Jede Übersetzung versucht möglichst nahe am Originaltext zu bleiben, seine typische Sprache und Besonderheit zu erhalten. Nicht alles muss/darf erklärt werden. Das Brechtfestival hat fünf Kalendergeschichten von Bertolt Brecht in Einfache Sprache übersetzen lassen: „Der Augsburger Kreidekreis“, „Die Geschichte von einem, der nie zu spät kam“, „Die Antwort“, „Das Paket des lieben Gottes“, „Der Arbeitsplatz oder Im Schweiße deines Angesichts sollst du kein Brot essen“ und „Die unwürdige Greisin“. Alle Texte erscheinen im Januar 2021 im Passanten Verlag.
„Die unwürdige Greisin“ wird für die Online-Version des Festivals als Trickfilm gestaltet.

Sounddesign: David Tschöpe
Übertragung in Einfache Sprache: Hardy Kuttner
Verlag: Passanten Verlag mit freundlicher Genehmigung von © Suhrkamp Verlag Berlin / Bertolt-Brecht-Erben

Eine Produktion des Brechtfestivals Augsburg

„Die unwürdige Greisin“ wird für die Online-Version des Festivals als Trickfilm gestaltet.
„‚Viel Kleines, aber nichts Kleinliches.‘ Das ist einer der letzten Sätze von Brechts 1939 im Exil geschriebener Erzählung ‚Die unwürdige Greisin‘. (…) In der jüngsten Ausgabe der Erzählung fehlt dieser Satz. Das hat einen guten Grund. Er wurde geopfert, als Hardy Kuttner mit Zustimmung der Brecht-Erben „Die unwürdige Greisin“ in Einfache Sprache überführt hat, um auch ein nicht literarisch versiertes Publikum zu erreichen. (…) ‚Die unwürdige Greisin‘ verliert in der Version des Passanten-Verlags zwar an Wort- und Detailreichtum nicht aber an Eindringlichkeit.“
- Frankfurter Allgemeine Zeitung, 24.2.2021

Trickfilm

Katia Fouquet

Stimme

Sophie Rois

Sounddesign

David Tschöpe

Übertragung in Einfacher Sprache

Hardy Kuttner

Medien

"Schlechte Zeiten für Lyrik?" (Brecht) Ganz im Gegenteil. Ein Poetry Slam Abend ist die beste Zeit für Lyrik. Und Storytelling. Und Rap Poetry. Und Comedy. Und jede andere Form performter Literatur, die direkt von der Bühne ins Ohr geht. Für das Brecht Special wurden vier der besten Poetry Slammer*innen des deutschsprachigen Raumes nach Augsburg eingeladen: Meike Harms, Aidin Halimi, Mona Harry und Samuel Kramer. Im Best-Of-Format haben sie nicht nur die üblichen fünf, sondern zehn Minuten Zeit, um das Publikum mit ihren Texten zum Lachen, Weinen oder Staunen zu bringen. Einer der Beiträge stellt die preisgekrönten Slammer*innen vor die Aufgabe, in ihrem je eigenen Stil Bezug auf Brechts Svendborger Gedichte zu nehmen. Das Wiener Kollektiv OMAi wird die Texte der Poet*innen mit Projektionsmalerei live visualisieren. Als Musikact wird der Berliner Klavierkabarettist David Weber auftreten. Moderiert wird dieses Spektakel von Johannes Elster, der allen Künstler*innen einen roten Teppich aus Witz und Wertschätzung bereiten wird, um sie auf der Bühne im Parktheater willkommen zu heißen und die vielschichtigen Elemente des Abends zu verbinden. Specials Guests: Das Publikum, das mit seinem Applaus entscheiden darf, wer diesen Dichterwettstreit für sich entscheidet.

Mit: Meike Harms, Aidin Halimi, Mona Harry, Samuel Kramer, OMAi, David Weber, Johannes Elster aka Hanz.

Kuratiert von: Meike Harms

© Fabian Schreyer

Das Literaturprogramm des Brechtfestivals wurde realisiert mit freundlicher Unterstützung des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst.
Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

Moderator

Johannes Elster aka Hanz

Slammer

Musik

David Weber

Ort

Parktheater im Kurhaus Göggingen

Medien

Brecht verbrachte 15 Jahre seines Lebens im Exil. Eine einschneidende biographische Erfahrung, die von Millionen von Menschen in der Vergangenheit und in der Gegenwart geteilt wird. „Exilio“ verleiht der Realität all derer Ausdruck, die sich gezwungen sehen, ihre Heimat zu verlassen. Mit Texten, Musik und einer audiovisuellen Szenographie, die sich aus dokumentarischen und künstlerischen Elementen speist. Der vielfach ausgezeichnete Filmschauspieler Alex Brendemühl, die Stargitarristin Nora Buschmann, der Regisseur Lalo García und die Produzentin Txell Sabartés sind diesem Thema auch durch eigene Familiengeschichten verbunden, die sich im Spanischen Bürgerkrieg, in der Franko-Diktatur, dem zweiten Weltkrieg und der ehemaligen DDR zugetragen haben.
Ein Pool von historischen Texten und Musik aus der Feder von Autorinnen, Autoren und Komponisten, die in der Vergangenheit selbst gezwungen waren, ihr Land, zu verlassen, wird zum Spiegel für die Gegenwart, in der Abertausende Menschen noch immer tagtäglich das gleiche Schicksal erleiden.

Texte: Ángel González, Antonio Machado, José Agustín Goytisolo, Angelina Muñiz-Huberman, Rafael Alberti, Blas de Otero, José Hierro, Salvador Espriu, León Felipe, Luis Cernuda, Jaime Gil de Biedma, María Zambrano, Bertolt Brecht
Musik: Ángel González, Antonio Machado, José Agustín Goytisolo, Angelina Muñiz-Huberman, Rafael Alberti, Blas de Otero, José Hierro, Salvador Espriu, León Felipe, Luis Cernuda, Jaime Gil de Biedma, María Zambrano, Bertolt Brecht
Bilder: Josep Bartolí, Louis Llech, Josep Narro, Manuel Moros, Samuel Nacar

Eine Produktion von Voodoo Productions. Kofinanziert vom Europe for Citizens Programm der Europäischen Union. Mit freundlicher Unterstützung der Fundacio Solidaritat Universitat Barcelona, EUROM European Conservatory of Memories, Stadtsparkasse Augsburg, Stadtwerke Augsburg, Staatliches Textil- und Industriemuseum Augsburg

Das Literaturprogramm des Brechtfestivals wurde realisiert mit freundlicher Unterstützung des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst.
Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

mit

Ort

Staatliches Textil- und Industriemuseum (tim)

Medien

Es war ein strenger Winter für Bertolt Brecht in Berlin, 1922, als er als aufstrebender junger Mann gerade aus „den schwarzen Wäldern“, seiner Heimatstadt Augsburg, weggezogen war. In einem von Brechts frühen Stadtgedichten, Vom Armen B. B. (1926-27), zeigt das nachrevolutionäre Berlin sein gnadenloses, alltägliches und herausforderndes Gesicht.
Für Brechts heutige chinesische Freunde in Shanghai, 2022, ist es ein harter Winter. Drei Wanderarbeiter, die sich treiben lassen und sich abmühen, um nicht unterzugehen. Ihre Schilderungen stehen stellvertretend für die Erfahrung von Millionen von unterversorgten Wanderarbeitern in China. Was führt dazu, dass ihr Leben und ihre Sehnsüchte in Shanghai kollidieren? Was haben sie über die konstruktiven und destruktiven Auswirkungen Shanghais auf ihre Arbeit, ihr Leben oder sogar ihre Existenz zu sagen?
VABEL – Vom Armen Bb Et aL versucht, die Erfahrung der Verortung unter den Wanderarbeitern mit kreativen formalen Mitteln zu verkörpern und präsentiert die Geschichte der Protagonisten als Brechtsche Fabel, die in engem Bezug zu ihren sozialen Interaktionen und Verlusten gestaltet ist. In VABEL -Vom Armen Bb Et aL komponieren die humorvollen Dialoge der Protagonisten in verschiedenen Dialekten, gepaart mit Puppenspiel, Collage und mehr, das Stadtgedicht von Shanghai, China, 2022.
Konzept und Regie von Siting Yang
Dramaturgie und Produktionsdesign von Yizhou Zhang

Textrechte:
Suhrkamp Verlag / Brecht Erben

Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

Kurzfilm von

Konzept und Regie

Siting Yang

Dramaturgie & Produktionsdesign

Yizhou Zhang

Kurator

Kai Tuchmann

Ort

Staatliches Textil- und Industriemuseum (tim)

Medien

Corinna Harfouch verschneidet Szenen aus Brechts Lehrstück „Die Mutter“ mit den erschütternden Beschreibungen eines Arbeitsalltags in den 30er Jahren aus dem „Fabriktagebuch“ von Brechts Zeitgenossin Simone Weil. Im Wechsel zwischen Objekttheater und Lesung verschwindet jegliches revolutionäre Pathos. Mit einfachsten Mitteln entsteht ein komplexes Bild. Wo es Brecht gelingt, die allmähliche Emanzipation der Mutter eines sozialistischen Arbeiters und den Kampf gegen Unterdrückung strukturell zu zeigen, füllt Simone Weil die Leerstellen mit lebensnahen Veranschaulichungen. Wo Brecht das Ringen um höhere Löhne in den Mittelpunkt rückt, thematisiert die Philosophin und Sozialrevolutionärin Weil, die realen Bedingungen unter denen gearbeitet wird. Wo Brecht den Feind im Eigentümer der Fabrik sieht, verschweigt Weil nicht die vielschichtigen Probleme hierarchischer Arbeitsstrukturen. Dabei spricht aus Weil die Erfahrung einer mutigen Aktivistin, die sich für ihre Recherchen selbst als ungelernte Hilfskraft in einer Fabrik anstellen ließ.

Idee, Konzept, Stückfassung: Corinna Harfouch
Regie: Corinna Harfouch, Hannah Dörr
Musik: Hannes Gwisdek
Kamera, Licht: Jesse Mazuch
Dank an: Bo Anderl, Oscar Olivo, Suheer Saleh
Mit Texten aus Bertolt Brecht: „Die Mutter“ (1933) und Simone Weil: „Fabriktagebuch“ (1934) © Suhrkamp Verlag Berlin / Bertolt-Brecht-Erben
Besonderen Dank an: Erdmut Wizisla
Foto: Arno Declair
Eine Produktion des Brechtfestivals Augsburg

Pressestimmen:
„Auch, wenn die französische Philosophin, erst Sozialrevolutionärin, dann Mystikerin, keine verlässliche politische Ratgeberin sein mag, geben die von Harfouch ausgewählten Passagen da Aufschluss, wo bei Brecht Fragezeichen auftauchen, und gibt seiner Hauptfigur Pelagea Wlassowa eine nuancenreichere weibliche Stimme.“
- Neues Deutschland, 2. März 2021
„Brechts ‚Die Mutter‘ treffen auf das etwa zur gleichen Zeit entstandene ‚Fabriktagebuch‘ der französischen Philosophin Simone weil, die als junge Frau im Selbstversuch die Arbeitswelt des Proletariats erforschte. Harfouch stellt hier zwei Positionen des Klassenkampfs gegeneinander, die sie bei aller Schlichtheit der erzählerischen Mittel und der historischen Ferne der Analysen auf einen erstaunlich modernen Punkt bringt.“
- Abendzeitung, 2.3.2021

Idee, Konzept, Stückfassung

Corinna Harfouch

Regie

Musik

Hannes Gwisdek

Kamera, Licht

Jesse Mazuch

Medien

Nach dem Putsch 1971 hält das Militär nicht nur das Leben, sondern auch die Träume der Menschen in der Türkei gefangen. Künstlerinnen und Künstler, Linke, Intellektuelle fürchten um ihre Existenz; auch die Erzählerin, die aus Istanbul übers Meer nach Europa flieht. Im Gepäck: der Wunsch, Schauspielerin zu werden, und das unbedingte Verlangen, den so jäh gekappten kulturellen Reichtum ihres Landes andernorts bekannt zu machen und lebendig zu halten, ohne sich im »Tiergarten der Sprachen« auf die bloße Herkunft beschränken zu lassen. Und dort, inmitten des geteilten Berlin, auf den Boulevards von Paris, im Zwiegespräch mit bewunderten Dichtern und Denkern, findet sie sich schließlich wieder in der »Pause der Hölle«, in der Kunst, Politik und Leben uneingeschränkt vereinbar scheinen.
Emine Sevgi Özdamars neuer Roman ist das vielstimmige Loblied auf ein Nachkriegseuropa, in dem es für kurze Zeit möglich schien, allein mit den Mitteln der Poesie Grenzen einzureißen. Er ist der sehnsuchtsvolle Nachruf auf die Freunde, Künstler, Bekanntschaften, die sie auf ihrem Weg begleiteten. Vor allem aber ist er die wortgewaltige Eröffnung eines Raums zwischen Bedrohung und Geborgenheit, eines von Schatten begrenzten Raums.

„In meiner türkischen Sprache war ich damals sehr unglücklich. Meine Wörter waren krank. 1971 gab es einen Militärputsch. Menschen wurden wegen Wörtern gefoltert, getötet, ins Gefängnis gesteckt. Nur ein Traum konnte mir in dieser schwierigen Zeit helfen. Mir haben damals in Istanbul Brechts Wörter geholfen und eine Utopie versprochen: Großes bleibt nicht groß, Kleines bleibt nicht klein. Brecht hatte vor uns eine körperliche Erfahrung mit dem Faschismus gemacht.“ Tagesspiegel 2011

© Fabian Schreyer

Das Literaturprogramm des Brechtfestivals wurde realisiert mit freundlicher Unterstützung des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst.
Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

Autorin

Emine Sevgi Özdamar

Ort

Staatliches Textil- und Industriemuseum (tim)

Medien

Ende März 2021 sorgt eine freie Theatergruppe aus Belarus im Netz für Aufsehen. „Kupalaucy“, die sich aus ehemaligen Künstler*innen des Janka Kupala Nationaltheaters gegründet haben zeigen auf Youtube eine Szenenfolge aus „Furcht und Elend des Dritten Reiches“. Die Gruppe ergründet mit Brechts Szenensammlung das Wesen des Faschismus. Die Inszenierung setzt keine Bezüge zur Gegenwart doch Betroffene erkennen darin eindeutige Parallelen zur Situation im eigenen Land. Die dortige Regierung setzt alles daran, kritische Stimmen im Keim zu ersticken. Kupalaucy können auf den Minsker Bühnen nicht spielen. Die Gruppe ist auf der schwarzen Liste der Regierung und hat Auftrittsverbot. Proben finden im Ausland und im Untergrund statt. Beim Brechtfestival soll „Fear“ erstmals live auf der Bühne zu sehen sein.
Nikolai Pinigin (Regisseur) zu „Fear/Furcht“:
Es gibt ein sehr gutes Zitat aus Brechts Stück „Leben des Galilei“. Galilei spricht mit seinem Studenten. Der Student sagt: „Unglücklich das Land, das keine Helden hat“, woraufhin Galilei antwortet: „Unglücklich das Land, das Helden nötig hat.“
Bei der Regie von „Furcht und Elend des Dritten Reiches“ arbeitete ich das erste Mal mit einem Stück von Brecht. Ich muss zugeben, dass ich unschlüssig bin, ob Brecht bei mir auf volle Resonanz stößt. So ist mir unter anderem immer noch unklar, was Brecht mit der Theorie der Distanziertheit meint. Aber ich halte „Furcht“ und „Leben des Galilei“ für ideale psychologische Stücke, sehr subtil und wunderbar geschrieben. Als Regisseur sehe ich Stücke, die mich begeistern und solche, die mich nicht begeistern. Und wenn ich das Gefühl habe, dass ein Stück für die heutige Zeit relevant ist, bin ich umso eifriger dabei, es zu inszenieren. Ich denke, dass „Furcht“ eines von Brechts besten Stücken ist, welches perfekt zu uns passt.
Seit ich nach Minsk kam, habe ich in zwei Ländern gelebt: in der Sowjetunion und im unabhängigen Belarus. Ich kann nicht sagen, dass es in der Sowjetzeit einfacher war, Kunst zu machen. Denn man hat die Möglichkeit, als großartiger Choreograph zu arbeiten, man kann Opern inszenieren, man kann ein Künstler sein. Aber arbeitet man mit dem geschriebenen Wort und will relevant bleiben, gerät man früher oder später in Konflikt mit der „Macht“, wie wir sie kennen. Wie Sie vielleicht wissen, wurde Juri Ljubimow, dem Direktor des Taganka-Theaters, die Staatsbürgerschaft entzogen und des Landes verwiesen. Und das begann nicht erst gestern oder heute. Wenn Sie von Bedeutung sein wollen, sollten Sie Ihrem Publikum Antworten geben, Antworten auf ihre Fragen. Oder sie zumindest zum Nachdenken anregen über die Themen, die uns alle heutzutage beschäftigen. Was die Kunst betrifft, so befinden wir uns jetzt in einer Gefahrenzone.
Aufführungsrechte:
Suhrkamp Verlag / Brecht Erben

Aufzeichnung und Streaming Publikumsgespräch im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

mit

Kupalaucy

Ort

martini Park

Medien

Soumyabrata Choudhury lehrt Theater- und Performance-Studies an der Jawaharlal Nehru Universität in Neu-Delhi. Er ist Schauspieler, Regisseur und Autor mit mehr als 30 Jahren Bühnenerfahrung.
„A Migrant Walk“ ist zugleich Film und Performance, entworfen als dokumentarische Karikatur auf Brechts Hörspiel „Lindbergh-Flug“. Choudhury nimmt sich Brechts Fortschrittsoptimismus, den Mythos vom neuen mobilen Menschen, der tollkühn im Alleingang nonstop den Ozean bezwingt und setzt ihn in Bezug zur Lebensrealität der erzwungenen Mobilität und Schutzlosigkeit indischer Wanderarbeiter*innen, die millionenfach aus den Dörfern in die Metropolen ziehen, um ihren Lebensunterhalt zu sichern. Brechts Hörspiel „Der Lindbergh-Flug“ basiert auf der transatlantischen Reise, die Charles Lindberghs in einem primitiven Flugzeug gelang. Damals war eine solche Reise unmöglich vorstellbar. Doch nachdem Lindbergh die Unternehmung geglückt war, war das sogenannte Unmögliche an die Grenzen des Möglichen gestoßen. Brechts Stück markiert eine technologische und zugleich anthropologische Zuversicht. Sie entspricht der allgemeinen Haltung des modernen 20. Jahrhunderts und findet sich gleichsam im heroischen Inhalt (Lindberghs Flug) als auch im frühen Selbstverständnis des Genres (Hörspiel) wieder. Choudhurys Arbeit stellt die Frage nach unserer Erfahrung des unmöglich Vorstellbaren im Lauf der Geschichte, insbesondere in den ersten Tagen des globalen Ausbruchs der Pandemie seit März 2020. Die Antwort auf diese Frage ist sehr real und ohne den geringsten Anflug der optimistischen Sichtweise, die Brecht beschwören konnte: Heute wird das unmöglich Vorstellbare verkörpert vom Bild der wandernden Arbeiter, jenem sich über tausende Kilometer erstreckenden Strom, einem Fußmarsch, der sich nur gelegentlich der primitivsten Transportmittel bedient. Ab jetzt sind die wandernden Arbeiter die reale Karikatur, die die Geschichte aufwirft, die gleiche Geschichte, die mit Charles Lindbergh zu Beginn des langen 20. Jahrhunderts im Cockpit saß. Wie soll man den unmöglich vorstellbaren Strom der wandernden Arbeiter innerhalb der möglichen Grenzen unserer Kommunikationsmittel darstellen, wo doch täglich neue Möglichkeiten in den sozialen Medien angepriesen werden? Das Unmögliche wird fortlaufend auf Bilder reduziert, auf Geschichten, Wahrnehmung, während die fundamentale historische Frage unausgesprochen bleibt: wie lässt sich so eine Realität innerhalb der Erfahrung sozialer und ökonomischer Widersprüche auf globaler Ebene denken, die mit der Pandemie so deutlich zu Tage getreten sind?
Kuratiert von: Anuja Ghosalkar und Kai Tuchmann

Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR.

von

Soumyabrata Choudhury

Kuratoren

Ort

Staatliches Textil- und Industriemuseum (tim)

Medien

Ich wünschte mir eine klare Richtung, einen Entscheidungsbaum mit zwei Ästen: entweder, oder, eins, null, ja, nein, wenn, dann. Ich wünschte mir die Verlässlichkeit der Naturgesetze. Aber ich bin ein Dreck. Und das geht sich nicht aus. Wie kann man das denn sein, EIN Dreck? Tritt er als Solist auf? Oder ist die Rede von einer leeren Menge? Gerade der Widerspruch, scheint es, das a-lineare, die Gleichzeitigkeit des Entweder und des Oder ist, welche jenem Umstand am nächsten kommt, den wir gemeinhin als das Leben bezeichnen. Denn richtet man seinen Blick auf die verschiedenen Biographien in der Geschichte und ihre Verwebungen miteinander, wecken sie unsere Neugier allererst in ihrer Unregelmäßigkeit. Jenseits des Vernünftigen, weil das Vernünftige manchmal in unerreichbare Ferne rückt, und jenseits moralischer oder anderer Urteile gelingt uns vielleicht – in der simplen Betrachtung – ein kleiner Begriff der Ungereimtheit des Lebens. Ich bin ein Dreck. Ich habe Sehnsucht nach einer klaren Richtung. Ich bin ein Dreck. Ich weiß, es gibt sie nicht.

Konzeption: Stefanie Reinsperger, Akin Isletme
Regie: Akin Isletme
Regieassistenz: Zoé Miray-Su Hamdemir
Kamera & Schnitt: Bahadir Hamdemir
Musik / Sounddesign: Bendrik Grossterlinden, Matthias Schubert
Mit: Stefanie Reinsperger, Wolfgang Michael, Julian Keck
Verlagsrechte: © Suhrkamp Verlag Berlin / Bertolt-Brecht-Erben, Rowohlt Verlag

Eine Produktion des Brechtfestivals Augsburg 2021

© Hamdemir / Isletme

Pressestimmen
„Neben Brecht-Texten hat Reinsperger einiges von Steffin montiert, der – wie Hanns Eisler wohl einmal beschrieb – „wertvollsten Mitarbeiterin Brechts“. Dazu gehört auch der Titelgebende „Ich bin ein Dreck“, in dem Steffin ihre Verzweiflung und Erschöpfung ausspuckt. Zumindest setzt Reinsperger dies in ihrem Video so um: ein harter Monolog, einer, dem man die Theaterbühne anmerkt und der so eindringlich umgesetzt ist, dass er auch digital funktioniert.“
- Süddeutsche Zeitung, 24.02.2021

Medien

Es war einmal in Buckow: ein Wolke hüllte Brecht ein, und als sie sich auflöste, war Brecht ein großer Vogel geworden. Dieser große Vogel fliegt durch die Nebelschwaden und trifft in der Kaiserstadt auf Bai Juyi. Gemeinsam schwimmen sie durch die tiefen, schwarzen Tintentümpel, durch Wolken- und Schattenschichten und rezitieren im späten Frühling gemeinsam Gedichte. Schließlich verwandelt sich der große Vogel wieder in Brecht und kehrt nach Buckow zurück.
Bai Juyi (772-846) war ein berühmter Dichter der mittleren Tang-Dynastie, der in der Zeit lebte, als die Tang-Dynastie im Niedergang begriffen war. Seine Gedichte stellten den dekadenten Luxus der Aristokratie bloß und spiegelten die Not des Volkes wider. Diese tiefe Auseinandersetzung mit der Alltagsrealität brachte Bai Juyi in Konflikt mit dem Tang-Hof und seinem Kaiser. In der Tat fiel Bai Juyi in Ungnade und wurde schließlich verbannt. Brecht übersetzte seine Gedichte aus einer Sammlung von englischen Übersetzungen von Tang-Gedichten ins Deutsche. Im Jahr 1952 veröffentlichte Brecht diese Übersetzungen in seinen „Versuchen“. Brecht selbst lebte zu dieser Zeit wie ein Einsiedler in Buckow.

B. solo B. geht der Frage nach, was Exil ist. Ist das Exil lediglich eine materielle Veränderung in Zeit und Raum? Oder ist es eine Veränderung des menschlichen Geistes? Die Antwort findet man, indem man Brechts Dialog mit Bai Juyis Gedichten lauscht.
von Yi Dian, Wu Anqi, Li Ruobing, Shen Wenjing, Qu Xueyu, Chen Ziying

Textrechte:
Suhrkamp Verlag / Brecht Erben

Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR."

von

Kurator

Kai Tuchmann

Ort

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Medien

Yotam Gotal lebt in Tel Aviv als Regisseur, Schauspieler und Autor. Als Dramaturg arbeitet er für das „Khan-Theater“ in Jerusalem. Brecht war für den Absolventen der Tel Aviv-Universität schon lange ein Thema. Doch die Initialzündung gab 2019 ein Vortrag auf der Ruhr-Triennale. Dort wurde Gotal auf Brechts „Fatzer“ aufmerksam. „Es hat mich umgehauen.“, beschreibt er sein einschneidendes Erlebnis. Das Goethe-Institut Tel-Aviv unterstützte ihn dabei, „Fatzer“ erstmals in hebräischer Sprache auf die Bühne zu bringen. Für das Augsburger Brechtfestival wechselt Yotam Gotal das Genre. Sein Filmprojekt „The Desert a City“ lässt sich von Brechts „Lesebuch für Städtebewohner“ leiten. Mit dem Schauspieler Nitay Dagan, einer Filmcrew und zwei Geländewagen machte er sich im Oktober 2021 auf den Weg, raus aus der Stadt, in die Negev Wüste im Süden Israels.
„Brecht hat in vielerlei Hinsicht den Weg geebnet, dem ich als Regisseur gerne folgen möchte. Als ich die Gedichte aus dem Lesebuch für Städtebewohner zum ersten Mal gelesen hatte, kamen mir Fragen in den Sinn. Die städtische Erfahrung, die Brecht beschreibt, was hat sie mit meinem Leben in der Stadt zu tun? Welche hohen Anforderungen stellen die Gedichte an die Leserschaft von heute? Was ist mein israelischer Blickwinkel auf diese Texte? Ich entschied mich mit den Gedichten in die Wüste zu gehen, vielleicht wegen einem angeborenen Spaß an Streichen. Ich wollte herausfinden, welchen neuen Zugriff ich dort auf diese extrem urbanen Gedichte finden könnte. Der Facettenreichtum in Brechts Arbeiten hat mich schon immer inspiriert. Wenn man Brechts schöne Prosa liest, ist man immer mit ätzenden und sozial belasteten Strukturen konfrontiert, die den erzählerischen Rahmen bilden. Das regt mich selbst dazu an, provokante Inhalte zu schaffen.“ Yotam Gotal

mit

Yotam Gotal

Ort

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Brechts Gedicht Orges Wunschliste wurde 1917 geschrieben. Seitdem ist der Text zu einer guten Referenz für das Leben in der heutigen Zeit in China geworden. Als wir uns an der Akademie einschrieben, hatten auch wir eine ähnliche Vision wie der 19-jährige Brecht. Wir glaubten fest daran, ein freies und romantisches Leben zu führen und künstlerische Kreationen zu schaffen, die für die Menschen stehen. Nach dem Abschluss des Studiums haben uns der harte und unerbittliche soziale Wettbewerb, die allgegenwärtige geschlechtsspezifische Gewalt und die Sparmaßnahmen sowie die kollektiv-unbewusste Umgebung des politischen Diskurses fast besiegt. Wenn man sich der Realität wirklich stellen will, muss man sich wieder der Quelle des Schmerzes stellen und die Dunkelheit in der Poesie verstehen.
Orges Blick untersucht die in Orges Wunschliste verwendeten Wörter aus einer sozialen und historischen Perspektive, die meisten von ihnen haben starke politische Implikationen und sind mit Problemen in der heutigen Gesellschaft verbunden: ‚Haut‘, ‚Mädchen‘, ‚Frau‘, ‚Feindseligkeit‘, ‚Wohnung‘, ‚Kunst‘, ‚Lehrer‘, ‚Götter‘, ‚Tod‘, usw. In unserem eigenen Leben benutzen Männer „weiß, jung und schwach“, um eine Gruppe von Frauen zu beschreiben, die leicht zu kontrollieren und als sexuelles Werkzeug zu benutzen sind. Die „unbeschädigte weiße Haut“ im Originaltext spiegelt nicht nur die Objektivierung von Frauen in der patriarchalischen Gesellschaft wider, sondern auch das Problem des Rassismus.
von Wang Guanyu, Sun Peijie, Ma Yixuan, Zhao Yingru, Zhang Yuanrong

Textrechte:
Suhrkamp Verlag / Brecht Erben

Aufzeichnung und Streaming im Rahmen von BRECHT DIGITAL. Gefördert im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR.

von

Kurator

Kai Tuchmann

Ort

Staatliches Textil- und Industriemuseum (tim)

Medien

Festival

#digitalbrecht

2021

Produktionen

Annett Gröschner: "Ring über Ostkreut. Ruth Fischer auf dem Weg zur Arbeit"

Annett Gröschners Erzählung ist zugleich Momentaufnahme und Reise durch das Leben einer unangepassten Zeitgenossin Bertolt Brechts: Ruth Elfriede Fischer (1895-1961) war Philosophin, Redakteurin und Politikerin im ultralinken Flügel der KPD. An der Universität in Wien studierte sie ab 1914 Philosophie, Nationalökonomie, Pädagogik, Psychologie und Politik. 1918 war sie Mitbegründerin der KPDÖ In Wien und übernahm später eine führende Rolle in der Berliner KPD. Im Prenzlauer Berg trat sie in den 1920er Jahren aktiv für Reformen in der Sozialarbeit ein. Von Stalin ab 1926 wegen ultralinker Abweichungen aus der Partei geworfen und im Hotel Lux interniert, waren ab 1933 auch die Nazis hinter ihr her. Nach dem Krieg sagte sie vor dem „Komitee für unamerikanische Umtriebe“ gegen ihre beiden kleinen Brüder Gerhart und Hanns Eisler aus, worauf hin der eine inhaftiert und der andere ausgewiesen wurde. „Ring über Ostkreuz. Ruth Fischer auf dem Weg zur Arbeit“ ist als Hörbeitrag zu einer Ausstellung im Museum Pankow entstanden. Für die Online-Edition des Brechtfestivals trägt ihn die Autorin erstmals für Publikum vor.

Luise Meier: "MRX Maschine"

„Wenn die Ausgangslage eine Welt ist, die mit allen Mitteln versucht, uns zum Arbeiten zu verleiten, will MRX-Maschine mindestens selbst als Verschwendung von Arbeits- und Lebenszeit fungieren. Ihr Motto ist das Paradox: Jede leistet ihren Beitrag zum Projekt, keinen Beitrag zu leisten.“ Luise Meiers Manifest ist ein geheimer Gruß an alle Verweigerer und Blaumacher, sie ist Analyse Agitation und Aggression in einem – und für die Zeit des Zuhörens sind die Zuhörer*innen krankgeschrieben.
Luise Meier, 1985 geboren in Ostberlin, arbeitet als freie Autorin und Servicekraft. Studium der Philosophie, Sozial- und Kulturanthropologie und Kulturwissenschaften in Berlin, Frankfurt a. d. Oder und Aarhus. Ihre Texte für die Berliner Volksbühne sind unter www.volksbuehne.adk.de archiviert.

Lea Streisand: Hufeland Ecke Bötzow"

Sehr lebendig und irrsinnig komisch beschreibt „Hufeland Ecke Bötzow“ eine Kindheit und Jugend in Ostberlin vom Ende der 1970er bis Ende der 1990er Jahre. Im real existierenden Sozialismus erobern Franzi und ihre Freunde die Hinterhöfe des Bötzowviertels. Die Eltern diskutieren bei streng geheimen Versammlungen über die Zukunft des Landes. Die Mauer fällt, die DM kommt, aus den ersehnten Reformen wird die Deutsche Einheit. Pubertät und Post-Sozialismus fallen für Franzi in eins. Lea Streisand erzählt vom Erwachsenwerden in einer Zeit, die denkbar schlecht dazu taugt, neue Gewissheiten zu schaffen. Bis auf eine vielleicht: Demos sind eine „großartige Gelegenheit, Jungs kennenzulernen“.
Lea Streisand, geboren 1979 in Berlin, studierte Neuere deutsche Literatur und Skandinavistik. Sie schreibt für die taz und die Berliner Zeitung und hat eine wöchentliche Hörkolumne auf Radio Eins. Im Herbst 2016 erschien bei Ullstein ihr erster Roman „Im Sommer wieder Fahrrad“, außerdem sind Streisands Radiokolumnen im Ullstein Taschenbuch lieferbar: „War schön jewesen. Geschichten aus der großen Stadt.“

Sabine Kebir: "Ein akzeptabler Mann? Brecht und die Frauen"

Monster, Macho oder vielleicht doch ein akzeptabler Mann? Warum funktionierten die Beziehungen, die Brecht und seine Geliebten so langfristig verbanden? Kein Täter-Opfer-Verhältnis wird durch Sabine Kebirs Analysen bestätigt, sondern vielmehr der Versuch von Liebenden, aus der Nähe und Distanz, Ebenbürtigkeit und Autonomie ihre Partnerschaft zu fügen: ein Vorstoß in Neuland, der Achtung verlangt statt Mitleid für die einen oder Verdammung für den anderen. Letztlich kommt es an auf die Fähigkeit die eigene Eifersucht zu überwinden. Sabine Kebirs Interpretationen stellen im Streit um Brechts Partnerbeziehungen neue Fragen (War B.B. aus Treue polygam?) und geben Stoff zum Nachdenken über heutige Beziehungen zwischen Frauen und Männern.
Sabine Kebir wurde 1949 in Leipzig geboren und wuchs in Berlin auf. 1967-1972 Studium Italienisch, Französisch, Russisch, bis 1977 Mitarbeiterin am Zentralinstitut für Literaturgeschichte der Akademie der Wissenschaften in Berlin/DDR (Dr. phil.). 1977 Auswanderung nach Algerien. Dort Dozentin an verschiedenen Universitäten. 1988 Übersiedlung nach Westberlin. 1989 Habilitation im Fach Politologie. Seitdem tätig als Publizistin, Literaturwissenschaftlerin, Politologin und freie Autorin. Lebt in BerlinVeröffentlichungen u. a.: Ein akzeptabler Mann? Streit um Bertolt Brechts Partnerbeziehungen (1987, Aufbau Taschenbuch Verlag 1998); Antonio Gramscis Zivilgesellschaft (1991); Eine Bovary aus Brandenburg (Roman, 1991); Zwischen Traum und Alptraum. Algerische Erfahrungen (1993); Ich fragte nicht nach meinem Anteil. Elisabeth Hauptmanns Arbeit mit Bertolt Brecht (Aufbau-Verlag 1997, Aufbau Taschenbuch Verlag 2000); Abstieg in den Ruhm. Helene Weigel. Eine Biographie (Aufbau-Verlag 2000).

Marion Brasch: "Ab jetzt ist Ruhe - Roman meiner fabelhaften Kindheit"

Marion Braschs unwiderstehlicher Roman erzählt die Geschichte ihrer außergewöhnlichen Familie im Spannungsfeld zwischen Ost und West. Der Vater war stellvertretender Kulturminister der DDR, die Brüder, darunter Thomas Brasch, wurden als Schriftsteller, Dramatiker und Schauspieler bekannt.
Mit überraschender Leichtigkeit erzählt die »kleine Schwester« die dramatischen Ereignisse in ihrer Familie – Erfolg, Revolte, Verlust der drei Brüder – und folgt ihrem Weg durch Abenteuer und Wirren in die eigene Freiheit. Selten wurde eine Familiengeschichte so persönlich und bewegend erzählt wie in diesem Roman.

Marion Brasch wurde 1961 in Berlin geboren. Nach dem Abitur arbeitete die gelernte Schriftsetzerin in einer Druckerei, bei verschiedenen Verlagen und beim Komponistenverband der DDR, später fürs Radio. Bei S. Fischer erschienen die Romane »Ab jetzt ist Ruhe«, »Wunderlich fährt nach Norden« und zuletzt »Lieber woanders«.

Lea Streisand: "Im Sommer wieder Fahrrad"

Ellis Heiden war Schauspielerin und Lebenskünstlerin, „eine Frau wie ein Gewürzregal“, lustig, temperamentvoll und furchtlos. In den 1940er Jahren etwa schummelte sie ihren Bräutigam, einen „Halbjuden“, in einer abenteuerlichen Aktion nach Berlin und rettete ihm damit das Leben. Auch die Nachkriegswirren, Mauerfall und Wendezeit meisterte sie mit einer umwerfend unkonventionellen Haltung zum Leben. Für die Ich-Erzählerin ist „Mütterchen“, die geliebte Großmutter, Gesprächspartnerin und oberste Instanz, deren unkonventionelle Moral verblüfft und deren Weisheit und „Mutterwitz“ sie durch schwere Zeiten tragen.

Autor*innen

Medien

„Unglücklich das Land, das keine Held*innen hat! ‒ Nein. Unglücklich ist das Land, das Held*innen nötig hat.“ (So ähnlich hat es Bert Brecht Galilei in den Mund gelegt.)

Konzept

Schauspiel

Drehbuch und Regie

Gianna Formicone

Drehbuch und Dramaturgie

Kristina Beck

Medien

Trickfilm

Katia Fouquet

Stimme

Sophie Rois

Sounddesign

David Tschöpe

Übertragung in Einfacher Sprache

Hardy Kuttner

Medien

Idee, Konzept, Stückfassung

Corinna Harfouch

Regie

Musik

Hannes Gwisdek

Kamera, Licht

Jesse Mazuch

Medien

Das Gedicht „Erinnerung an die Marie A.“ war der Aufhänger für den diesjährigen Kreativwettbewerb, mit dem der Brechtkreis Augsburger Schülerinnen und Schüler einlud, sich mit dem berühmtesten Dichter der Stadt zu beschäftigen. Auch das Mädchen, das Brecht zu diesem Gedicht inspiriert hat, ist in Augsburg zur Schule gegangen. Das ist allerdings schon eine Weile her. Brecht und Rosa lernten sich vermutlich 1916 in einer Eisdiele kennen. Ein Happy End gab es für die beiden nicht. Wohl aber für die Preisträgerinnen und Preisträger des Wettbewerbs, die beim kommenden Brechtfestival am 28.2. ausgezeichnet werden: Zwei Gedichte, zwei Erzählungen, ein Song, ein Hörspiel und ein Film werden bei der Preisverleihung ihre Online-Premiere feiern.

Vincent Kempter (Gymnasium bei St. Stephan, Klasse 6d) und Miriam Radlinger (A.B. von Stettensches Institut, Klasse 8a) haben die Jury mit ihren Gedichten überzeugt. Keren Lisowski (Maria-Theresia-Gymnasium, Klasse 6b) und Neele Walter (Maria-Theresia-Gymnasium, Q11) haben die Geschichte von Bert und Rosa erzählerisch beeindruckend weitergesponnen. Mit zwei ausgezeichneten Beiträgen ist die Klasse 6d des Gymnasiums bei St. Stephan vertreten: Die Jury zeigte sich begeistert von einem mutigen Lovesong (Sebastian Lebmeier, Albrecht Stiesch und Benjamin Wohlfarth) und einem einfühlsamen Hörspiel (Eva Gunkel, Irina Foanene und Magali Schlosser) mit Brecht und Rosa als Protagonist und Protagonistin. Jette Schwarzer, Johanna Müller, Charlotte Stiesch und Valentina Schäffer aus der Klasse 7d des Gymnasiums bei St. Stephan haben einen Minifilm produziert, in dem Rosa als ältere Dame auf die Begegnung mit Bert zurückblickt. Die Schülerinnen entwickelten dafür ein Drehbuch, spielten die Rollen von Bert und Rosa und übernahmen auch Kamera und Schnitt in Eigenregie. Die Preisverleihung würdigt die Gewinnerinnen und Gewinner mit Laudationes von Horst Thieme, Pia Haertinger, Miriam Zißler, Manuela Wagner und Wolfgang Leeb. Die Gewinnertexte werden von Schauspielern des Staatstheaters Augsburg präsentiert. Der preiswürdige Song, das Hörspiel und der Film werden ebenfalls online zu hören und zu sehen sein.

Medien

Für den diesjährigen Festivalbeitrag des Staatstheaters Augsburg setzen sich Tom Kühnel und Jürgen Kuttner mit Heiner Müllers »Medeamaterial« auseinander. Sie setzen damit ihre intensive Beschäftigung mit dem zweiten großen deutschen Dramatiker des 20. Jahrhunderts fort, die 2020 mit dem Gastspiel von »Der Auftrag« und einer Hörspielreihe begonnen wurde. Coronabedingt kommt es in diesem Jahr leider nicht zu einer Bühneninszenierung. Stattdessen kreieren die an der Produktion Beteiligten – ausgehend vom digitalen Online-Entstehungsprozess – gemeinsam ein assoziatives musikalisch, bildhaftes Video, in dessen Zentrum eine der berühmtesten Frauenfiguren der Literaturgeschichte steht. Das 1983 in Bochum uraufgeführte Triptychon Verkommenes Ufer Medeamaterial Landschaft mit Argonauten« ist kein klassisches Theaterstück, sondern eine postdramatische Textcollage.
In der Augsburger Digital-Fassung konzentriert sich das Regieteam vor allem auf Müllers Kondensat des antiken Medea-Mythos – im wahrsten Sinne des Wortes »Material«, das einen dezidiert bildkünstlerischen Zugriff geradezu einfordert.
Tom Kühnel und Jürgen Kuttner nähern sich dem Text über eine stark musikalisch grundierte Form, in deren Fokus der weibliche Aspekt der archetypischen Frauengestalt Medea steht, die – Opfer und Täterin gleichermaßen – mit Gewalt die Geschichte der Gewalt unterbricht.

Regie: Tom Kühnel und Jürgen Kuttner
Bühne: Maximilian Lindner, Kostüme: Laurant Pellissier, Komposition: Lila-Zoé Krauß, Helena Ratka, Dramaturgie: Lutz Keßler
Mit: Elif Esmen, Natalie Hünig, Christina Jung
Live-Musik: Lila-Zoé Krauß, Helena Ratka
Verlagsrechte: Henschel Schauspiel
Foto: Jan-Pieter Fuhr

Pressestimme:
„Heiner Müller hat den klassischen Medea-Tragödienstoff mit Träumen und Reflexionen über die Gegenwart verknüpft. Tom Kühnel und Jürgen Kuttner destillieren daraus ein faszinierendes Konzentrat, das in der Verschmelzung von Theaterperformance, Film und Musik ein eindringliches Erblebnis und in seiner ungezügelten Assoziationswut viel Stoff zum Weiterdenken bietet.“ Donaukurier

Regie

Dramaturgie

Lutz Keßler

Schauspiel

Live-Musik

Medien

Eine Produktion des Brechtfestivals Augsburg 2021

© Hamdemir / Isletme

Medien

Phase

Die Gegenwart mit Brecht und Brechts Werk mit der Gegenwart konfrontieren

2019 - 2017

Festival

Brechtfestival 2019 - Für Städtebewohner*innen

2019

Produktionen

Von Brechts „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ haben sich andcompany&Co. zu einer Frontal-Performance im Geiste der sozialistischen Anfänge des Internets inspirieren lassen. Ein Training für alle, die lernen wollen, die schwindelerregende Komplexität der Gegenwart auszuhalten.

Wir befinden uns an einem dystopischen Ort nach dem großen Datencrash. Schwarz-weiße Hochhausskelette markieren die Ruinen eines stillgelegten Datencenters. Hier tüfteln Sascha Sulimma, Nicola Nord und Alexander Karschnia in knallroten Polaranzügen an einer Art Kontextualisierungs- und Rekapitulationsmaschine. Besessen von der Frage, wie es dazu kam, dass die sozialistische Utopie einer Kommunikation, die alle Menschen als gleichwertige Individuen vereint, sich in ihr Gegenteil verkehrte, begeben sich die drei zu den eher unbekannten Anfängen von Big Data: Denn schon der chilenische Präsident Salvador Allende träumte Anfang der 70er Jahre von einem Supercomputer, der die Bedürfnisse der Bevölkerung in Echtzeit erheben und daraus die Grundlage für die Produktion von Gütern schaffen kann. Seine „Kommunistenmaschine“ sollte die komplette Wirtschaft steuern.
Fast ein halbes Jahrhundert danach ist das Internet allgegenwärtig. Wer sich einloggt, hinterlässt Spuren. Algorithmen werten diese Spuren aus, um ständig neue Angebote zu machen. Informationen schaffen die Grundlage für Konsum. Konsum schafft Wachstum. Eine unendliche Schleife von Information und Feedback entsteht. Doch was passiert, wenn eine Armee von Trollen das Netz erobert und Social Bots die Deutungshoheit an sich reißen? Wer hat dann noch die Kontrolle? Was ist das für ein System? Was ist überhaupt ein System und wie kommen wir da heil wieder raus? Braucht es einen kontrollierten Absturz?

„Colonia Digital – The Empire feeds back!“ entfesselt einen regelrechten Sturm an Fragen und durchlüftet vorgefertigte Denkweisen.

Von und mit: Alexander Karschnia, Nicola Nord, Sascha Sulimma&Co. / Konzept & Regie: andcompany&Co. / Text: Alexander Karschnia&Co. / Bühne: Jan Brokhof&Co. / Video: Kathrin Krottenthaler / Lichtdesign: Sebastian Zamponi / Kostüme/Mitarbeit Bühne: Franziska Sauer&Co. / Ton: Mareike Trillhaas

Eine Produktion von andcompany&Co. in Koproduktion mit HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt am Main, FFT Düsseldorf, Ringlokschuppen Ruhr, Theater im Pumpenhaus Münster, Brechtfestival Augsburg und brut Wien. Gefördert durch den Fonds Darstellende Künste und die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa, die Kunststiftung NRW und das Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ Gastspielförderung Theater, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, sowie den Kultur- und Kunstministerien der Länder.

Ort: abraxas Theater
Einführung: am 27.2. mit Lutz Keßler 30 Minuten vor Veranstaltungsbeginn
Dauer: 1 Stunde 30 Minuten
Tickets: 18€ >> 10€
In deutscher und englischer Sprache

andcompany&Co. ist ein postdramatisches Theater/Performance-Kollektiv, das 2003 von Alexander Karschnia, Nicola Nord und Sascha Sulimma ins Leben gerufen wurde. Ihre Arbeiten behandeln häufig historisch-politische Themen in zeitgenössischer popkultureller Form. Einen ersten großen Erfolg landete das Kollektiv mit der Inszenierung „little red (play): ‚herstory‘“ 2006. Verschiedene Produktionen waren beim Theaterfestival Impulse (NRW) und beim Dortmunder Theaterfestival Favoriten eingeladen. Darüber hinaus sind aus einzelnen Produktionen auch Hörspielbearbeitungen entstanden wie „Orpheus in der Oberwelt. Eine Schlepperoper“(2015) oder „Warpop Mixtape FAKEBOOK VOLXFUCK PEACE OFF! Schland of Confusion“2016 für den WDR. 2010 erarbeitete andcompany&Co. einen „brasilianisierten Brecht“ mit brasilianischen Performerinnen.

Medien

Zehn Gedichte – eine Stadt. BLUESPOTS PRODUCTIONS, dieses vielköpfige multimediale Wunderwesen, lässt sich von Brechts „Aus einem Lesebuch für Städtebewohner“ inspirieren. Das Kollektiv führt die Festivalbesucher*innen täglich zu den sichtbarsten und verborgenen Nischen der Stadt.

Zehn Gedichte enthält Brechts „Aus einem Lesebuch für Städtebewohner“. Mit den Gedichten als Material wird ein poetisches Netz durch die Stadt gespannt. Zehn Teams inszenieren an zehn Tagen jeweils ein Gedicht. Brechts Betrachtungen der Großstadt, ihre Bewohner*innen und Abgründe werden zum Ausgangspunkt für ganz persönliche Interpretationen. Die Künstler*innen widmen jedem Gedicht einen eigenen Ort. Keine Inszenierung gleicht der anderen.

Mit seinem unverwechselbaren multimedialen Zugang schafft das Ensemble von BLUESPOTS PRODUCTIONS ein ästhetisches Puzzlespiel, eine zeitkritische Hommage an Brechts Lyrik, zwischen Theater, Performance, Tanz, Spiel, Recherchetheater, Installation und transmedialer Collage. Wer der gelegten Fährte folgt und sich den Assoziationen des Kollektivs überlässt, wird sicherlich einige neue und unerwartete Eindrücke von Brechts Augsburg gewinnen.

Konzept und Umsetzung: Das Ensemble von BLUESPOTS PRODUCTIONS

Orte und aktuelle Informationen unter http://bluespotsproductions.de/

Dauer: jeweils ca. 30 Minuten

Tickets: Kombiticket für alle 10 Abende im Vorverkauf: 19€ >> 15€.

Einzeltickets an der Abendkasse: 5€.

BLUESPOTS PRODUCTIONS steht für innovative Kunst, die in Erinnerung bleibt und nachhaltige Eindrücke hinterlässt. Daher der Name: „bluespots − blaue Flecke“. Das Kollektiv existiert seit 2011 als freies, multimediales und innovatives Theaterensemble in Augsburg. Theater, Audio, Video, Fotografie, Musik, Design, Tanz, soziale Medien und Performancesind seine Ausdrucksformen. Die Künstler*innen lassen sich von Orten zu Geschichten inspirieren. So wird die ganze Stadt zur Bühne und die Zuschauer*innen zu Mitakteur*innen in einem interaktiven Setting. Dafür wurden sie von der Bundesregierung mit dem Label „Kultur- und Kreativpiloten“ ausgezeichnet.

Medien

Dirk Bernemann („Asoziales Wohnen“), Johanna Maxl („Unser großes Album elektrischer Tage“) und Julia von Lucadou („Die Hochhausspringerin) zeichnen in ihren aktuellen Romanen ein eher düsteres Bild der Zukunft in den Städten. Drei Lesungen und Autorengespräche über die ästhetische Kraft der literarischen Schwarzmalerei.

Welche literarische Kraft liegt in der Auseinandersetzung mit den hässlichen Seiten des Menschseins, wie beispielsweise Vereinzelung, kaputten menschlichen Beziehungen, Armut, Erfolgsdruck und Konsumzwang?

Dirk Bernemann seziert in seinem Roman „Asoziales Wohnen“ mit akribischem Blick für Details die Abgründe der Bewohner*innen eines Beton-Wohnblocks. Johanna Maxl poetisiert die Geschichte einer scheinbar verschwundenen Mutter, deren (Ab-)Wesenhaftigkeit von ihren Kindern in einem irren Wortstrudel umkreist wird. Julia von Lucadou zeichnet in „Die Hochausspringerin“ das Porträt einer gläsernen Gesellschaft zwischen Adrenalin- und Effizienzrausch.

Was fasziniert Gegenwartsautor*innen an totalitären Gesellschaftsmechanismen, in denen Kontrolle, Effizienzdruck und der Zwang zur Selbstoptimierung das Zusammenleben diktieren? Welche Deformationen erleidet der/die Stadtbewohner*in durch die ihn/sie umgebende Architektur? Sind die eigenen vier Wände eher ein schützendes Refugium oder ein isolierendes Gefängnis?
Diese und weitere Fragen schlummern in den drei Büchern der eingeladenen Autor*innen.
In Einzel-Lesungen werden sie einen Einblick in ihre Texte geben, um im Anschluss gemeinsam ins Gespräch über ihre Arbeit, ihre Schreibvektoren, -motivationen und -verhinderungen zu kommen.

Mit: Dirk Bernemann, Johanna Maxl, Julia von Lucadou

Moderation: Patrick Wengenroth

Ort: Grandhotel Cosmopolis

Dauer: 2 Stunden, 30 Minuten
Tickets: 15€ >> 10€, Kultursozialticket: 1€

Dirk Bernemann wurde an einem kalten Dezembernachmittag 1975 als Sohn eines Kriegsveteranen und einer Kosmonautin im westlichen Münsterland geboren. Seit 1989 tritt er als Autor und Musiker in Erscheinung. Er trat in Poetry-Slams auf und veröffentlichte in diversen Anthologien. Mit „Ich hab die Unschuld kotzen sehen“ erschien 2005 sein erster Erzählband. Im Oktober 2015 hatte sein erstes Theaterstück "Bella Noir - 2 Zigaretten Demut" in München am „theater ... und so fort“ Premiere.

Johanna Maxl arbeitete mit ihren literarischen Texten bislang vor allem intermedial, in Performances oder Installationen. Mit dem Künstler Jakub Šimčik leitet sie die interdisziplinäre Plattform Initiative Wort & Bild. Nach dem Studium am Deutschen Literaturinstitut ist sie Meisterschülerin in der Fachklasse für Intermedia an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Unser großes Album elektrischer Tage, auch von der Performancegruppe James & Priscilla inszeniert, ist ihr Debütroman über fluide Identitäten im 21. Jahrhundert.

Julia von Lucadou wurde 1982 in Heidelberg geboren und ist promovierte Filmwissenschaftlerin. Sie arbeitete als Regieassistentin, Redakteurin beim Fernsehen und als Simulationspatientin. Sie lebt abwechselnd in Biel, New York und Köln. Ihr vielbeachtetes Debüt als Autorin gab sie 2018 mit der Veröffentlichung ihres Romans "Die Hochhauspringerin", der für den Schweizer Buchpreis 2018 nominiert ist.

Medien

Dr. Michael Friedrichs biografische Brecht-Lectures zeugen von großer Kennerschaft und reichem Detailwissen. Mit detektivischer Genauigkeit zeichnet er aus Bildern, Notizen, Zitaten und anderen Artefakten ein erhellendes Bild von Brecht in seinem alltäglichen Umfeld. Für das Brechtfestival nimmt Friedrichs mit der Schauspielerin Ute Fiedler Brechts Fährte auf und folgt dem jungen Dichter durch die Straßen der Großstadt Berlin.

Bertolt Brecht unternimmt in den Jahren 1920 bis 1924 mehrere Reisen nach Berlin, ehe er Augsburg im September 1924 endgültig den Rücken kehrt. Berlin verschafft ihm das erregende Erlebnis einer Großstadt, die er erobern will und deren Sound er in den Ohren hat. Schon die erste Reise ist ergiebig. Hedda Kuhn, eine frühere Kommilitonin aus München, unterstützt ihn. Brecht lernt Dora Mannheim kennen, die für Kiepenheuer arbeitet. Beide vermitteln ihm wichtige Kontakte zur Bühne, zum Verlag, zur Kabarett-Szene – ein Netzwerk für die kommenden Jahre. Aber der Geldmangel! Und Gesundheitsprobleme! Darüber hinaus sind menschliche Bedürfnisse zu befriedigen: In der Zeit des Berlinpendelns führt Brecht fünf oder sechs enge Beziehungen zu Frauen, darunter Hedda Kuhn, Paula Banholzer und Marianne Zoff. Außerdem pflegt er eine enge Freundschaft mit dem Schriftsteller Arnold Bronnen. Dr. Michael Friedrichs rekonstruiert Brechts Alltag in dieser Zeit und beschreibt, wie sich der Autor in den frühen 1920er Jahren vom Großstadt-Flair Berlins einfangen ließ und wie er seine Eindrücke literarisch verarbeitete in Gedichten, Theatertexten und Erzählungen. Eine Zeit, die den jungen Autor vor existenzielle Herausforderungen stellte, denn „Der Morgen riecht immer nach Raubtieren“ (Notizbuch 10, November 1921).

Konzept: Dr. Michael Friedrichs. Mit: Dr. Michael Friedrichs, Ute Fiedler
Eine Produktion des Brechtfestivals in Kooperation mit dem Staatstheater Augsburg.

Ort: Liliom

Dauer: 1 Stunde 20 Minuten

Tickets: 10€ >> 7€

Dr. Michael Friedrichs ist Redakteur der Brecht-Zeitschrift „Dreigroschenheft" und Vorsitzender des Brecht-Kreises Augsburg. Er ist u.a. aktiv beim Augsburger Poetry Slam, im Haiku-Kreis von Yuko Murato, bei den Kültürtagen und auch als Juror beim Literaturpreis des Bezirks Schwaben.

Medien

„Verlass die Stadt / Die keine ist / Nimm meine Hand / Und führ mich weg / Aus meiner Stadt / An jenen Ort der mich vermisst“ singt die österreichische Liedermacherin Gustav aka Eva Jantschitsch und schlägt damit unmittelbar eine Brücke zum aktuellen Themenfeld des Brechtfestivals: das Leben in der Stadt. Anonymität, Isolation, die Reduktion des Menschen auf Funktionalität, Identitätssuche, urbane Konflikte, all dies spiegelt sich auch in der Musik und in den Texten der Künstler*innen der „Langen Brechtnacht“.

Das Format greift das Lebensgefühl der Städtebewohner*innen musikalisch auf und präsentiert ein Kaleidoskop an progressiver, künstlerisch relevanter Musik. Ob Gustavs Protestsongs in träumerischem Elektropop Gewand, Gisbert zu Knyphausens deutschsprachige Singer-Songwriter-Kunst, die feinen Zeilen von Dota, die federleichte futuristische Popmusik von Let's Eat Grandma aus England oder die urbane Mischung von Rap und Jazz der eigens für die „Lange Brechtnacht“ ins Leben gerufenen Formation „Städtebewohner“- jeder Song, jede Nummer, jeder Titel bricht Festgefahrenes auf, wirft es über den Haufen und regt dazu an, die Trümmer zu etwas Neuem zusammenzubauen – ganz im Geiste Brechts.

Die Lange Brechtnacht wird kuratiert von Girisha Fernando.

19.45 – 21.00 UHR

martini-Park, Großer Saal

GISBERT ZU KNYPHAUSEN (Rheingau)

Er ist einer der herausragenden deutschsprachigen Songwriter der Gegenwart.
Gisbert zu Knyphausen schreibt in meisterlicher Poesie vom Zustand der Welt und seiner Seele und ist dabei stets auf der Suche nach dem Wesen der Dinge.

In der erzählerischen Tradition großer angloamerikanischer Songwriter wie Bob Dylan oder Paul Simon wandeln seine Songs mit spielerischer Melancholie zwischen Alltagsbeobachtung und Innenschau. Damit trifft zu Knyphausen den Nerv einer ganzen Generation. Das erste Album ist 2008 erschienen. Viele folgten. Zuletzt 2017 das musikalisch überaus geschmackvoll in Szene gesetzte Beatlesque„Licht der Welt“. Für die „Lange Brechtnacht“ lässt sich Gisbert zu Knyphausen auch von Brechts „Lesebuch für Städtebewohner“ inspirieren und reflektiert den Themenkomplex des Festivals mit einem eigens für die Brechtnacht geschriebenen Song.

19.45 – 21.00 UHR

TIM

DOTA (Berlin)

Sie schafft es wie keine andere „das aktuelle Geschehen in einer wortgewaltigen und einzigartig inszenierten Poesie auszudrücken“, schreibt die Presse über Dota. Die Songs der Berliner Liedermacherin sind pointiert und scheuen sich nicht, dystopische Zustände heraufzubeschwören. In „Raketenstart“ ist die Menschheit nur noch zu retten, wenn sie von der zerstörten Erde flieht. Dota singt von Wischbewegungen auf dem Smartphone, die Sehnsüchte erfüllen sollen, von Leistungsdruck und mischt sich musikalisch ein in die aktuelle Sexismus Debatte. In ihren Liedern und auf ihrem aktuellen Album „Die Freiheit“ sprüht sie vor mitmenschlicher Neugier und offenherzigem Lächeln, sucht Fluchtwege aus der Stadt und aus der Realität, tanzt metaphorisch zwischen Leben und Tod und erzählt humorvoll von den gesellschaftlichen Zwickmühlen des Alltags.

Ab 19.45 UHR

martini-Park

„No Lights, Big City“

Theatrale Installation mit dem Theter Ensemble (Augsburg)

20.00 – 21.15 UHR

1832 im martini-Park

MAMMAL HANDS (Norwich/ UK)

Mammal Hands aus Norwich in Großbritannien verbinden Jazz und Electronica auf faszinierende Art und Weise. Das Trio besteht aus Nick Smart (Piano), Jesse Barrett (Schlagzeug und Tabla) und Jordan Smart (Saxofon). Rituelle Musik aus Afrika, irische und osteuropäische Folklore, John Coltranes Modal Jazz, Steve Reich, Philipp Glass aber auch zeitgenössische Electronica inspirieren ihren unverwechselbaren Sound. Einfach anmutende Motive, deren Energie sich in rhythmisch wiederholten Phrasen aufbaut, erreichen eine nahezu hypnotische Wirkung. So entsteht Musik, die komplex ist und tanzbar zugleich.

21.30 – 22.45 UHR

GUSTAV & BAND (Wien / AT)

Dieses Charisma aus Eleganz und Charme und intellektuellem Biss, das man bei der Sängerin Gustav findet, sucht im deutschsprachigen Pop seinesgleichen. Der unverwechselbare Gustav-Sound, der sich aus unterschiedlichsten Einflüssen speist, ist mit subversiv politischen Texten verknüpft. Eva Jantschitsch, wie Gustav mit bürgerlichem Namen heißt, ist in Graz aufgewachsen und studierte Medienkunst in Wien. Dort galt sie als eine der Pionierinnen des Electro-Pop, weil sie ihren Laptop von Anfang an als Musikinstrument begriff. Eines, das man mit Sounds und Samples füttern und dabei wunderbare Lieder basteln konnte. „Rettet die Wale und stürzt das System und trennt euren Müll, denn viel Mist ist nicht schön“, sang sie 2004 auf ihrem ersten Album. Die soziale Botschaft im zauberhaften Musikgewand bescherte ihr einen Undergroundhit. In den vergangenen Jahren schuf die mehrfach ausgezeichnete Künstlerin Film- und Theatermusiken in Wien und in München. In der „Langen Brechtnacht“ präsentiert sie zusammen mit den Musiker*innen Elise Mory, Rina Kaçinari, Oliver Stotz, Didi Kern und Imre Lichtenberger-Bozoki neben eigenen Songs auch Musikstücke aus der Neufassung der legendären „Proleten-Passion“ und der mitreißenden Produktion „Alles Walzer, alles brennt“ des Wiener Volkstheaters.

21.30 – 22.30 UHR

TIM
LET'S EAT GRANDMA (Norwich / UK)

Wenn es möglich wäre, an manchen Tagen wie ein Alien auszusehen und an anderen Tagen unsichtbar aufzuwachen – Jenny Hollingworth und Rosa Walton würden es tun. Von vorgefertigten Körper- und Geschlechterbildern wollen sie sich jedenfalls nicht einschränken lassen. Das britische Duo aus Norwich geht schon seit dem Kindergarten gemeinsame Wege. Inzwischen sind beide 19 Jahre alt und mit ihrem offen zum Kannibalismus auffordernden Bandnamen auf dem besten Weg, britische Musikgeschichte zu schreiben: Seit ihrem Debüt 2016 sorgen Let's Eat Grandma mit ausgefallenem Future Pop für Furore: Im Oktober 2018 wurde „I’m All Ears“, ihre kaleidoskopische Reise durch die Pop Chiffren des 21. Jahrhunderts, in London beim renommierten Q Magazine Award als „Album des Jahres“ ausgezeichnet.

„Weibliche, teils computermanipulierte Stimmen über synthetisch-funkelnden Sounds. In Let's Eat Grandmas Musik bündelt sich alles, was in der digitalen Welt aktuell gelebt wird: Spaß, krasser Kommerz, geteilte Inhalte und Erfahrungen, Kitsch, Naivität und ein gewisses Gender-Bewusstsein. Der Sound der Millennials.“ (Deutschlandfunk)

20.00 – 21.00 UHR

Provino Club
THE BASSAS (Augsburg)

Im Keller des Provino Clubs geboren, eröffnen The Bassas die Bühne eben dort – Post-Indie-Rock mit Drums, Bass, Gitarren, Synthesizer und einem Song zu ihrer Stadt.

21.30 – 22.30 UHR
Provino Club
SWUTSCHER (Hamburg)

Zwischen Garagenrock, Surf, Swamp-Blues, Country, Polka, Postpunk, Chanson und allen anderen erdenklichen Gattungen des Instrumentariums Bass, Schlagzeug, Gesang und Tasten spielen Swutscher die Musik der ewigen Vagabunden, Seeleute, Bauernkinder und halbbefreiter Sklaven. Es sind Songs voll von alltäglichem Wahnwitz, ungeniertem Exzess und Melancholie. Vom Leben in Deutschland, das bekanntlich mitten in Europa liegt, singen die Norddeutschen und packen ihre Beobachtungen rund um alltägliche Situationen der Städte in verschrobene, lakonische, sperrige und poetische Songs.

21.45 & 23.00 UHR
1832 im martini-Park
DIE STÄDTEBEWOHNER (Augsburg)

Eigens für die „Lange Brechtnacht“ formiert, spiegeln DIE STÄDTEBEWOHNER Tom Jahn (Keys), Tilman Herpichböhm (Drums), Alexander Maschke (Synthesizer) zusammen mit den Rappern Mr Feat (Blindspot) und Nico Trautz (Rapatoi) zwei kontemporäre Musikstile, die jeweils als der Inbegriff der Urbanität gelten: Jazz und HipHop. Verwegen arrangierte, im Jazz beheimatete Instrumentals treffen auf Beats eines urbanen Zeitgeistes und auf deutsch-englischen Sprechgesang.

23.00 – 00.15 UHR
TIM
GET WELL SOON (Mannheim / Berlin)

Der Sänger, Multiinstrumentalist und Songschreiber Konstantin Gropper wandelt mit seiner Band Get Well Soon auf den funkelnden Pfaden ambitionierter Popmusik. Sein eigener Klangkosmos ist aus dem Indie Rock der 1990er geboren und nimmt Anleihen aus der italienischen Filmmusik der 1970er, aus Frank Sinatra's Orchesterarrangements der 1950er und aus der performativen Dramatik eines Nick Cave der 1980er. Alles zusammen vereint sich zu wunderschön einprägsamen Songs abseits aller flüchtigen Trends. In Get Well Soons Texten sind philosophische, politische und historische Themen wiederzufinden. Sein jüngstes Werk „The Horror“ entspringt den Abgründen dunkelster Träume und verarbeitet individuelle wie kollektive Ängste angesichts der aktuellen politischen Großwetterlage, dem Aufstieg des Populismus, dem Krieg in Syrien und der Erinnerung an die Weltkriege in Europa.

23.00 – 0.00 UHR
Provino Club

DAS PARADIES (Leipzig)

Der Singer-Songwriter Florian Sievers hat nicht nur ein Gespür für einfühlsame Melodien, sondern bezaubert auch mit malerischer Poesie. Zwischen Düsternis und Hoffnung schweben intelligente Texte dezent begleitet von Gitarre, Keyboards und Schlagzeug. Die Szene zeigte sich so begeistert, dass Sieverts Debütalbum „Goldene Zukunft“ 2018 auf dem Label von Herbert Grönemeyer erschien und Bands wie Kettcar und Element of Crime DAS PARADIES als Vorband für ihre Live-Auftritte engagierten.

23.00 UHR
martini-Park, Foyer
(M)ein Lied für Augsburg

Der Gewinner des „(M)ein Lied für Augsburg – Slams“

Ab 00.00 UHR
Provino Club
AFTERSHOWPARTY

Ghetto Funk, HipHop, Bassmusik & Breaks mit DJ Forrest Funk + DJ Roughmix

Ab 00.15 UHR
TIM - BARLIFE

House, Acid Jazz, World & Exotica mit dem Kuriosum DJ Team

Eine Veranstaltung mit freundlicher Unterstützung der Stadtsparkasse Augsburg und der Stadtwerke Augsburg. Gefördert vom Bezirk Schwaben.

Tickets 19€ >> 15€

Abendkasse an allen Veranstaltungsorten. Der Erwerb eines Tickets berechtigt

zum Eintritt bei allen o.g. Veranstaltungen. Bei Überfüllung kann kein Einlass gewährt

werden. Einlass ab 30 Minuten vor Beginn der jeweiligen Veranstaltung.

Medien

Deutsch-amerikanische Lebensgeschichten aus Augsburg Bürgerbühnenstücke spiegeln das vielfältige Stadtleben aus sehr persönlichen Blickwinkeln. Das neue Stück des JTA greift die deutsch-amerikanische Stadtgeschichte Augsburgs auf. Bürger*innen erzählen darin
von Fremdheit und Nähe, von Heimat und Heimweh und davon, wie Menschlichkeit alte Feindbilder überwand. In der Nachkriegszeit war Augsburg einer der größten US-amerikanischen Militärstandorte in Deutschland. Hier lebten in den 1960er Jahren bis zu 30.000 US-Bürger*innen. Anfangs galt für die US-Soldaten und ihre Familien noch ein striktes Fraternisierungsverbot.

Freundschaftlicher Kontakt mit den Einheimischen war für die GIs tabu. Aber auch die deutschen Anwohner*innen begegneten den Fremden mit großen Vorbehalten. Zum Glück blieben die Fronten nicht lange verhärtet. Im Lauf der Jahrzehnte ergaben sich sogar sehr herzliche Beziehungen: Aus ehemaligen Feinden wurden Arbeitskollegen, Freunde, Lebens-und Ehepartner*innen.

20 Jahre nach der Schließung der letzten US-Kaserne in Augsburg macht sich „Home is where the heart is“ auf die Suche nach Spuren aus mehr als 50 Jahren deutsch-amerikanischem Zusammenleben. Lebens- und Liebesgeschichten, musikalische Erinnerungen, Fotos und Filme verdichten sich zu einem Theaterstück. Als Zeitzeuge spielt dabei auch der Aufführungsort eine Rolle. Das Gebäude des Kulturhaus abraxas diente früher den Amerikanern als Offiziersklub und später als „Family Recreation
Center“. Im Gegensatz zu den meisten anderen Kasernengebäuden
ist es bis heute erhalten und noch original bestuhlt.

Mit zahlreichen Expert*innen des Alltags aus Augsburg und Umgebung
Regie und Text: Susanne Reng / JTA, Musikalische Leitung und Mitarbeit
Dramaturgie: Ute Legner / MEHR MUSIK!, Produktionsbegleitung:
Gerald Fiebig / Kulturhaus abraxas, Projektionen: Gerhard Fauser /
Tonaufnahmen: Kilian Bühler / Regieassistenz: Teresa Harsch / Technik: Peter Lehnert

Susanne Reng kam 2003 als Schauspielerin, Regisseurin und Musikerin an das Junge Theater Augsburg. Inzwischen leitet sie das Haus zusammen mit Volker Stöhr. Die Gründung der Bürgerbühnensparte am Jungen Theater geht auf ihre Initiative zurück. Produziert werden verdichtete Stücke aus den
Geschichten der mitspielenden Expert*innen des Alltags. Im Fokus steht dabei immer die Vielfalt der Stadtgesellschaft und die gemeinsame Heimat Augsburg.

Eine Produktion des Jungen Theaters Augsburg in Kooperation mit MEHR MUSIK!, dem Kulturhaus abraxas und dem Brechtfestival.

Gefördert vom Bayerischen Staatsministerium für Wissenschaft und Kunst, der Arno Buchegger Stiftung und der Kurt und Felicitas Viermetz Stiftung.

Medien

„Auf der Straße" erzählt von Menschen am Rande der Gesellschaft. Von Wohnungs-, Obdachlosigkeit und von Armut Betroffene werfen, gemeinsam mit Schauspieler*innen des Berliner Ensembles, unterschiedliche Perspektiven auf eine gesellschaftliche Debatte, die sich im Kern um die Frage nach einem sozialen Miteinander und einer solidarischen Gesellschaft dreht.

Der Mensch ist ein soziales Wesen. Er lässt sich nicht antisozial denken,
ohne seine eigene Existenz aufs Spiel zu setzen. Inwiefern beraubt der
ungewollte Verlust der Teilhabe an der Gesellschaft das Individuum seiner
Existenz und damit seiner menschlichen Würde? Das Bruttoinlandsprodukt
Deutschlands ist top, die Wirtschaftskraft EU-weit Spitze, die Kaufkraft
der Deutschen steigt, die Arbeitslosenquote ist niedrig. Gleichzeitig
nehmen Kinder- und Altersarmut rasant zu, versorgen immer mehr Tafeln
immer mehr Menschen, platzen Notunterkünfte für Obdachlose aus allen
Nähten. Nirgendwo in der EU ist das Risiko so groß, als Arbeitslose/r in
die Armut abzurutschen, wie in Deutschland. Galt noch vor 20 Jahren der
größte Teil der Wohnungslosen als „psychisch krank“, ist ihr Anteil heute
verschwindend gering. In den vergangenen acht Jahren hat sich die Zahl
der Wohnungslosen verdoppelt. Hauptgrund: Mietschulden. Was, wenn
die Miete das Leben auffrisst und der Weg auf die Straße kürzer ist als
der Gang zum Amt? Wenn ehemalige Heimkinder keinen Weg mehr zurück
ins Wohnen finden – und Hartz-IV-Empfänger*innen zu Wohnungsbesichtigungen erst gar nicht eingeladen werden?

Regisseurin Karen Breece hat über Monate hinweg in Berlin recherchiert
und Gespräche geführt. Mit Obdachlosen, mit Menschen, die obdachlos
waren, mit Menschen, die auf staatliche Unterstützung oder den Gang
zur Tafel angewiesen sind, um überleben zu können, und mit Menschen,
die sich um Obdachlose und Arme in Berlin kümmern. Auf Basis dieser
Gespräche und Recherchen, hat sie sich gemeinsam mit von Obdachlosigkeit
und Armut Betroffenen und Schauspieler*innen des Berliner
Ensembles der Auseinandersetzung mit dem Thema gestellt. Der daraus
entstandene Theaterabend will den von der Gesellschaft ausgeschlossenen
Menschen eine Stimme geben, einen Raum der Teilhabe, ein Gegenüber,
das sie wahrnimmt.

Warum sind Menschen, die Hilfe benötigen, sich selbst überlassen – in
einem der reichsten Länder Europas? Was treibt eine Gesellschaft dazu
an, sich zu entsolidarisieren? Und was hat diese Entwicklung mit jedem
Einzelnen von uns zu tun?

Mit: Psy Chris, Nico Holonics, Bettina Hoppe, René Wallner, Alexandra Zipperer und dem integrativen Chor Different Voices of Berlin

Regie: Karen Breece / Bühne: Eva Veronica Born / Kostüme: Claudia Irro / Musik: Beni Brachtel / Licht: Steffen Heinke / Künstlerische Beratung: Clara Topic-Matutin

In der Tradition seiner früheren künstlerischen Leiter Bertolt Brecht
und Heiner Müller konzentriert sich das Berliner Ensemble auf Theater
über unsere Gegenwart. Im Zentrum des Spielplans stehen neben
den Werken von Bertolt Brecht vor allem aktuelle Stoffe und zeitgenössische
Stücke lebender Autoren, die die drängenden Themen der Zeit auf der Bühne verhandeln.

Karen Breece entwickelt Stücke auf der Basis intensiver Recherchearbeit.
Viele ihrer bisherigen Arbeiten beschäftigen sich mit der Aufarbeitung der deutschen NS-Geschichte, mit der politischen Gegenwart und Fragestellungen der Interkulturalität und Identität. Sie hat mit den Münchner Kammerspielen koproduziert und war 2017 beim FIND-Festival an der Berliner Schaubühne zu Gast.

www.berliner-ensemble.de/mehrauf-der-strasse

Aufführungsrechte: Karen Breece
Eine Produktion des Berliner Ensembles „Auf der Straße“ entstand im Rahmen der Exzellenz-Reihe gefördert durch die Deutsche Bank Stiftung.

Regie

Karen Breece

Eine Produktion von

Berliner Ensemble

mit

Ort

martini Park

Medien

In der Dämmerung des Ersten Weltkriegs beginnt das Zeitalter der „permanenten Revolution“ in der Kunst, die besonders in den Großstädten florierte. Auch Brechts Leben und Werk wurden vom revolutionären „Urknall“ von 1917 bis 1919 mitgeprägt. Daran knüpft das Brechtfestival an und zelebriert einen avantgardistischen Sinnesrausch mit einer Live-Installation unter der Federführung von „loop30“ und namhaften Gästen aus Hamburg.

Noch vor den politischen Revolutionen rund um das Jahr 1918 hatte die Kunst das Paradigma der Revolution für sich entdeckt. Im künstlerischen Bereich erwies sich der kreative Umsturz als äußerst fruchtbares und zumeist unblutiges Modell. Aus diesem Anlass zeigt „loop30 – Der Hör-Raum im Kulturhaus abraxas“ Anfang 2019 eine Ausstellung des Hamburger Künstlerduos Studio KO-OP (Paolo Moretto und Peter Kastner alias PAAK): Mit dem Langzeitprojekt „Dilettantische Bauern“ grenzt sich STUDIO KO-OP ab von „den Dilettanten des globalen und gleichzeitig nationalen Kapitalismus“, die derzeit die Welt so unsicher machen wie schon lange nicht mehr. Studio KO-OP macht da nicht mit. Stattdessen erinnert das Duo daran, dass es auch anders ginge, indem es runde Geburtstage feiert, gerne auch knapp daneben. So ist „Dilettantische Bauern“ mit seinen Stil-Zitaten aus Dadaismus und früher Sowjetkunst auch eine Hommage an die Oktoberrevolution 1917, an die Erstausgabe von „Das Kapital“ 1867, an die Novemberrevolution 1918, den Geburtstag von Karl Marx 1818, die Räterepublik München 1919 – aber eben auch an die 1. DADA-Messe 1920.
Im Rahmen einer Live-Installation feiern STUDIO KO-OP die Tatsache, dass 100 Jahre alte Errungenschaften der klassischen Avantgarden heute lebendiger sind denn je: Klangcollagen verbinden Tondokumente der klassischen Avantgarden mit aktueller Lautpoesie aus aller Welt vom Augsburger Label Atemwerft. Dazwischen rezitiert Kurator Gerald Fiebig zur Live-Geräuschmusik von STUDIO KO-OP und dem Augsburger Experimentalmusiker EMERGE aus Manifesten und Proklamationen der Avantgarde.

Text-Sound-Performance von Studio KO-OP, EMERGE und Gerald Fiebig

Sound-Environment mit Klängen der Avantgarde und Lautpoesie vom Augsburger Label Atemwerft

Eine Produktion von loop30 – Der Hör-Raum im Kulturhaus abraxas

Ort: abraxas, Ballettsaal

Dauer: 2 Stunden, Einlass durchgehend möglich

Eintritt frei

Seit November 2015 bringt die Audiogalerie „loop30“ mit wechselnden Exponaten das Große Foyer des Kulturhauses zum Klingen. Im Hör-Raum "loop30" werden wechselnde Audio-Ausstellungen präsentiert. Immer nach dem Ende einer Ausstellung wird die jeweilige Tonspur in die stetig wachsende „loop30"-Online-Galerie hochgeladen. Das Format „loop30" ist die erste permanente Audiogalerie in ganz Bayern und eine von ganz wenigen Einrichtungen ihrer Art im gesamten deutschsprachigen Raum.

LOOP30: https://www.mixcloud.com/loop30/

STUDIO KO-OP: www.ko-op.eu

ATEMWERFT: www.atemwerft.de

EMERGE: www.emergeac.wordpress.com

Nancy Hünger, Ulrich Koch, Kathrin Schmidt, Daniela Seel, Ulf Stolterfoht und Raphael Urweider gehören zu den wichtigsten Stimmen der deutschsprachigen Gegenwartslyrik. Mit Brechts Städtelyrik als verbindendem Element lesen sie abwechselnd aus eigenen Texten und kommen in anregender Brunch-Atmosphäre miteinander und mit dem Publikum ins Gespräch. Ein Genuss für Kopf und Körper.

„Von diesen Städten wird bleiben: der durch sie hindurchging, der Wind!“ Das titelgebende Zitat aus Brechts Ballade „Vom armen B.B.“ wirft einen düster-melancholischen Blick auf das, was Städte und ihre Bewohner*innen sind. Doch welche Faszination übt das Widerspiel von Euphorie und Grauen der Großstadt auf heutige Dichter*innen aus? Gibt es Bezüge zu Brechts Städtelyrik oder macht es hier, wie in so vielen anderen Bereichen auch, gar keinen Sinn mehr, nach Gemeinsamkeiten zu suchen, weil jeder und jede nur noch für sich selbst steht oder für sich selbst stehen kann?

Beim Lyriktag in der Neuen Stadtbücherei soll eine Brücke geschlagen werden. Von der Gegenwart zu Brecht und von dort wieder zurück. Jede einzelne der sechs vorgestellten Positionen trotzt auf ihre Weise der allgegenwärtigen Versuchung, komplexe Realitäten in einfache Lösungen zu überführen.

Ein Rausch des Vieldeutigen durchzieht den Raum und regt dazu an, in neue Richtungen zu denken. Wichtigstes (legales) Stimulans: starke Dichter*innen und das fluide, auf seine Materialität hin abgeklopfte gesprochene Wort.

Das Programm verbindet Brechtrezitation, Autorenlesung und Gespräch. Die Besucher*innen entscheiden, ob sie nur einem oder beiden Podien folgen wollen. Während der Veranstaltung und in den Pausen sorgt das Stadtcafé mit Getränken und Snacks für das leibliche Wohl.

Programm

11.00 Uhr Begrüßung durch Festivalleiter Patrick Wengenroth

11.05 Uhr: Podium 1 – Ulrich Koch (Radenbeck), Daniela Seel (Berlin), Ulf Stolterfoht (Berlin)

12.35 Uhr: Mittagspause mit Catering vom Stadtcafé

13.00 Uhr: Podium 2 – Nancy Hünger (Erfurt), Kathrin Schmidt (Berlin), Raphael Urweider (Bern)

Mit: Nancy Hünger, Ulrich Koch, Kathrin Schmidt, Daniela Seel, Ulf Stolterfoht, Raphael Urweider

Moderation: Michael Schreiner (Augsburger Allgemeine)
Rezitation: Klaus Müller (Staatstheater Augsburg)
Kuratoren: Max Sessner (Rauchzeichen – Lyrik im Brechthaus), Gerald Fiebig

Eine Kooperation mit Staatstheater Augsburg, Rauchzeichen-Lyrik im Brechthaus und der Stadtbücherei Augsburg.

Ort: Stadtbücherei

Tickets: Einzelkarte: 10€ >> 5€ / Tageskarte: 19€ >> 9€

Es gibt Gedichte, die man, hat man sie einmal gelesen, nicht mehr vergisst. Einige davon hat sie geschrieben: Nancy Hünger (*1981) studierte Freie Kunst in Weimar. Heute lebt sie als freie Autorin in Erfurt. Sie erhielt zahlreiche renommierte Literatur-Stipendien und war 2011 sie Jenaer Stadtschreiberin. 2014 erhielt Nancy Hünger den Caroline-Schlegel-Förderpreis der Stadt Jena für einen Essay zur Erzählung „Alte Abdeckerei“ von Wolfgang Hilbig,

Mit Ulrich Kochs Gedichten ist es oft fast wie im Kino:Das Licht geht aus und man glaubt mitten im Gedicht zu stehen. Vor über 20 Jahren veröffentlichte der 1966 bei Lüneburg geborene Dichter seine ersten Gedichte im Residenz Verlag; nach niederschmetternden Erfahrungen mit dem Literaturbetrieb hat er danach lange Zeit geschwiegen. 2017 legte er mit „Selbst in hoher Auflösung“ ein fulminantes Comeback vor.

Ihre Gedichte singen mit tausend Zungen und sind dabei überraschend und einzigartig. Seit 1979 veröffentlicht Kathrin Schmidt (*1954 ) Poesie. Die studierte Kinderpsychologin war als Redakteurin und Sozialwissenschaftlerin tätig. Einen Namen als Lyrikerin machte sich sie gebürtige Goslauerin mit den preisgekrönten Gedichtbänden „Ein Engel fliegt durch die Tapetenfabrik“ (1987), „Flußbild mit Engel“ (1995) und „Go-In der Belladonnen“ (2000). 2018 erschien mit „waschplatz der kühlen dinge“ ein neuer Lyrikband bei Kiepenheuer & Witsch.

Daniela Seel (*1974) ist in allen Disziplinen ist sie eine durchaus notwendige Grenzgängerin. 2003 gründete sie gemeinsam mit dem Buchgestalter und Illustrator Andreas Töpfer den Independent-Verlag „kookbooks - Labor für Poesie als Lebensform“. Neben ihrer Tätigkeit als Verlegerin, Moderatorin, Kritikerin und Lektorin schreibt sie Gedichte für Zeitschriften, Zeitungen, Anthologien, aber auch für Radio und Internet. Für ihren ersten Gedichtband „ich kann diese stelle nicht wiederfinden“ erhielt sie 2011 den Friedrich-Hölderlin-Förderpreis, den Ernst-Meister-Förderpreis und den Kunstpreis Literatur von Lotto Brandenburg.

Ulf Stolterfoht (*1963) zählt zu den bedeutendsten sprachexperimentellen Lyriker*innen Deutschlands. Seine Gedichte sind „sperrige, doch vergnügliche Kost, melodisch leicht dargeboten, von großer rhythmischer Schönheit“ (FAZ). Mit „holzrauch über heslach" gelang ihm ein ebenso „ethnologisches" wie autobiografisches Langgedicht über Stuttgart, das eine ganze Stadt-Welt aus der Montage und Persiflage von Fremdtexten und Fachsprachen erstehen lässt. Stolterfoht lebt heute in Berlin.

Raphael Urweider, einer der prominentesten, vielfach preisgekrönten deutschsprachigen Lyriker seiner Generation, hat sich nach langer Pause mit dem Gedichtband "wildern" zurückgemeldet. Die darin unter anderem versammelten Stadtgedichte des Weitgereisten öffnen den Blick über den europäisch-amerikanischen Tellerrand hinaus - hier geht es auch um Kinshasa, Johannesburg und Durban, um Hongkong und Shanghai. Der 44-Jährige lebt in Bern.

Medien

Der Hamburger Journalist und Fernsehreporter Michel Abdollahi führt durch ein poetisches Kräftemessen der Extraklasse: Vier der derzeit besten deutschsprachigen Bühnenpoet*innen haben die Mission: „feinste Poetry für Städtebewohner*innen auf die Bühne bringen“. Drei Musiker improvisieren live zu den Texten. Wer wird am Ende das Publikum für sich gewinnen?

In der Königsdisziplin BEST OF POETRY SLAM treten vier Spoken-Word-Künstler*innen gegeneinander an. Die Spielregeln des „Best of“ versprechen einen hochkarätigen Schlagabtausch. Denn hier hat jeder der vier Slamakrobat*innen ganze 10 statt der üblichen 5 Minuten Zeit, um dem Publikum zu zeigen, warum er oder sie zurecht zur Spitze der deutschen Slamszene zählt. Mit im Gepäck hat jede Künstlerin und jeder Künstler je einen eigenen Text zum Festivalmotto „Städtebewohner*innen“!

Moderiert wird die Show vom Hamburger Allround-Künstler, Conférencier und Journalist Michel Abdollahi, mittlerweile international bekannt für seine politisch-provokanten Aktionen und Fernsehreportagen. Für die Musik sorgen die Augsburger Musiker Tom Jahn (Keys), Girisha Fernando (Bass) und Stefan Brodte (Drums), die auch die Finaltexte musikalisch begleiten werden. Wortkaskaden und assoziative Geschichten verbinden sich mit eigens arrangierten wie improvisierten musikalischen Motiven. So entsteht ein vielschichtiges Ganzes aus Text und Musik – ganz in der Tradition der Jazz und Spoken Word Sessions der Beat Generation der 1950er Jahre und doch zu 100 Prozent am Puls der Zeit.

Special Guest der Show ist der Münchener SingerSongwriter Liann.

Mit: Björn Gögge, Felix Römer, Leticia Wahl, Jule Weber

Kuratiert von Lydia Daher & Girisha Fernando

Ort: Parktheater, Großer Saal

Tickets: 15€ >> 12€

Björn Gögge ist Autor und Musiker. Seit etwa fünf Jahren ist der 27-Jährige auf allen möglichen literarischen Bühnen unterwegs. Er moderiert Veranstaltungen und leitet Workshops im Kreativen Schreiben. Außerdem ist er freier Drehbuch- und Comedyautor für das Mediensatire-Format „Walulis sieht fern“.

„Poetry Slam ist Rock‘n’Roll für Unmusikalische.“, sagt Felix Römer. Was das heißt, wird in seinen Texten deutlich. Römers Lyrik ist emotional, aber nie gefühlsduselig. Römer wurde deutschsprachiger Slam-Meister im Team und deutschsprachiger Vizemeister im Einzelwettbewerb. Er veranstaltet und moderiert regelmäßige Slams in Göttingen, Eschwege und Kassel. Dazu gibt er Schreib-Workshops für Schüler*innen und Manager*innen.

Leticia Wahl lebt in Marburg und ist internationale Slam- und Reisepoetin, Moderatorin und Workshopleiterin. 2017 wurde sie hessische Vizemeisterin im Poetry Slam und vor Kurzem erschien ihr erstes Buch „Was dazwischen bleibt“.

Jule Weber lebt und arbeitet in Bochum. Als 16-Jährige trat sie zum ersten Mal bei Poetry Slams auf. Heute, gut 10 Jahre später, ist sie eine der führenden Stimmen der deutschsprachigen Spoken-Word-Szene. 2012 gewann sie sowohl die hessischen, als auch die deutschsprachigen U20 Poetry Slam Meisterschaften, 2017 wurde sie rheinlandpfälzische Landesmeisterin.

Medien

Michel Decar, geboren 1987 in Augsburg, lebt als Schriftsteller, Dramatiker und Hörspielregisseur in Berlin. Auf Einladung des Brechtfestivals wird er seinen gefeierten Debütroman erstmals als Live-Hörspiel im Provino Club inszenieren: Willkommen auf einem irren Trip durch das Jahr 1988 mit dem Geschmack von Bacardi-Cola, dem Geruch von Marlboro Menthol und dem Sound von Madonnas "White Heat".

So schnell kann es gehen: eben noch sitz Privatdetektiv Frankie wie jeden Montagabend bei Bacardi Cola in der Koralle, im nächsten Moment ist er mitten drin in seinem vielleicht absurdesten Auftrag: Bahnvorstand Mauke wird von anonymen Anrufer erpresst und der einzige Hinweis auf dessen Identität ist, dass er aus einer Diskothek anrief, in der Madonnas „White Heat“ gespielt wurde. Frankie wirft sich in seinen zucchinigrünen Opel Admiral und zieht seine Kreise, erst durch München, dann durchs Umland und schließlich durch ganz Westdeutschland. Bald ist ihm klar, dass er Teil eines Spiels ist, in dem es um Industriespionage, Verrat und Täuschung geht.

„Tausend deutsche Diskotheken“, der bemerkenswerte Debüt-Roman des gebürtigen Augsburgers Michel Decar, ist ein großartiges Panoptikum und zugleich brachiales Requiem auf die Bundesrepublik der 80er.

„Um mich herum war der ganze Raum voller Haare und Haaransätze, Girls mit amerikanischen Augenaufschlägen, Girls in fleckigen Leggins, Girls mit Meinungen, Girls, die wippten und kippten. Unterleiber rieben gegeneinander, zirkulierten durch den Raum, die Räume, die Unendlichkeit. Von der Decke tropfte das Wasser...“

Regie: Michel Decar

mit Laura Eichten, Fabian Raabe, Anton Weil

Ort: Provino

Tickets: 10€ >> 8€, inkl. einer Bacardi-Cola.

Michel Decar wurde für sein dramatisches Werk bereits mehrfach ausgezeichnet, u.a. mit dem Kleist-Förderpreis. Zuletzt sorgte sein Stück „Philip Lahm“ am Münchner Residenztheater für Furore. „Tausend deutsche Diskotheken“ ist sein vielbeachtetes Roman-Debüt.

Medien

Feierlicher Showdown in der Soho-Stage. Hier treffen Singer-Songwriter und Bands aufeinander, die unserem Open Call gefolgt sind und ein „Lied für Augsburg“ geschrieben haben. An diesem besonderen Liederabend Abend treten sie damit erstmals an die Öffentlichkeit und das Publikum entscheidet, wessen Song künftig als neue Augsburger „Stadthymne“ firmieren darf.

Lange bevor es den Eurovision Song Contest gab oder Stefan Raabs bissige auf der Ukulele vorgetragene Raabigramme – also lange vor der großen Ära des Fernsehens und noch lange bevor es in der Popkultur chic wurde, sich wie Herbert Grönemeyer musikalisch zur eigenen Heimatstadt zu bekennen, in einer Zeit also, in der es weder Mobiltelefone noch Synthesizer gab, dafür aber jede Menge Granateneinschläge und Bombenhagel, sagen wir um 1914 herum, traf sich der Teenager Bertolt Brecht mit seinen Freunden in der Wolfzahnau und improvisierte auf der „Klampfe“ – wie er sie selbst nannte.

Es entstanden Balladen über das Leben und, ja, auch über die Stadt, das Wasser, den Lech, die Wiesen, die Pflaumenbäume und das, was sie sonst noch für die Jungen unverwechselbar machte. Es ist aus dieser Zeit nur kein Augsburg Song überliefert.

Anlass genug für das Brechtfestival und das Büro für Popkultur zum ersten feierlichen Song-Slam in und über Augsburg aufzurufen. Die drittgrößte Stadt Bayerns, Erstligist und multikulturelle Hochburg mit Staatstheaterglanz hat längst ein eigenes Lied verdient. Acht Bands slammen um die Gunst des Publikums für eine neue Stadthymne. Dem, der oder den Gewinner*innen winkt neben einer Statue von unschätzbarem Wert ein Auftritt und eine Aufnahme im Rahmen der Langen Brechtnacht.

Eine Kooperation des Brechtfestivals mit dem Büro für Popkultur.

Ort: Soho Stage

Tickets: 10 € >> 8 €

Wer an diesem besonderen Abend mit auf der Bühne stehen will, kann sich noch bis 6. Januar 2019 mit einer musikalischen Skizze bewerben an popkultur@augsburg.de.

Infos unter 0821/ 324-3253

Medien

Zum Brechtfestival feiert die Augsburger Brechtforschungsstätte die Eröffnung ihres großen Ausstellungsprojekts „Brecht und die Räterepublik“. Zum Thema „Städtebewohner“ sind zwei wissenschaftliche Vorträge mit Forschungsbeiträgen von Prof. Dr. Helmuth Kiesel (Heidelberg) und Prof. Dr. Prof. h.c. Jürgen Hillesheim (Augsburg) im Brechthaus zu Gast.

Do 28.2. / 19.00 Uhr / Staats- und Stadtbibliothek Augsburg:
„…vollends ganz zum Bolschewisten geworden…? Die Räterepublik 1918/1919 in der Wahrnehmung Bertolt Brechts. - Vernissage

Eine Ausstellung der Brecht-Forschungsstätte und der Staats- und Stadtbibliothek Augsburg.

Zum hundertsten Mal jähren sich nun die Ereignisse, die in Deutschland 1918/1919 beinahe zu einem politischen Umsturz geführt hätten. Eine deutsche bzw. bayerische Räterepublik sollte konstituiert werden. Brechts Drama „Trommeln in der Nacht“, in dem er Andreas Kragler, den Prototypen des „Städtebewohners“, auftreten lässt, wurde angeregt durch die Vorgänge in Berlin und München. Später, im April 1919, befand Brecht sich dann in Augsburg mitten im Geschehen. Dies ist seine erste Begegnung mit dem Kommunismus, die sein Verständnis einer Revolution bis zum Lebensende und die Vorbehalte ihr gegenüber bestimmten. Anlass genug, diese Vorgänge und Entwicklungen in Denken und Werk Brechts in Form einer Ausstellung zu dokumentieren. Eine solche ist nirgendwo sonst auf der Welt so gut realisierbar wie in Augsburg, auf der Basis der einzigartigen Sammlung der Brecht-Forschungsstätte und dem Bestand der Staats- und Stadtbibliothek Augsburg. Die Ausstellung ist nach der Eröffnung vom 1. März bis 31. Mai zu sehen. Gleichfalls am 28. Februar wird der von Prof. Dr. Jürgen Hillesheim und Dr. Karl-Georg Pfändtner herausgegebene Katalog zur Ausstellung vorgestellt. Als Autoren konnten renommierte Wissenschaftler aus fünf Ländern gewonnen werden.

Sa 2.3. / 11.00 Uhr / Brechthaus:
Prof. Dr. Helmuth Kiesel, Universität Heidelberg:
„Dichter der Landschaft" gegen „Asphaltliteraten": eine Grundsatzdebatte der Jahre um 1930.

In den 1920er entwickelte sich Berlin zu einer weltweit ausstrahlenden Metropole der Moderne und zugleich – als Grenzstadt zwischen West und Ost, Kapitalismus und Kommunismus, Demokratie und Diktatur – zu einem „Schlachtfeld“ der Ideologien. Intellektuelle und Künstler*innen aus aller Welt kamen nach Berlin, um sowohl Anregungen als auch Wirkungsmöglichkeiten zu finden. Diese Fokussierung auf Berlin führte in ebendiesen Jahren zum einen zu einer vielfachen künstlerischen Reflexion der Großstadt als Lebensraum; Alfred Döblins Roman „Berlin Alexanderplatz“ (1929) ist gleichsam eine Summe dieser Bemühungen um die dichterische Darstellung der Großstadt und zugleich ein Hauptwerk der reflektierten literarischen Moderne. Zum andern führte die Fokussierung auf Berlin zu einer intensiven Debatte über das Verhältnis von Metropole und Provinz und über die Bedeutung sowohl der Großstädte als auch der „Landschaft“ mit ihren Kleinstädten für die kulturelle und speziell die literarische Entwicklung; in der Berliner Dichterakademie kam es zu einem heftigen Streit zwischen den Berliner „Asphaltliteraten“ und der „Dichtern vom platten Land“. Beides, die Entwicklung der modernen Großstadtliteratur und der Streit über die kulturelle Bedeutung von Groß- und Kleinstädten, wird in dem Vortrag anhand prägnanter Textbeispiele rekapituliert und erörtert.

Sa 2.3. / 12.30 Uhr / Brechthaus
Prof. Dr. Prof. h.c. Jürgen Hillesheim, Brecht-Forschungsstätte Augsburg:
Bertolt Brecht wird „Städtebewohner“. Vom Baum Green bis zur Dreigroschenoper.

Was ist ein Städtebewohner? Wie wird man zu einem solchen, unter welchen Bedingungen, in welcher Gesellschaft hat man sich durchzusetzen, um einer zu werden? Dies beschreibt Brecht nicht erst in seiner „poetischen Anleitung“ „Aus dem Lesebuch für Städtebewohner“, sondern schon zuvor, 1922, im Gedicht „Morgendliche Rede an den Baum Green“. Hier gerät ein kleiner, unscheinbarer Baum auf einen lichtarmen und engen Hinterhof. Er kann sich hier festsetzen, und seine Biegsamkeit lässt ihn jeder Herausforderung trotzen, bis er eine ungeahnte Höhe erreicht und sich etabliert hat in der Asphaltstadt.

Dies ist der Hintergrund, vor dem man auch Brechts Entwicklung zu einem „Städtebewohner“ der Weimarer Republik deuten kann. Seine moralische Flexibilität, die Fähigkeit des, wie er sagt, „Lavierens“, des „sich Einrichten Könnens in Deutschland“, führte zum Erfolg. Geschafft hatte er es 1928, mit der „Dreigroschenoper“, die für Brecht den internationalen Durchbruch bedeutete – mit einem Werk, in dem er genau die Gesellschaft analysierte, zu der er selbst unbedingt Zugang gewinnen wollte.

Eine Veranstaltungsreihe der Brecht Forschungsstätte Augsburg.

Ort: Brechthaus

Tickets: Eintritt frei

Prof. Dr. Helmuth Kiesel, Jahrgang 1947, studierte in Tübingen Germanistik und Geschichte, wurde aufgrund einer Arbeit über literarische Hofkritik von Sebastian Brant bis Friedrich Schiller promoviert und aufgrund einer Arbeit über Alfred Döblins Exil- und Spätwerk habilitiert. Von 1987 bis 1990 war er Professor für Neuere Deutsche Literatur an der Universität Bamberg, von 1990 bis 2015 Inhaber eines Lehrstuhls für Neuere Deutsche Literaturgeschichte an der Universität Heidelberg. Er ist Mitarbeiter des Feuilletons der Frankfurter Allgemeinen Zeitung. Zahlreiche Publikationen zur Literatur des Humanismus, der Barockzeit, der Aufklärung und des 20. Jahrhunderts. Kiesel gilt als einer der bedeutendsten Kenner der Literatur der Weimarer Republik.

Prof. Dr. Jürgen Hillesheim, Professor der Universität Augsburg, Professor h.c. der Staatlichen Iwan-Franko-Universität Zhytomyr, UA, ist Leiter der Brecht-Forschungsstätte Augsburg. Er ist Autor bzw. Herausgeber von über dreißig Büchern und über hundert Buch- und Zeitschriftenbeiträgen zu Themen der Neueren Deutschen Literaturgeschichte, Mitherausgeber des Brecht-Jahrbuchs und etlicher anderer Zeitschriften und Buchreihen und gilt weltweit als einer der renommiertesten Brecht-Forscher.

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Südlich von Augsburg liegt Königsbrunn, eine Mittelstadt mit 28.000 Einwohner*innen und einem brechtaffinen Kulturbüro. Für das Brechtfestival für Städtebewohner*innen hat Büroleiterin Ursula Off-Melcher einen literarischen Abend über reale und Sehnsuchts-Orte mit Prof. Dr. Joachim Lucchesi und Musikerinnen aus der Region kuratiert.

Biddi, wie ist Sumatra

Sumatra ist grün

Biddi, mit wem schläfst du da?

Eh avec chacune

(Bertolt Brecht, 1923

Um 1923 entstand das mit einer Notenskizze verbundene Gedicht, in dem Bertolt Brecht, den Kosenamen aufgreift, den ihm seine Jugendliebe Paula Banholzer gab. Dem ambitionierten Autor von „Im Dickicht“ war es in dieser Zeit daheim schon längst zu eng geworden.

Es zog ihn in die Welt hinaus. In seinem 58 Jahre währenden Leben sah sich Bertolt Brecht in der Welt um, in Landschaften, Städten, Ländern und Kontinenten. In ihnen fand er Aufenthalte, die seiner Arbeit dienten, seinem Liebes- und Familienleben oder der gelegentlichen Erholung. Bald wurden es lebensrettende Zufluchtsorte vor Nazideutschland und vor dem schnell vorrückenden Krieg, bis Brecht den entstellten Stätten seiner Jugend im Nachkriegsdeutschland erneut und neu begegnete. All diese prägenden Welt-Sichten und -Erfahrungen hat der Dichter in sein Werk hineingenommen, hat ihnen gehuldigt oder sie verdammt, hat sie aus kritischer Distanz betrachtet oder romantisch verklärt.

„Biddi, wie ist Sumatra?“ bietet eine musikalische Reise durch die Welt, wie Brecht sie in seinen Texten entwarf und wie Komponisten sie in Lieder und Songs verwandelt haben. Besungen werden Orte und Gegenden, die messbare Koordinaten auf Landkarten besitzen. Aber auch solche, die Brecht in poetischer Imagination errichtet hat; Sehnsuchtsorte und Fantasiewelten, die friedvoll, verstörend, mythisch und abenteuerlich sind.

Mit: Prof. Dr. Joachim Lucchesi (Vortrag), Isabell Münsch (Gesang) und Rita Marx (Klavier)

Service

Ort: Informationspavillon 955, Königsbrunn

Tickets: 6€

Prof. Dr. Joachim Lucchesi ist promovierter Musikwissenschaftler. Er arbeitete an der Akademie der Künste Berlin, am Institut für Literaturwissenschaft der Universität Karlsruhe (Arbeitsstelle Bertolt Brecht) und an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin. Gegenwärtig lehrt er als Honorarprofessor an der Pädagogischen Hochschule Ludwigsburg.

Joachim Lucchesi nahm Gast- und Vertretungsprofessuren in den USA, Japan und Deutschland wahr sowie Lehraufträge an verschiedenen deutschen Universitäten und Hochschulen.

Von ihm erschienen zahlreiche Buch- und Aufsatzveröffentlichungen zur Musik-, Theater- und Literaturgeschichte, vor allem zu Bertolt Brecht. Zurzeit arbeitet er an einer umfangreichen Edition der Briefe des Dirigenten Hermann Scherchen.

Er gehört den Wissenschaftlichen Beiräten des Augsburger „Dreigroschenhefts“ und der Kurt-Weill-Gesellschaft in Dessau an.

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Der Kleine Goldene Saal wird zur Zeitmaschine. Sie katapultiert die Zuschauer*innen jeweils einzeln mitten hinein in eine „Antigone“-Probe mit Bertolt Brecht und Helene Weigel am Theater Chur im Jahr 1948. Mit einer VR-Brille erlebt man beide aus nächster Nähe live und virtuell. Unter den Konflikt zwischen Antigone und Kreon, von Tyrannei und Widerstand, schiebt sich der Kampf zwischen Brecht und seiner Partnerin.

Von der Schweizer Fremdenpolizei argwöhnisch beäugt, kommen Bertolt Brecht und Helene Weigel in den ersten Januartagen 1948 unbekannt in Chur an. Brechts Bearbeitung der „Antigone“ für das experimentierfreudige Theater Chur mit Weigel in der Titelrolle ist seine erste praktische Arbeit in Europa, seit er 1933 Deutschland verlassen hat. Auch Weigel hat seit über 10 Jahren auf keiner Bühne mehr gestanden. Beide sind vom Erfolg der „Antigone“ existentiell abhängig. Unter den Konflikt von Antigone und Kreon, von Gesetzestreue und Freiheit, von Tyrannei und Widerstand, schiebt sich der Kampf zwischen Brecht und seiner Partnerin Weigel. Auf der „Antigone“-Probe geht es um nichts weniger als um die Gesetze von Spiel und Realität.

Bernhard Mikeska, Alexandra Althoff und Lothar Kittstein (RAUM+ZEIT) entwerfen kein neues Szenario für Brechts Antigone-Modell, sondern eines für Helene Weigels Seelenzustand. Erinnerungen an die Probenzeit in Chur sind in intimen Momenten eingefangen. Bald aber wird fraglich, ob es überhaupt eine klare Grenze gibt, zwischen Wirklichkeit und Traum, virtueller und „wirklicher“ Realität.

„ANTIGONE::COMEBACK“ ist eine 360 Grad Installation ohne Zuschauer*innen im klassischen Sinn. Mit Hilfe einer Virtual-Reality-Brille tauscht man den eigenen Blick gegen die Perspektive der Schauspielerin Helene Weigel ein. In ihrer „Haut“ begegnet man dem Regisseur Bertolt Brecht auf der großen Bühne. Jenseits der virtuellen Welt entsteht im Backstage von Weigels Künstlerinnengarderobe eine faszinierende Situation zwischen Distanz und Nähe.

Mit: Claudia Renner (Helene Weigel), Peter Jecklin (Bertolt Brecht im 360°-Film)
Idee und Konzeption: RAUM+ZEIT / Regie: Bernhard Mikeska / Text: Lothar Kittstein / Dramaturgie: Alexandra Althoff / Bühne: Duri Bischoff / Antigonebühne 360°-Film Bert Neumann † undBarbara Steiner, Duri Bischoff / Kostüme: Eva Karobath / Sounddesign: Knut Jensen / 360°-Video: RAUM+ZEIT, Winnie Christiansen (tr_x), Felix Patzke und Fabian Fischer (heimspiel) / Begleitpersonen; Maya Heusser-Günter, Stéphanie Lobmaier, Riccarda Sulser, Christa Willi / Abendspielleitung: Jenny Krug, Produktionsleitung: Lukas Piccolin

Eine Produktion des Theater Chur und RAUM+ZEIT in Koproduktion mit dem Brechtfestival Augsburg und dem Landestheater Vorarlberg Bregenz.
In Kooperation mit Lenore Blievernicht und Bert-Neumann-Association (BNA gUG)

Gefördert durch Kulturförderung Graubünden/swisslos, Stadt Chur, Graubündner Kantonalbank, Landis & Gyr Stiftung, Ernst Göhner Stiftung, Ars Rhenia, Fondation Nestlé pour l'art, Schweizerische Interpretenstiftung

Ort: Kleiner Goldener Saal

Einlass von 17.36 bis 21.48 Uhr alle 12 Minuten für je 1 Zuschauer*in

Dauer: ca. 55 Minuten (inkl. Einweisung)

Tickets: 25€ >> 15€

Kultursozialticket 1€

Im Vorverkauf ist eine verbindliche Online Reservierung unter https://brechtfestival.de/programm/antigone erforderlich.

Restkarten und freie Zeitfenster können am Aufführungstag ab 17.00 Uhr an der Abendkasse 0821/324-4360erfragt und reserviert werden.

RAUM+ZEIT sind die Dramaturgin Alexandra Althoff, der Autor Lothar Kittstein und der Regisseur Bernhard Mikeska. Die Inszenierungen des Trios spielen mit der Logik eines konsistenten Raum-Zeit-Kontinuums und der inneren Welt der Wahrnehmung.

http://raumundzeit.art

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She She Pop gehören zu den internationalen Aushängeschildern des experimentellen Theaters made in Germany. Mit ihrer aktuellen Produktion „ORATORIUM“ beweisen sie einmal mehr, warum das so ist: Denn hier gelingt dem Kollektiv nicht weniger als eine ebenso unterhaltsame wie tiefsinnige Neuerfindung des Brecht'schen Lehrstücks.

„Dass da gehören soll, was da ist, denen, die für es gut sind.“

(Bertolt Brecht, 1948)

Eigentum verändert das Bewusstsein. Es trennt Freund*innen, es erteilt Macht über andere, es schließt aus. Eigentum ist selbstverständlich. Und man spricht nicht darüber. Nichts ist so konstituierend für unsere Gesellschaft und unser Zusammenleben, nichts wirkt so trennend auf die Gemeinschaft wie das Eigentum. She She Pop möchten mit „ORATORIUM“ das Geheimnis des Eigentums lüften, es auf eine Bühne zerren.

Gemeinsam mit dem Chor der Delegierten und ihrem jeweiligen Publikum werden She She Pop über Eigentum sprechen und auf die eigenen Besitzverhältnisse, die Verteilung der Güter und die damit verbundenen Verwerfungen schauen. Inspiriert von Brechts Lehrstücktheorie entwickeln sie Regeln für den dialogischen Theaterabend und bilden uneinige Sprechchöre, die jeden Abend aufs Neue unseren Umgang mit dem Eigentum verhandeln.

Wer darf sprechen? Wer ist präsent, wer wird repräsentiert? Aus der Vielstimmigkeit, der Uneinigkeit und dem immer nur für Momente zu erreichenden Einklang entsteht ein kollektiver Monolog.

Von und mit: Sebastian Bark, Johanna Freiburg, Fanni Halmburger, Lisa Lucassen, Mieke Matzke, Ilia Papatheodorou, Berit Stumpf sowie dem Chor der Delegierten (Berlin).
Bühne: Sandra Fox / Kostüme: Lea Søvsø / Musik: Max Knoth / Künstlerische Mitarbeit: Ruschka Steininger /Hospitanz: Laia Ribera / Technische Leitung & Lichtdesign:Sven Nichterlein / Produktionsleitung: Anne Brammen / Kommunikation: ehrliche arbeit - freies Kulturbüro / freie künstlerische Mitarbeit:Tina Ebert /Administration:Aminata Oelßner / Company Management: Elke Weber.

Eine Produktion von She She Pop in Koproduktion mit HAU Hebbel am Ufer Berlin, Festival Theaterformen, Münchner Kammerspiele, Schauspiel Stuttgart, Kaserne Basel, Schauspiel Leipzig, Kampnagel Hamburg, Künstlerhaus Mousonturm, FFT Düsseldorf, Konfrontacje Teatralne Festival Lublin und ACT Independent Theater Festival Sofia.

Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

www.kulturstiftung-des-bundes.de

Ort: brechtbühne im Gaswerk

Dauer: 1 Stunde 40 Minuten

Tickets: 26 € >> 22€

https://sheshepop.de

She She Pop verstehen sich als Autor*innen, Dramaturg*innen und Ausführende ihrer Bühnenhandlung. Das Einbeziehen der eigenen Autobiografie ist dabei vor allem Methode, nicht Zweck der Arbeit. She She Pop sind seit 1998 in Berlin ansässig. Kontinuierliche Koproduzenten und regelmäßige Kooperationspartner im In- und Ausland sind: HAU Berlin, Münchner Kammerspiele, Schauspiel Stuttgart, Kampnagel Hamburg, Forum Freies Theater in Düsseldorf, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt/Main sowie Kaserne Basel, brut Wien, Theatre de la Ville /Festival D´Automne de Paris, Festival Kyoto Experiment, Archa Theater Prag, Prager Festival deutscher Sprache, Festival Konfrontationen Lublin.

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Mareike Mikat unterzieht Brechts „Baal“ einem musikalischen Stresstest aus dem Blickwinkel unserer Gegenwart. Eine theatrale Tour de Force zwischen Konzert, Rausch und Selbstvernichtung.

„It's better to burn out than to fade away“, schrieb Kurt Cobain, Sänger der legendären Grunge-Band Nirvana in seinem Abschiedsbrief, bevor er seinem Leben mit einer Überdosis Heroin im Leib und einem Schuss aus einer Schrotflinte ein Ende setzte. Im April 2019 jährt sich der Todestag dieses viel zu früh verstorbenen musikalischen Idols zum 25. Mal.

Wenig mehr als 100 Jahre zuvor, im Frühjahr 1918, machte ein anderer genialischer Künstler auf dem Augsburger Jahrmarkt (dem „Plärrer“) nicht nur die Bierzelte unsicher, sondern schrieb daneben an seinem ersten Theaterstück. Und wie könnte es anders sein, es ist ein Stück über einen maßlos saufenden, exzessiven, widerständigen, sexuell tabulosen, asozialen Poeten, der allen als ein Genie gilt, es aber nicht sein will. Baal, schon der Name deutet es an, hat den Teufel im Leib.

Er ist nicht zu bändigen und hinterlässt auf dem Weg zu seinem finalen Burn-out eine Spur verwüsteter Seelen. Wer ihm begegnet, ob Mann oder Frau, ist ihm augenblicklich verhängnisvoll verfallen. Aber Baal ist nicht nur der vitale, kreatürliche und skrupellose Anarchist, der buchstäblich über Leichen geht. Es schlagen auch zwei Seelen in seiner Brust, wenn er tiefsinnig zweifelnd in seinen wenigen nüchternen Momenten mit seiner eigenen Amoralität ringend konstatiert: „Ich sollte ein neues Leben anfangen: Still, friedlich, beschaulich. Warum nicht? Ich habe schon ganz anderes fertig gebracht.“

Inszenierung: Mareike Mikat / Bühne & Kostüme: Bernd Schneider / Musik: Enik / Dramaturgie: Lutz Keßler / Baal und Band: Natalie Hünig, Gerald Fiedler, Andrej Kaminski, Roman Pertl, Patrick Rupar, Daniel Schmidt

Eine Produktion des Staatstheaters Augsburg

Ort: brechtbühne im Gaswerk

Tickets: 26€ >> 22€

Mareike Mikat, geboren 1978 in Frankfurt/Oder, studierte Theaterwissenschaft und Regie in Berlin. Seit 1998 inszeniert sie u.a. am Staatstheater Stuttgart, Staatstheater Kassel, Theater Heidelberg, Staatstheater Karlsruhe, Volkstheater München, Centraltheater Leipzig und in Berlin an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, am Maxim Gorki Theater und am HAU. Sie war Hausregisseurin am Theater Halle und Mitglied der Theaterleitung am Schauspiel Leipzig. Mit „Antigone“ (2008), „Juli“ (2009) und „Homo Faber“ (2011) war sie in der Kritiker*innenumfrage von Theater Heute in der Kategorie „Nachwuchsregisseurin des Jahres“ nominiert. „Baal“ ist ihr Debüt am Staatstheater Augsburg

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Das theter ensemble arbeitet in flachen Hierarchien mit jungen Autodidakt*innen, die ihre berufliche Zukunft im Theater sehen. Das Brechtfestival bringt das Kollektiv mit einem Stück von Rainer Werner Fassbinder zusammen. Die Staatsmacht wird darin überrumpelt von jungen Revolutionär*innen, die in Bayern eine sozialistische Republik ausrufen.

Die Revolution ist heute wie damals für die meisten keine Utopie, sondern ein Schreckgespenst, das für den Verlust von Auto, Geld und Arbeitsplatz steht. Rainer Werner Fassbinder, Theaterberserker, Bürgerschreck und Anführer seines 1968 gegründeten Antitheaters war der festen Überzeugung, dass sich gesellschaftliche Verhärtungen erst dann aufbrechen lassen, wenn sich etwas tut im Bewusstsein der Bürger*innen. Die revueartig montierten Szenen von „Anarchie in Bayern“ gehen davon aus, dass äußerliche Veränderungen nicht ausreichen, um im abendländischen, auf Unterdrückung und Autorität fixierten Bewusstsein etwas zu bewirken. Gesellschaftliche Abstiegsängste sind real. Selbst dann, wenn die ihnen zugrundeliegende Bedrohung oder ihre vermeintlichen Ursachen es nicht sind. Unter der Leitung von Leif Eric Young setzt sich das theter ensemble mit der gesellschaftlichen Kraft von Bedrohungsszenarien auseinander. „Anarchie in Bayern“ ist dabei selbst die Horrorvision, die von verschiedenen Gruppen verwendet wird, um Veränderungen zu verhindern. Alle wollen Sicherheit. Die Frage ist nur: Zu welchem Preis?

Regie und Bühne: Leif Eric Young / Kostüm- und Bühnenbild: Amelie Seeger / Dramaturgie: Eva Ries

Eine Produktion des theter ensembles.

Aufführungsrechte: Verlag der Autoren

Ort: City Club

Tickets: 15€ >> 9,50€

Im Zentrum der Stadt und im Haus des City Clubs beheimatet, produziert das theter ensemble aktuelles Theater, popkulturelle Veranstaltungen, Musik und Kunst. Im Zentrum der Arbeit des jungen Ensembles steht ein nach dem Spielclubmodell funktionierendes Team von jungen Erwachsenen und reaktiven Menschen, die auf der Bühne, in der Produktion und im Handwerk Know-How einbringen, erweitern und entwickeln. Ausgebildet durch Eigen- und Fremdregie, wiss- und lernbegierig, ideen- und visionsreich sammeln sich im theter ensemble Künstler*innen und Macher*innen, um abseits bürokratischer Hürdenläufe an der Qualität eines künstlerischen Gesamtwerkes zu arbeiten. Das Ensemble wurde von der Stadt Augsburg mit dem Roy 2017 als Programmmacher des Jahres ausgezeichnet.

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Zum Finale des Brechtfestivals trifft ein hochkarätiges Ensemble auf einen der brillantesten Texte des ausgehenden 20. Jahrhunderts. „Unendlicher Spaß“ von David Foster Wallace lässt über 1500 Seiten das wildwüchsige Porträt einer dystopischen, leistungsorientierten Erschöpfungsgesellschaft sprießen. Regisseur Thorsten Lensing hat das Werk zu einem fesselnden Theaterabend mit Starbesetzung verdichtet.

„Unendlicher Spaß“ ist ein Roman aus Scherben, der keiner geradlinigen Handlung folgt, sondern mehrere, ineinander verschachtelte Erzählzentren aufweist. Die Figuren bilden ein großflächiges Netz, in dem sich das Leben verfängt.

Erschienen ist der Roman 1996 in den USA. Er lässt sich beschreiben als Versuch, die gegenwärtige Welt zu erzählen, ohne sie einheitlich zu deuten. „Ich will darüber schreiben“, hat Wallace sein Vorhaben charakterisiert, „wie es sich anfühlt, heute zu leben, statt davon abzulenken.“ Deshalb schreibt er über Geburten und Todeskämpfe, über Schneestürme, Liebes- und Trennungsgeschichten, übertriebenen Speichelfluss, bildschöne Krankenschwestern und Vögel, die mitten im Flug einen Herzinfarkt erleiden.
Wallace widmet sich seinen Figuren dabei mit großer Ernsthaftigkeit und einer ungeheuren Leichtigkeit zugleich. „Witze“, schreibt Wallace, „sind die Flaschenpost, mit der die Verzweifelten ihre gellendsten Hilfeschreie aussenden“.

Ein Zentrum der Inszenierung von Thorsten Lensing bilden die drei Brüder der Familie Incandenza: Der hochbegabte Hal ist ein Wörterbuchwunder und Schüler an der Enfield Tennis Academy. Sein älterer Bruder Orin spielt im American Football Team der Arizona Cardinals. Mario, der jüngere, ist körperlich schwer behindert und ein leidenschaftlicher Radiohörer und Filmemacher. Dazu gesellen sich weitere Figuren wie die verschleierte Radiomoderatorin Joelle Van Dyne, Mitglied in der „Liga der rüde Verunstalteten und Entstellten“, und der ehemalige Dieb und medikamentensüchtige Don Gately aus dem Drogenentzugszentrum Ennet House. Alle Figuren stehen schutzlos vor ihrem Leben. Einige leiden unter Depressionen, andere unter Alkohol-, Sex- oder Schmerzmittelsucht, viele sind einem unerbittlichen Leistungszwang ausgesetzt.

Ausgangspunkt für Lensings Arbeit ist Wallace’ Kunst, die darin besteht, aus den beschädigten Seelen heraus zu erzählen, ohne über sie zu urteilen, aber auch ohne sie als Opfer darzustellen.

Mit: Jasna Fritzi Bauer, Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi, Heiko Pinkowski und Devid Striesow

Regie: Thorsten Lensing / Mitarbeit Regie: Benjamin Eggers-Domsky / Bühne: Gordian Blumenthal, Ramun Capaul / Kostüme: Anette Guther / Textfassung: Thorsten Lensing / Mitarbeit Textfassung: Dirk Pilz, Thierry Mousset / Dramaturgie: Thierry Mousset / Produktionsleitung: Eva-Karen Tittmann / Leitung Herstellung Bühne: Martina Schulle / Technische Leitung: Dirk Lutz / Regieassistenz: Lucie Grünbeck / Kostümassistenz: Marie Fischer/ Maske: Hannah Kaiser

Eine Produktion von Thorsten Lensing in Koproduktion mit Schauspiel Stuttgart, Schauspielhaus Zürich, Ruhrfestspiele Recklinghausen, Sophiensaele Berlin, Kampnagel Internationale Kulturfabrik Hamburg, Theater im Pumpenhaus Münster, HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt/Main und Les Théâtres de la Ville de Luxembourg. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds Berlin und der Stadt Münster.

Aufführungsrechte beim Rowohlt Theater Verlag, Reinbek bei Hamburg.

Ort: martini-Park

Dauer: 4 Stunden, 1 Pause

Tickets: 35€ >> 12€

Thorsten Lensing arbeitet seit Mitte der 1990er Jahre als Regisseur. Seine Inszenierungen entstehen als freie Produktionen. Zu seinen Kooperationspartner*innen gehören europaweit führende Produktionshäuser von Antwerpen über Luxemburg, Berlin, Düsseldorf, Hamburg, Dresden, Frankfurt, Stuttgart bis Zürich. Seine Mitstreiter*innen wählt er sorgfältig aus einem Netzwerk namhafter Schauspieler*innen. Für „Karamasow“, das Vorgängerstück von „Unendlicher Spaß“, erhielt Thorsten Lensing den Friedrich-Luft-Preis der Berliner Morgenpost für die beste Berliner oder Potsdamer Theateraufführung im Jahr 2014.

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An einem Ort, an dem Menschen gezwungen sind, auf engstem Raum zusammenzuleben, entstehen Allianzen. Doch es gären auch Vorurteile. In einem theatralen Gedankenexperiment ergründet das Berliner Kollektiv Turbo Pascal die Auswirkungen wertebasierter Einflüsterungen. Via Kopfhörer erlebt das Publikum eine spielerische Perspektive auf sein Gegenüber und sich selbst.

Die Frage ist immer und gerade jetzt: Wie gehen wir mit denen um, die es anders sehen? Was sind Gedankengänge oder -gebäude, bei denen wir noch mitgehen oder auf die wir eingehen können? Welchen Denk- oder Sprechweisen erteilen wir eine klare Absage oder gehen in den Widerstand? Und welches Denken sind wir gewöhnt, als „böse“ zu labeln?
In „BÖSE HÄUSER“ veranstaltet Turbo Pascal Gedankenexperimente mit sich selbst und dem Publikum: Es sind Experimente im Um- und Andersdenken, im Überprüfen und Einstürzen eigener Gedankengebäude, im Verstärken oder Umdrehen von Glaubenssätzen, im Betreten und Verlassen anderer Vorstellungswelten.
In einer Zeit, in der sich Denkräume im Netz und in der Nachbarschaft scheinbar stärker voneinander abgrenzen und verfestigen, betreibt Turbo Pascal ideologische Denkübungen und Gedankengymnastik: Wie beweglich wollen wir sein?

Konzept: Turbo Pascal / Von und mit: Bettina Grahs, Friedrich Greiling, Angela Löer, Frank Oberhäußer, Luis Pfeiffer, Eva Plischke / Musik: Friedrich Greiling / Ausstattung: Janina Janke / Regieassistenz: Lena Mallmann

Eine Produktion von Turbo Pascal in Koproduktion mit Theater Rampe Stuttgart und SOPHIENSÆLE. Gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und dem Fonds Darstellende Künste e.V.

Ort: Textil- und Industriemuseum (TIM)

Dauer: 1 Stunde 20 Minuten

Tickets: 18€ >> 10€

*** „Böse Häuser” bieten wir im Brechtfestival am 25.2. auch als Schulvorstellung an.
Informationen & Kontakt: brecht@augsburg.de

http://www.turbopascal.info/

Turbo Pascal ist ein Berliner Theater- und Performancekollektiv. Die Gruppe schreibt über sich selbst: „Wir interessieren uns für kollektive Prozesse und Praktiken, dafür, wie Menschen ihr Zusammenleben organisieren und imaginieren.“ Ihre Methode lässt sich als „theatrales Publikumsexperiment“ beschreiben. Turbo Pascal entwickeln interaktive Bühnenstücke und performative Installationen, die das Publikum jedes Mal anders mitdenken, ansprechen oder einbinden und die sich möglicherweise sogar verselbständigen können. So wird das Theater zum öffentlichen Versammlungs- und Verhandlungsraum gesellschaftlicher Prozesse, Erosionen oder Utopien. 2018 wurde Turbo Pascal mit dem George-Tabori-Förderpreis ausgezeichnet und mit Böse Häuser zum Stückemarkt des Theatertreffens eingeladen.

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Freie Gruppen arbeiten anders als klassische Theater. „Freie Stückentwicklungen“ sind das beste Beispiel dafür. Hier werden die Texte gemeinsam von denen geschrieben und erprobt, die letztlich auch auf der Bühne stehen. Wie das funktioniert, können Festivalbesucher* innen (ab 15 Jahre) in einem Workshop mit Turbo Pascal hautnah erfahren.
Den Abschluss bildet eine Präsentation im Grandhotel.

Anknüpfend an das Theaterprojekt „Böse Häuser“ bieten Bettina Grahs und Frank Oberhäußer von Turbo Pascal einen Workshop für Schüler*innen an, in dem die Teilnehmer*innen selber „böse Häuser“ entwickeln. „Böse Häuser“ sind „Gedankengebäude“, die fremd und ungewohnt sind.
Die Performer*innen haben sich in den Proben zu dem Stück „Böse Häuser“ selber die Frage gestellt:
Welche Denkweise stempele ich als „böse“ ab?

Was denke ich ungern weiter und was kann ich mir nur schwer oder überhaupt nicht denken?

Es sind Experimente im Umdenken.

Im Workshop wird in der Gruppe besprochen:

Was sind unsere „bösen Häuser“ und warum?

Wie können wir uns selber in uns fremd oder falsch erscheinende Denkweisen hineinversetzen? Welche Musik und welche Körperhaltung hilft uns dabei?
Wollen wir das überhaupt und warum sollten wir das tun?

Danach werden in einem kollektiven Schreibund Entwicklungsprozess Denkanleitungen erstellt und untereinander ausprobiert.
Die Gruppe entwickelt, schreibt, probiert und spielt gemeinsam Texte, die so vielstimmig und vielfältig sind, wie die Persönlichkeiten seiner jungen Autor*innen.

Teilnahme kostenfrei – Anmeldungen bis 20.1.19 an brecht@augsburg.de

Dauer: 1 Stunde 20 Min.
Tickets: 18€ >> 10€

Konzept: Turbo Pascal

Von und mit: Bettina Grahs, Friedrich Greiling, Angela Löer, Frank Oberhäußer, Luis Pfeiffer, Eva Plischke

Musik: Friedrich Greiling

Ausstattung: Janina Janke

Regieassistenz: Lena Mallmann

Eine Produktion von Turbo Pascal in Koproduktion mit Theater Rampe
Stuttgart und SOPHIENSÆLE.
Gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und dem
Fonds Darstellende Künste e.V.

Medien

Festival

Brechtfestival 2018

2018

Produktionen

Leitung: Alexander Karschnia
Mit: B.K. Tragelehn, Florian Schneider, u.a.

Dauer: 4 Stunden mit Pausen
Ort: Sensemble Theater
Tickets: 15€ » 12€
Student*innen und Besucher*innen der Vorstellungen von „Fatzer“,
„Der gute Mensch von Sezuan“ oder „Dickicht“ haben freien Eintritt.
Bringen Sie Ihr Ticket mit!

ALEXANDER KARSCHNIA ist Theatermacher und -wissenschaftler:
Performer, Texter & Theoretiker, Mitbegründer von andcompany&Co.
Er schreibt für und über Theater, u.a. über Brecht, Müller, Schlingensief,
Pollesch, Rimini Protokoll u.a.. Zu seinen Jugendsünden zählen die
Erfindung der Frankfurter Nacht- TanzDemos und die Übernahme
von Schlingensiefs Partei CHANCE 2000. Zu seinen Arbeiten zwischen
Wissenschaft und Kunst gehören Lecture Performances und die
Organisation von Konferenzen wie z.B. „Zum Zeitvertreib“ oder „Na(ar)
het Theater – after theater?“ für die Hogeschool voor de Kunsten
2006 (zu beiden Anlässen hat er Bücher herausgegeben). Er lebt und
arbeitet er in Berlin.

BERNHARD KLAUS TRAGELEHN ist Vorsitzender der Internationalen
Heiner Müller Gesellschaft sowie Mitglied der Sächsischen Akademie
der Künste und der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste.
Von 1955 bis 1958 war er Meisterschüler an der Akademie der Künste
in Berlin (Ost) bei Bertolt Brecht und Erich Engel. Danach war er
meist freischaffend als Theater-Regisseur, Schriftsteller und Übersetzer tätig. Mit Heiner Müller verband ihn eine langjährige Freundschaft und eine intensive künstlerische Zusammenarbeit. Von 1979 bis 1989 lebte und arbeitete Tragelehn in Westdeutschland. Nach der Wende zog er zurück nach Berlin.

FLORIAN SCHNEIDER, Doktor der Philosophie verbindet Wissenschaft,
Kunst und Aktivismus. Dabei erweist er sich als Querdenker zwischen
den Disziplinen. Als Filmemacher, Schriftsteller und Kurator erforscht
er die Wechselwirkungen zwischen Ästhetik und politischer Praxis. So
gehörte er bei der Documenta X von 1997 zu den Miterfinder*innen
von „Kein Mensch ist illegal“, einer Kampagne, die sich bis heute in
verschiedenen Nachfolgeprojekten kritisch mit der europäischen
Grenzpolitik auseinandersetzt. Als Wissenschaftler mit internationaler
Expertise leitet er die Academy of Fine Arts an der Fakultät für Architektur
und Bildender Kunst an der Norges Teknisk-Naturvitenskapelige
Universitet in Trondheim.
http://fls.kein.org/

Drei ausgewiesene Experten für Kunst als realpolitische Praxis gestalten den
Werkstatt-Tag zum Brechtfestival 2018: Alexander Karschnia hat mit Christoph Schlingensiefs Partei „Chance 2000“ die Regierung Kohl herausgefordert.
Seine Karriere als Bundestagsabgeordneter war vorbei, bevor sie begann. Als
Theatermacher und Wissenschaftler kennt man ihn. B.K. Tragelehn, Meisterschüler bei Bertolt Brecht, geriet mit seinen Heiner-Müller-Inszenierungen in den 1970er Jahren ins Visier der SED. Er verbrachte ein Jahrzehnt im politischen Exil. Florian Schneider initiierte 1997 als künstlerische Reaktion auf die europäische Grenzpolitik mit einigen Mitstreiter*innen die Kampagne „Kein Mensch ist illegal“. Das Kunstprojekt verweist auf die Grenzen einer demokratischen Gesellschaft die sich in der kosmopolitischen Praxis schwer tut, allen Menschen die gleichen Rechte zuzugestehen.
Mit Vorträgen und Tischgesprächen schaffen die Referenten ein Forum für
alle – Theatergänger*innen, Studierende, Brechtfans –, die Lust darauf haben,
sich intensiver mit einem Aspekt aus Brechts Leben, seinem Werk und dessen
Nachwirkungen zu beschäftigen. In der diesjährigen Ausgabe werden die
Revolutionen von 1918, 1968 und folgende zum Ausgangspunkt für eine neue Betrachtung von Brechts „Fatzer“, „Trommeln in der Nacht“ und einigen Ausschnitten aus dem Werk Heiner Müllers.
„Was zählt ist das Beispiel, der Tod bedeutet nichts“, das war für Heiner Müller die Lehre aus Brechts Fatzer-Fragment: jenem Stoff, der sowohl ihn als auch Bertolt Brecht ein Leben lang beschäftigte. Für Brecht, der Ende der 1920er Jahre einen „Urfatzer“ verfasst hatte, endete das Experiment vorerst mit der Flucht aus Nazi-Deutschland. Nach dem Aufstand in Ost-Berlin 1953 wollte er die Arbeit am „Fatzer“ wieder aufnehmen. Heiner Müller beschäftigte sich mit dem Stoff unter dem Eindruck des Deutschen Herbsts von 1977, als die RAF (Rote Armee Fraktion) mit einer Welle der Gewalt eine Staatskrise auslöste.
Kurz nach dem Fall der Mauer inszenierte er das „Duell Traktor Fatzer“ am
Berliner Ensemble.
Heute zeigt sich, dass „Fatzer“ wahrlich ein „Jahrhunderttext“ ist, der in
einmaliger Weise die Geschichte des „kurzen 20. Jahrhunderts“ (1917-1991)
reflektiert. Das Scheitern der Revolution, die Selbstzerfleischung einer revolutionären Gruppe von Kriegsverweigerern am Ende des Ersten Weltkriegs werden hier plastisch vorgeführt. Im Jahr 2018 lohnt es sich, diesen Text und seine Geschichte im Spiegel der beiden Revolutionsjahrestage neu zu betrachten:
Novemberrevolution 1918 (Spartakus und Münchner Räterepublik) und 1968
(vom Pariser Mai über den Prager Frühling bis zur sowjetischen Intervention).
Verdichten sich doch in den Ereignissen von 1968 die Fragen nach Vergangenheit und Zukunft der Revolution: „Und von jetzt an und für eine ganze Zeit über/ Wird es keinen Sieger mehr geben/ Auf Eurer Welt, sondern nur mehr/ Besiegte.

Medien

Von Bertolt Brecht
Musik: Paul Dessau

Mit: Nadine Geyersbach, Fania Sorel, Susanne Schrader, Gabriele Möller-Lukasz, Verena Reichhardt, Martin Baum, Alexander Swoboda,
Guido Gallmann, Siegfried W. Maschek, Simon Zigah, Beppe Costa

Regie: Alize Zandwijk,
Bühne: Thomas Rupert,
Kostüme: Sabine Snijders,
Musik: Beppe Costa,
Licht: Mark Van Denesse,
Dramaturgie: Marianne Seidler

Gastspiel des Theaters Bremen

Drei Götter erscheinen dem Wasserverkäufer Wang: Sie fordern ihn auf,
ihnen einen guten Menschen zu zeigen, der ihnen Unterkunft gewährt. Nur
die Prostituierte Shen Te erklärt sich dazu bereit, die Fremden für eine Nacht
aufzunehmen. Das ist heikel, denn der Beschluss der Götter lautete, dass die
Welt nur weiter bestehen darf, wenn sich genug gute Menschen finden lassen.
Für Shen Te, von den Göttern auserwählt und reich entlohnt, beginnt ein Hürdenlauf:
Der Armut entkommen, gilt es, der gute Mensch zu bleiben, der sie
ist, in einer kapitalistischen Welt, in der die Gemeinschaft um sie herum ihre
Hilfsbereitschaft gnadenlos ausnutzt, ausnutzen muss. Wofür lohnt es sich
zu kämpfen in einer Welt, in der „Gutmensch“ ein Schimpfwort ist? Was ist
verwerflich und naiv an der Idee, „gut zu sein und doch zu leben“? Vielleicht
gilt es, entgegen der Entscheidung der Götter, die Shen Te mit ihrem Dilemma alleine lassen, die Zerrissenheit des Menschen anzunehmen und sein Bemühen zu honorieren, damit es weitergehen kann.

Die international erfahrene niederländische Regisseurin ALIZE ZANDWIJK
inszeniert seit 2003 regelmäßig an deutschen Theatern, unter anderem am
Thalia Theater und am Deutschen Theater in Berlin. Seit 2017 ist sie leitende
Regisseurin in Bremen. In ihrem „Sezuan“ nimmt sie eine ungewöhnliche
Doppelbesetzung vor. Zwei Frauen spielen Shen Te und ihr männliches Alter
Ego, den Vetter Shui Ta. Damit rückt neben der Zerrissenheit der Figur die gegenseitige Bedingtheit von Egoismus und Solidarität stärker in den Blick: Das Egoistisch-Sein, um Gutes tun zu können. Die Wirtschaftspsychologin Sünje Lorenzen, die die Proben in Bremen begleitet hat, schreibt im Programmheft:
„Bertolt Brecht ist nicht nur ein großer Dichter sondern auch ein kenntnisreicher Wirtschaftspsychologe. Er hat den guten Menschen von Sezuan erfunden und ihn mit List, Witz und Klugheit ausgestattet. Mit ihm können die Armen, die Arbeitslosen und die Flüchtlinge lebenskundig zu einem guten Leben finden.“

Eine Produktion des Theaters Bremen.
www.theaterbremen.de

Einführung: 17.30 Uhr
Dauer: ca. 3 Stunden, 1 Pause
Publikumsgespräch im Anschluss an die Vorstellung
Ort: martini-Park
Tickets: 42€ » 11€

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

Pressestimme:
„Was für ein bezaubernder Abend (…) Poetisch und bildmächtig,
verspielt und ideendrall, gewitzt und anrührend, leicht und doch von
abgründiger Tiefe“,
Weserkurier.

Medien

In der vorletzten Festivalnacht lädt die Brechtfestival-Crew zu einem
gechillten Feierabend und Absacker ins Textilviertel ein: „Der Provino Club bezeichnet sich selbst gern als den ‚heruntergekommensten Tresen‘ der Stadt und steht für ein ‚gehaltfreies Miteinander‘. Seit ich das erste Mal dort war, ist es definitiv einer meiner Lieblingsorte in Augsburg – sommers wie winters–, um bei einigen Bieren und schöner Musik alle Excel-Tabellen
hinter sich zu lassen und wieder bei der Lebens-Kunst zu landen – frei
nach Brechts Aussage: ‚und zwischen dem einen Gefecht und dem
anderen gibt's ein Bier‘“, schwärmt Festivalleiter Patrick Wengenroth.
Gäste in dieser besonderen Nacht sind der umtriebige Augsburger Singer-Songwriter Benni Benson mit dem Künstlerkollektiv „Albert Matong Atelier für Musik“, Martin Bechler aka „Fortuna Ehrenfeld“ aus Köln und das Augsburger DJTeam Melomani.

Hinter „FORTUNA EHRENFELD“ steckt der Kölner Multiinstrumentalist
und Tausendsassa Martin Bechler, der nicht nur außerordentliches
kompositorisches Talent mitbringt, sondern derzeit auch einer der
eindrucksvollsten deutschen Texter ist. Sein zweites Album „Hey Sexy“ erschien im August 2017 bei dem Label Grand Hotel van Cleef.
Fortuna Ehrenfeld spielt Popmusik für Erwachsene, die im schönsten Sinne verrückt ist. Was könnte dazu besser passen, als die authentische
Leichtigkeit des Singer-Songwriters BENNI BENSON als Support?

Wo andere sich Weltverbesserung im großen Stil auf die Fahnen schreiben,
fängt er lieber erst mal bei sich selber an: mit reflektierten Songs über das Innehalten, über den alltäglichen Kampf mit sich selbst und der Welt, und die Augenblicke dazwischen.

Nach den beiden Live-Konzerten feiern wir bis tief in die Nacht mit
House und Disko von MELOMANI.

19.30 Uhr: Doors Open
20.30 Uhr: Benni Benson & „Das Albert Matong Atelier für Musik“
22.30 Uhr: Fortuna Ehrenfeld
00.00 Uhr: Melomani

Ort: Provino Club
Tickets: 5€ » 3€

Schreibwerkstatt für Schüler*innen

Mit: Bonn Park und Schüler*innen
zwischen 15 und 17 Jahren

Die Manifeste, die im Rahmen der Schreibwerkstatt entstehen,
werden am 2.3. ab 19.00 Uhr im Rahmen eines theatralen Happenings
im Grandhotel Cosmopolis vorgetragen.

BONN PARK wurde 1987 in Berlin geboren. Er wuchs in Berlin, Korea
und Paris auf und studierte Slawische Sprachen und Literatur sowie
Szenisches Schreiben in Berlin.
Erste Arbeiten als Regisseur und Autor realisierte er an der Volksbühne
Berlin. Er gastierte an der Züricher Hochschule der Künste (ZHdK) im
Fach Regie. Für „Die Leiden des Jungen Super Mario in 2D“ erhielt
er 2011 den Innovationspreis des Heidelberger Stückemarktes. Sein
Stück „Traurigkeit & Melancholie oder der aller aller einsamste George
aller aller Zeiten“ wurde 2014 mit dem Else-Lasker-Schüler-Dramatikerpreis
ausgezeichnet und 2016 für den Deutschen Jugendtheaterpreis
nominiert. Die Uraufführung fand im Juni 2015 in Bonn statt. Das gleichnamige Hörspiel wurde 2015 beim Deutschlandradio Kultur produziert.
Es folgten Werkaufträge für die Berliner Parkaue/Theater Chemnitz
und das Frankfurter Regiestudio.
2016 gewann er mit „Wir trauern um Bonn Park” den Jugendjurypreis
der Essener Autorentage. Mit „Das Knurren der Milchstraße“ gewann er
2017 den 1. Preis des Stückemarktes beim Berliner Theatertreffen.

„Die Welt steht an diversen Abgründen, furchtbare Menschen führen Länder
in merkwürdige und brutale Krisen. Unsere Demokratie, die wir so gern in
verschiedene Winkel dieser Erde exportiert haben, die wir bedingungslos
und ungefragt annehmen als die cleverste aller Weltordnungen, scheint
ausgespielt wie eine Altherrenmannschaft. Es ist Zeit, Leute, es ist Zeit für
Manifeste!“
Was denken Schüler*innen zwischen 15 und 17 Jahren über die Welt in der sie leben? Was haben sie über Liebe, Krieg und Politik zu sagen?
Mit seiner Einladung zur Schreibwerkstatt beim Brechtfestival hatte Bonn Park eine ganz bestimmte Gruppe im Blick, nämlich Menschen, die gerade alt
genug sind, um einige Zahnräder und Strukturen dieser Welt zu begreifen, aber eben noch nicht alt genug, um alles heimlich und versehentlich zu akzeptieren, sondern nach wie vor „schamlos Bock auf Weltverbesserung haben“.
Mit einem Fragebogen konnten sich die angesprochenen Schüler*innen im
November 2017 bewerben. An fünf aufeinanderfolgenden Tagen werden sie
sich während des Brechtfestivals mit Bonn Park fragen, wie sich lebenswichtige Themen in öffentlich wirksame Worte bzw. in Manifeste gießen lassen. „Manifest“ kommt übrigens vom lateinischen „manifestus“: „handgreiflich gemacht“. So wird es auch in der Schreibwerkstatt darum gehen, persönliche Gedanken, Ziele und Absichten gewandt, mitreißend und kunstvoll begreiflich zu machen.

Mit freundlicher Unterstützung des Bayerischen Staatsministeriums für
Bildung und Kultus, Wissenschaft und Kunst

Präsentiert von Lieslotte.

Experimentelle Live Art mit dem Grandhotel Cosmopolis Ensemble
(Neues Theater Zwischenspiel)

Konzept: Grandhotel Cosmopolis

18.00 Uhr: Doors Open
19.00 Uhr: Dinner Deluxe
21.00 Uhr: Happening

Ort: Grandhotel Cosmopolis
Tickets: Pay as much as you can.

Eine Produktion des Grandhotel Cosmopolis in Kooperation mit dem Brechtfestival

„Verdammt mich: alles was ich verbrach/ Tat ich, meinen Nachbarn zu helfen,/ Meinen Geliebten zu lieben und/ Meinen kleinen Sohn vor dem Mangel zu retten./ Für eure großen Pläne, ihr Götter/ War ich armer Mensch zu klein“.

Shen Tes Offenbarungseid aus Brechts „Der gute Mensch von Sezuan“ trifft
das, was die Artivist*innen der sozialen Plastik Grandhotel Cosmopolis täglichin ihrem unmittelbaren Umfeld erleben, wie den Nagel auf den Kopf. 2011 realisierte ein Kollektiv aus Freiwilligen das Unmögliche: Ein leerstehendes Gebäude, ein ehemaliges Altenheim im Herzen der Stadt, in einem Ort zu verwandeln, an dem sich Menschen mit und ohne Asyl auf Augenhöhe begegnen können. Das Grandhotel Cosmopolis im Augsburger Domviertel beherbergt heute ein kulturelles Zentrum mit Gastronomie und eine Einrichtung für Geflüchtete unter der Verwaltung des Bezirks Schwaben. Zahlreiche Preise und Auszeichnungen hat das Projekt gewonnen, bundesweite und internationale Anerkennung folgten. Allein die politische Situation, insbesondere die bundesdeutsche und europäische Asylgesetzgebung, ließ sich vom cosmopolitischen Ansatz der Augsburger*innen nicht beeindrucken. Und umgekehrt. So stehen
sich Tag für Tag zwei widerstreitende Perspektiven unversöhnlich gegenüber.
Im Zweifel hat sich die Kunst der Dringlichkeit des Politischen unterzuordnen.
Weshalb sich die Grandhoteliers an dieser Stelle nur zu Mutmaßungen darüber einlassen, wie ihr Beitrag zum Brechtfestival 2018 aussehen könnte.
Eine intensive Auseinandersetzung mit Bertolt Brecht wird es sein. Eine, die
Parallelen zwischen Brechts Werk und dem eigenen Schaffen offen legt.
Eine Aneignung an den Konfliktlinien von Appropriation Art und Intercultural
Audience Development. Etwas, wo jede und jeder hingehen kann, auch ohne
ein*e Auskenner*in zu sein. Das Grandhotel Cosmopolis Ensemble nimmt sich Brechts erzwungene Internationalität vor und spiegelt diese an der eigenen internationalen Zusammensetzung. Die Ensemblemitglieder nähern sich ihm aus den Blickwinkeln ihrer (un)sicheren Herkunftsstaaten mit unterschiedlichen „languages & styles“. Mit Texten und Sounds, Interpretationen (für Auskenner*innen) und Fakten (für alle) drehen sie sich im Kreis um die Fragen, „Was ist politische Kunst?“ und „Wem bringt das was?“. Garantien wird es nicht geben.

Der Entstehungsprozess wird jedoch kontinuierlich unter www.grandhotelcosmopolis.org und unter www.brechtfestival.de einsehbar sein.

GRANDHOTEL COSMOPOLIS - SOZIALE PLASTIK

Bertolt Brecht erzählt in „Die Mutter“ die Geschichte einer Radikalisierung.
Seine Titelfigur Pelagea Wlassowa kämpft aufgrund ihrer familiären und
sozialen Situation gegen Ungerechtigkeit und Unterdrückung. Kämpfe wie
ihre führten schließlich zur russischen Revolution. Das Stück basiert auf dem
gleichnamigen Roman von Maxim Gorki, die Kantatenfassung mit Hanns Eislers großartiger Musik und kurzen Zwischenszenen stellt eine Essenz des Bühnentextes dar.
„Die Mutter“ wird manchmal als Lehrstück bezeichnet. Doch während Brecht
sich in den anderen Lehrstücken kühl und theoretisch mit dem Verhältnis
zwischen Individuum und System auseinandersetzt, wobei das System immer
in einem unmenschlichen Licht erscheint, ist „Die Mutter“ von Menschlichkeit
und Empathie geprägt. Dabei spielt Eislers Musik eine entscheidende Rolle.
Um diesen empathischen Blick auf die aktuelle Weltlage zu übertragen, zeigen wir den mehrfach preisgekrönten Dokumentarfilm „Valentina“ von Maximilian Feldmann und Luise Schröder, der 2016 als eines der Highlights der Berlinale von sich reden machte. Valentina, 10 Jahre alt, Markenzeichen Armeehose, Trainingsjacke und wildes Haar, lebt mit ihrer 12-köpfigen Familie in Skopje, Mazedonien. Der Film ist ein Familienporträt. Alltagsbeobachtungen von bitterster Armut mischen sich mit Valentinas persönlicher Erzählung, Träume mit wahren Begebenheiten.
Im Anschluss findet ein Publikumsgespräch mit Maximilian Feldmann,
Luise Schröder und Geoffrey Abbott statt.

„Valentina“
Regie: Maximilian Feldmann,
Kamera: Luise Schröder,
Schnitt: Gregor Bartsch,
Sound/Mix: Oscar Stiebitz,
Filmmusik: Oliver Ole Fries,
Produzenten: Maximilian Feldmann und Luise Schröder
Produktion: Filmakademie Baden-Württemberg in Kooperation mit der Fachhochschule Dortmund
Dauer: 51 Minuten
Englisch mit deutschen Untertiteln

„Die Mutter“
Kantate Op. 25, 2. Fassung 1949
Von: Bertolt Brecht
Musik: Hanns Eisler
Solisten: Lea Sophie Salfeld, Manuel Wiencke,
Rezitation: Karoline Stegemann, Thomas Prazak,
Klavier: Johannes Bosch, Geoffrey Abbott, Brechtfestival-Projektchor,
Musikalische Leitung: Geoffrey Abbott
Verlag: Breitkopf und Härtel
Dauer: 45 Minuten
Ort: TIM – Staatliches Textil- und Industriemuseum
Tickets: 15€ » 9€

Eine Produktion des Brechtfestivals in Koproduktion mit dem Theater Augsburg

Medien

Ein Poesie-Parcours durch das Geburtshaus Bertolt Brechts für Kinder ab 8 Jahren und Familien

Projektleitung, Idee & Spiel: Karla Andrä (FaksTheater)
Regie & Videoskulpturen: Barbara Weigel

„Es war einmal ein Fisch mit Namen Fasch“ dichtete Bertolt Brecht 1930, dem
Jahr, in dem der Dichter zum vierten Mal Vater wurde. Verse und Lieder für
Kinder hat Brecht viele geschrieben: schlaue, witzige, aber auch nachdenkliche und provokante. Er hatte ein gutes Gespür dafür, wie Kinder sind und was sie denken. In einer einfachen, klaren und poetischen Sprache schrieb er für sie auf, dass er die Welt für veränderbar hält. Wenn ein Reim nicht gepasst hat, wurde er passend gemacht. Das ist sehr nahe an kindlichem Denken und Tun, und das macht Spaß beim Zuhören und Mitsingen.
Die Schauspielerin Karla Andrä und die Videokünstlerin Barbara Weigel lassen sich von den Kindergedichten zu einem poetischen Stationentheater inspirieren.
Es führt die jungen Besucher*innen durch die verschiedenen Räume
des Brechthauses Auf dem Rain 7. Am 10. Februar 1898 wurde Bertolt Brecht
an diesem Ort geboren. Heute erinnert eine Ausstellung in den Räumen
des ehemaligen Wohnhauses an ihn. Karla Andrä spielt, singt und rezitiert.
Animierte Videoskulpturen von Barbara Weigel bringen einzelne Objekte der
Brecht-Ausstellung zum Sprechen. Das Publikum ist dazu eingeladen, im Raum versteckte Fragmente in Form von Verszeilen und Reimen zu sammeln, um daraus miteinander oder im Alleingang wortschöpferisch kreativ zu werden und etwas Neues zu schaffen. So wird das Museum zur begehbaren Bühne und Brechts Leben und Werk für Kinderaugen und -ohren präsentiert.

Ort: Brechthaus
Eintritt frei
Um telefonische Anmeldung unter 0821 / 454 08 15 wird gebeten.
„Fisch Fasch“ ist eine Kooperation der Regio Augsburg Tourismus
GmbH mit dem Brechtfestival und dem FaksTheater.

Gefördert vom Bezirk Schwaben und dem Literaturfonds des Bayerischen Staatsministeriums für Bildung und Kultus, Wissenschaft und Kunst.

Medien

Mit: Kathrin Röggla, Stefanie Sargnagel, Bazon Brock
Moderation: Knut Cordsen, Bayern2

Das, was wir einmal für eine allgemeine und für alle Menschen verbindliche
Wirklichkeit hielten, zersplittert in unzählige Variationen von Realität(en).
Durch Globalisierung und Digitalisierung erleben wir die Welt nur noch als
Ausschnitt und Fragment. Zusätzlich befeuert wird das durch die immer höher werdende Geschwindigkeit unserer Medienberichterstattung. Wir blättern und zappen uns durch die medialen Angebote dessen, was uns in Kombination mit Bildung und Geschichtsbewusstsein zu einem schlüssigen Weltbild verhelfen soll, in dem wir uns dann so trittsicher, zielstrebig, angst- und vorurteilsfrei wie möglich bewegen sollen, sind aber zunehmend überwältigt von dieser ungefilterten Bilder- und Informationsflut.

Wir verlieren zusehends den Orientierungspunkt, von dem aus wir unsere Welt verstehen und uns wiederum zu ihr ins Verhältnis setzen können, um sie schließlich vielleicht sogar mitgestalten zu können.

Von diesem in seinen Gewissheiten erodierenden Lebensgefühl spricht
Brechts Fatzer, wenn er konstatiert „so sitzend/ zwischen noch nicht und
schon nicht mehr/ glaub ich nicht, was ich denk!“
Dass es ein „weiter so“ nicht geben kann, ist inzwischen auf allen gesellschaftlichen Ebenen Konsens. Doch in welche Richtung soll die Reise gehen? Was ist die Antwort auf das Bündel der globalen Krisen von der Erderwärmung bis zur sozialen Ungerechtigkeit? Brauchen wir mehr Egoismus? Oder mehr Solidarität? Beides? Und was heißt das dann konkret?
Ausgehend von Brechts Essay „Fünf Schwierigkeiten beim Schreiben der
Wahrheit“ laden wir drei Autor*innen ein, jeweils ein Thesenpapier zum
Verhältnis von Egoismus und Solidarität heute zu entwickeln. Das Publikum
bekommt die gesammelten Thesen in Form eines Readers im Rahmen der
Veranstaltung ausgehändigt. Auf der Bühne vertreten die Autor*innen ihre
jeweiligen Standpunkte in drei 15minütigen Statements. Anschließend sind alle eingeladen, das Gehörte im Rahmen einer moderierten Podiumsdiskussion zu vertiefen, zu hinterfragen oder Gegenpositionen zu formulieren.

Ort: brechtbühne,
Tickets: 15€ » 10€

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

KATHRIN RÖGGLA lebt als Schriftstellerin in Berlin. Sie ist Vizepräsidentin
der Akademie der Künste Berlin und Mitglied der Darmstädter
Akademie für Sprache und Dichtung.
Ihr literarisches Werk umfasst Prosa, Essays, Hörspiele und Theatertexte.
2012 realisierte sie den Dokumentarfilm „Die bewegliche Zukunft. Eine Reise ins Risikomanagement“.
Kathrin Röggla wurde mit zahlreichen Literaturpreisen
ausgezeichnet, darunter der Nestroy-Preis, der Arthur-Schnitzler-
Preis und der Bruno Kreisky Preis für das politische Buch 2005.
www.kathrin-roeggla.de.

STEFANIE SARGNAGEL studierte Malerei an der Akademie der Bildenden
Künste Wien. Parallel dazu jobbte sie ab 2011 vier Jahre lang als
Mitarbeiterin in einem Callcenter.
In dieser Zeit begann sie, Kurztexte und Zeichnungen im Internet
zu publizieren. Ab 2013 folgten Publikationen in Büchern und Zeitschriften. Im Juli 2017 erschien „Statusmeldungen“ bei Rowohlt.
www.facebook.com/stefanie.sargnagel.

BAZON BROCK sieht sich als Denker im Dienst und Künstler ohne
Werk. Der emeritierte Professor am Lehrstuhl für Ästhetik und
Kulturvermittlung an der Bergischen Universität Wuppertal repräsentiert
das „Institut für theoretische Kunst, Universalpoesie und Prognostik“.
Zudem ist er Gründer der „Denkerei/Amt für Arbeit an unlösbaren
Problemen und Maßnahmen der hohen Hand“ mit Sitz in Berlin. Von
2010 bis 2013 leitete er das Studienangebot
„Der professionalisierte Bürger“ an der HfG Karlsruhe.
www.bazonbrock.de

Medien

Im grenzüberschreitenden Geiste Brechts schafft die „Lange Brechtnacht“ eine Plattform für innovative, genreübergreifende musikalische Aktivitäten. Zwischen progressiver, ambitionierter Popmusik, Avantgarde und interdisziplinärer Kunst präsentiert sie internationale wie nationale Künstler*innen aus unterschiedlichsten Stilistiken.
Die Brechtnacht steht für Musik, die etwas bedeuten will, die Fragen stellt und Antworten sucht. Wem gehört die Welt? Wohin geht die Kunst? Brecht wusste die Macht der Musik als dramaturgisches Mittel und als Vehikel für
seine Inhalte zu nutzen. Und so spannt sich ein weiter Bogen vom Polit-Rap der Düsseldorfer Antilopen Gang, vom revolutionären Geist der US-amerikanischen Gruppe Algiers und den Weill‘schen Klängen von Daniel Kahns Klezmer-Jazz-Kabarett einerseits, zu introspektiven Klangwelten wie die eines Martin Kohlstedt, oder der leidenschaftlichen Innenschau von Wallis Bird. Die „Lange Brechtnacht“ ist eine Echokammer auf aktuelle Fragestellungen und auf das diesjährige Festival-Leitmotiv „Egoismus versus Solidarität“.
Die „Lange Brechtnacht“ wird kuratiert von Girisha Fernando.

WALLIS BIRD (IRLAND)

TIM - 19.45 UHR

Die 1982 in Irland geborene Ausnahmemusikerin Wallis Bird bereist
seit 2007 mit ihrer facettenreichen und eigenständigen Musik, die
vom irischen Folk, Jazz und Rock geprägt ist, Europas Bühnen. Die Sängerin, Gitarristin und Songwriterin verfügt über eine ausdrucksvolle Stimme, deren Spektrum von zartem Flüstern bis hin zu explosivem Schreien reicht. Und sie ist ein wahrer Derwisch an der Gitarre. Die irische Musikzeitung Hotpress
Magazine schreibt über Wallis: „Wallis ist eine außergewöhnliche und überzeugende Künstlerin, deren Stimme eine Mischung aus Janis Joplin in ihren Anfangsjahren und Eva Cassidy ist“. Musikalisch nimmt sie stets den
irischen Folkrock mit, arbeitet sich aber an anderen Genres ab und wagt immer den Spagat zwischen sanften Balladen und kraftvoller Gesellschaftskritik.

ALGIERS (USA)

TIM - 21.30 UHR

„Die amerikanische Band Algiers kann denken und die passende Musik dazu machen. Ihre Kritik an Rassismus und Kapitalismus klingt außerdem noch wirklich aufregend.“ (Die Zeit). Atemlos, so kann man wohl Algiers Gospel nennen. Er erinnert mit seiner durchdringenden und fauchenden Wucht an den Protest-Soul der sechziger Jahre, der damals zum Symbol unterdrückter Minderheiten wurde. Algiers vermischen den urgewaltigen Sound mit Post-Punk-, Industrial- und No Wave-Einflüssen und verleihen ihrem ganz persönlichen Soul so eine neue Dringlichkeit. Die Musik der ursprünglich aus Atlanta stammenden Band ruft eine ganze Galerie von Bands in Erinnerung: Massive Attack, Sly Stone, TV On The Radio, Einstürzende Neubauten, Public Enemy. Und mit Depeche Mode haben sie sehr prominente Fans, die sie bereits 2017 auf ihre Europatournee mitnahmen.

TILMAN HERPICHBÖHM & IMPROTONIK FEAT. ANDREAS ROSSKOPF
(AUGSBURG)

HOFFMANN - KELLER - 20.00 UHR und 21.30 UHR

Das Augsburger Musikerkollektiv IMPROTONIK unterwirft sich für diesen Brechtschen Abend einem musikalischen Leiter. Tilman Herpichböhm wird die Grenzen zwischen klassischer Improvisation und improvisiertem
Jazz ganz im Geiste des Dualismus „Egoismus versus Solidarität“ musikalisch konkretisieren.
Unterstützt wird er dabei zum einen durch den Solisten Andreas Rosskopf an der Gitarre und zum anderen durch ein ausgeklügeltes Improvisationskonzept, das eventuell sogar verraten werden wird.
Präsentiert in Kooperation mit dem Theater Augsburg und Mehr Musik!

MARTIN KOHLSTEDT (THÜRINGEN)

BRECHTBÜHNE - 20.00 UHR und 21.30 UHR

Unmittelbar tastet sich Martin Kohlstedt in den Körper seines Instruments, dieses Gebildes aus Holz, Filzhämmern und Stahlsaiten vor. Der junge Komponist und Pianist aus dem Thüringer Eichsfeld belässt es aber nicht bei anonymem Fingerspiel, sondern öffnet sich unaufhörlich, mit jeder Bewegung und jedem Anschlag. Jenseits von deutungsschwerer Klassik oder konstruiertem Pathos versucht er sich am reduziert Persönlichen.
Martin Kohlstedt gilt mit seiner eigenwilligen Verschmelzung von filigranen Klavierklängen mit Electrosounds als einer der derzeit versiertesten
und gefragtesten Protagonisten des Ambient. Er inszeniert kein Werk, sondern führt ein musikalisches Gespräch mit dem Instrument an sich und
bleibt dabei doch auch immer im Dialog mit seiner Umgebung.

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

SAME OLD SONG PRÄSENTIERT VON JJ JONES (AUGSBURG/ MÜNCHEN)

WEISSES LAMM - 20.00 UHR UND 21.30 UHR

Gewinnen oder Verlieren, das sind zwei Seiten einer Medaille, der Triumph des oder der Einzelnen kann die Niederlage eines oder einer Anderen oder einer ganzen Gemeinschaft bedeuten. Dieses Dilemma spiegelt sich auch in dem Welthit „The Winner Takes it All“ von ABBA aus dem Jahr 1980. Ein Song, der unter der Oberfläche der Thematik vom Ende einer Beziehung, viele Interpretationsmöglichkeiten offen lässt zu Themen wie Macht, Gewinner*innen, Verlierer*innen und Gemeinschaftlichkeit.
Bei der theatralen Show „Same Old Song“ zwischen „seriousness und silliness“ ist er in mindestens neun verschiedenen Versionen von jungen Künstler*innen aus Augsburg und München zu hören.

Im Anschluss Oldschool Indie aus D mit DJ NT

FIRE! (SCHWEDEN)

JAZZCLUB - 21.30 UHR UND 23.00 UHR

Der schwedische Ausnahmesaxofonist Mats Gustafsson leitet mit FIRE! eines der aufsehenerregendsten Avantgarde- Jazz-Trios Europas. Angetrieben durch die herausragende Rhythmusgruppe um Johan Berthling am Bass und den Schlagzeuger Andreas Werliin entfachen sie gemeinsam ein psychedelisches Noisejazz-Feuerwerk. Die ausladenden rhythmischen
Improvisationen und Kompositionen von FIRE! zeugen von einer mächtigen, meditativen Qualität, die von einer ungeheuren Dichte und großer emotionaler Tiefe geprägt ist.

DANIEL KAHN & THE PAINTED BIRD (USA/ BERLIN)

MEPHISTO - 21.30 UHR UND 23.00 UHR

Die Berliner Band um den Detroiter Sänger, Akkordeonisten und Klarinettisten Daniel Kahn bringt seit vielen Jahren ihre „explosive Mischung aus Klezmer, radikalen jiddischen Songs, politischem Kabarett und Punk Folk“ (DIE ZEIT) auf die Bühnen Europas.
Ergänzt durch Schlagzeug, Bass, Saxophon und Geige navigieren die
Künstler in ihrer Musik zwischen Revolution und Entfremdung, zwischen
dem Politischen und dem Privaten und Persönlichen, dem Explosiven
und dem Korrosiv-Zerstörenden. Die Songs sind manchmal komisch,
manchmal wie ein Albtraum, mitunter todtraurig, dann wieder wild und
zum Tanz auffordernd und kämpferisch – eine Zusammenstellung aus
Originalstücken, Übersetzungen und Adaptionen mit Versatzstücken des Punk, Klezmer, Jazz, Bertolt Brecht, Tom Waits und Folk.

Präsentiert in Kooperation mit Karman e.V.

ALBRECHT SCHRADER (HAMBURG)

PROVINO CLUB - 20.0 UHR

Der musikalische Tausendsassa aus Hamburg ist auf der Gitarre ebenso virtuos wie auf dem Klavier, komponiert Theatermusik, arrangiert Fremdes, Eigenes und ist dabei noch ein wortgewandter Entertainer. Aktuell hat er seinen Zweitwohnsitz in Köln. Dort sorgt er als einer von zwei musikalischen Leitern des Rundfunktanzorchesters Ehrenfeld bei den Aufzeichnungen von Jan Böhmermanns ZDF Neo Magazin Royale für den angemessenen Sound.

LOCAS IN LOVE (KÖLN)

PROVINO CLUB - 21.30 UHR

Die Indiepop-Institution aus Köln, laut Spiegel Online „wichtig und beruhigend“, laut Süddeutsche Zeitung „wohltuend abgeklärt und brillant verkopft“, war eigentlich immer schon das perfekte Bindeglied zwischen Indie-Untergrund und Breitwand-Pop.
Doch wer genau hinhört, kann stets bedrohliche Risse im restaurierten Sound-Stuck erkennen, Zweifel und Brüche in versmaßsprengenden Texten und mal sperrigen, mal anschmiegsamen Popmelodien.

ANTILOPEN GANG (NRW)

TIM - 23.00 UHRProvokante deutschsprachige Texte, abgedrehte Bühnenshows und jede Menge derber Humor – das ist die Antilopen Gang. Die Band kreuzt krassen, kontroversen Polit-Rap mit der rotzigen Energie und Frechheit des Punk Rock und einem ausgeprägten Hang zum Absurden: „Jeder Revolutionär braucht nur Pizza und Gewehr“ heißt es etwa in der Hitsingle „Pizza“ (2017). Das dazugehörige, musikalisch ausgefeilte Album „Anarchie und Alltag“ stieg in Deutschland sofort auf Platz eins der Charts
ein. „Die politische Hip-Hop-Band der Stunde (…) mischt pseudopolitische Blödeltracks mit ernsthaft gesellschaftskritischen Songs und reflektiertem, schwermütigen Material über Isolation, Überforderung und Depression“ (Der
Spiegel). Vor allem aber sind die mehrfach preisgekrönten Rapper Koljah, Panik Panzer und Danger Dan eine unwiderstehliche Live-Macht irgendwo zwischen bizarrer Komödie, knallhartem Hip-Hop-Drama und wüstem Actionfilm.

ECLECTA (SCHWEIZ)

PROVINO CLUB - 23.30 UHR

Experimentierfreudigkeit, dynamische Live-Performances und eine unbefangene Herangehensweise werden bei den beiden Musikerinnen Andrina Bollinger und Marena Whitcher von Eclecta groß geschrieben. Hier verschmelzen zwei individuelle Persönlichkeiten zu einer musikalischen Koalition mit Ecken und Kanten, ausgerüstet mit einer handvoll akustischen Instrumenten, einer E-Gitarre und ihrem harmonierenden Gesang. Die Vielseitigkeit und Symbiose der beiden Multiinstrumentalistinnen kommt auch bei ihren performativen Live-Shows aus verspieltem Indiepop und Jazz bestens zur Geltung.

AFTER-SHOWPARTY

PROVINO CLUB - 0.30 UHR

HipHop, Dubstep, Bassmusik, Breaks mit dem Gut-Durch Soundsystem + DJ Roughmix

BRECHTNACHT-STUDIO

AB 19.30 UHR

In einem Studio in der Augsburger Altstadt treffen sich Künstler* innen kurz vor oder nach ihrem Auftritt bei der „Langen Brechtnacht“ zum akustischen Warm Up bzw. Cool-Down.
Diese Minikonzerte werden per Live-Stream im Internet übertragen. Brechtnachtgänger*innen sind bei ihrem Streifzug durch die Innenstadt eingeladen, bei diesen Sessions im Studio vorbeizuschauen, jedoch wird es sich erst spontan im Laufe der Nacht ergeben, wann welche*r Künstler*in hier auftritt.

Tickets: 19€ » 15€
Abendkasse an allen Veranstaltungsorten.
Der Erwerb eines Tickets berechtigt zum Eintritt bei allen o.g. Veranstaltungen.
Bei Überfüllung kann kein Einlass gewährt werden.
Einlass ab 30 Minuten vor Beginn der jeweiligen Veranstaltung.

Shuttle-Service:
21.05 Uhr ab brechtbühne > TIM
(Staatliches Textil- und Industriemuseum)
21.05 Uhr ab TIM > brechtbühne
22.35 Uhr ab brechtbühne > TIM
22.35 Uhr ab TIM > brechtbühne

Die „Lange Brechtnacht“ ist eine Veranstaltung des Brechtfestivals gefördert vom Bezirk Schwaben.

Medien

Mit: Monika Rinck, Sudabeh Mohafez, Ulrich Koch
Moderation: Michael Schreiner
Idee und Konzept: Max Sessner und Ulrich Ostermeir

Immer dann, wenn die Augsburger Rauchzeichen hoch steigen, sitzen drei
Lyriker*innen im Brechthaus an einem Tisch, tragen einige ihrer aktuellen
Gedichte vor, tauschen sich inspirierend aus, diskutieren angeregt, kommen
ins persönliche Gespräch. Dichter*innen begegnen hier Schriftsteller*innen,
Preisgekrönte treffen auf Newcomer*innen, verschiedene Charaktere stoßen
aufeinander. Als Vierter kommt dabei Michael Schreiner (Kulturjournalist
bei der Augsburger Allgemeinen Zeitung) ins Spiel: Feinfühlig hinterfragt
er die Gedichte, schärft das Profil der Autor*innen und spürt hellwach ihr
Innenleben auf. Diese lyrische Empathie springt auf das Publikum über, Lyrik
in ihrer ganzen Vielfalt rückt nahe, beginnt, hautnah miterlebt, zu fesseln:
die extreme Verdichtung der lyrischen Momente, die Grenzüberschreitungen
zwischen Realistik und Imagination, die klangvolle Wechselwirkung zwischen
Außenantenne und Innenleben, die packende Bildhaftigkeit, die bleibt. Offen
und exemplarisch zutage tritt all dies in Jan Scacels Vierzeilern:

„Der dichter setzt/ zur wehr sich wie die biene und schenkt das eigene Sterben/ dem den er verletzt.“

Zu Gast ist neben der Berliner Autorin Monika Rinck, die u.a. 2015 den Kleist-
Preis und 2017 den Ernst-Jandl-Preis erhielt, auch Sudabeh Mohafez. 1963 in
Teheran geboren und heute in Stuttgart lebend war sie jahrelang Leiterin eines Frauenhauses. 2006 erhielt sie den Adelbert-von-Chamisso-Förderpreis.
Der dritte im Bunde ist Ulrich Koch: Geboren 1966 in Winsen an der Luhe, lebt er östlich von Lüneburg und veröffentlichte zahlreiche Gedichtbände. Ausgezeichnet wurde er u.a. mit dem Hugo-Ball-Förderpreis.

Die Reihe wird unterstützt vom Kulturamt der Stadt Augsburg, durch die
Stadtsparkasse Augsburg, die Regio Augsburg Tourismus GmbH und die
Freunde der Neuen Stadtbücherei.

Ort: Brechthaus
Tickets: 8€ » 5€

Präsentiert und kuratiert von der Buchhandlung am Obstmarkt.

Medien

Eine Live-Adaption des gleichnamigen Hörspiels von Deutschlandfunk Kultur
Text und Musik von PeterLicht

Szenische Einrichtung: Patrick Wengenroth
Mit: Patrick Wengenroth, Matze Kloppe, Anja Caspary
Musikalisches Arrangement: Matze Kloppe
Künstlerische Mitarbeit: Vivien Mahler

„Also dies wäre mein Zwischenergebnis: Ich lag wie ein gestrandeter Erdteil
auf dem Weltmeer meines Minusgeldes. Aber ok. Ansonsten gings mir gut. Die Sonne schien mir, und ich hatte helle Gedanken. Irgendwo schien immer die Sonne über mir. Und ich immer wieder Kontrollblick: Ahh, ok Sonne – da bist du ja und Ahh – ich! Da bin ich ja. Also da Sonne. Da ich.“

Ein rundum glücklicher Mensch von heute macht sich gut gelaunt daran, die
wunderbaren Umstände seines angenehm wohlstandsgepufferten Lebens
einer genaueren Betrachtung zu unterziehen. Und plötzlich tut sich neben
seinem Sofa, auf dem er eben noch die harmonische Zweisamkeit seiner
intakten Beziehungskiste genossen hatte, ein riesiges Loch im Betonboden
seiner Wohnung auf, in den all seine Gewissheiten hineinzustrudeln drohen.
Und er kommt nicht mehr umhin, zu bemerken, dass man sich auch an den
unzähligen kuscheligen Kissen, die einen in all ihrer trügerischen und Sicherheit suggerierenden Fluffigkeit umschmeicheln, mit Leib und Seele sehr böse und mitunter sogar sehr blutige Wunden reißen kann ...
„Mit aufgerissenen Augen trieb ich dem Betonloch entgegen, in dessen
Strudel sich schon meine Freundin befand, die mit unserer Waschmaschine
kämpfte. Im Vorbeischleudern traf sich unser Blick. Wir reagierten nicht. Es
war ein ledigliches Erstaunen. Zwei völlig unbekannte Menschen.“
Patrick Wengenroth richtet sein 2013 für den Deutschlandfunk Kultur produziertes Hörspiel eigens für das Brechtfestival in einer Live-Version ein.

Ort: TIM – Staatliches Textil- und Industriemuseum
Tickets: 15€ » 12€

PATRICK WENGENROTH arbeitet als Schauspieler und Regisseur.
Er inszeniert regelmäßig an der schaubühne/Berlin, dem Hebbel am Ufer/HAU in Berlin und diversen anderen Theatern in Deutschland.
Zudem produzierte er zusammen mit dem Deutschlandfunk Kultur
diverse Hörspiele und stand als Kritiker für den ZDF-Kulturpalast vor
der Kamera. Seit 2017 ist er künstlerischer Leiter des Brechtfestivals.

Medien

„Bücher, die es nicht gibt, muss man selbst schreiben“, soll Sasha Marianna Salzmann einmal gesagt haben. Das tut sie und zwar mit beachtlichem Erfolg.
Ihr Debütroman „Außer sich“ stand 2017 auf der Shortlist des Deutschen Buchpreises und brachte ihr neben dem Literaturpreis der Jürgen Ponto Stiftung auch den Mara-Cassens-Preis ein. Der Roman erzählt vordergründig von einer Suche: Alissa sucht nach ihrem vermutlich in Istanbul verschollenem Zwillingsbruder Anton. Die Brudersuche ist gleichzeitig auch eine Selbstsuche.
In ihr leuchten Bruchstücke jüdischer, sowjetischer, postsowjetischer und deutscher Familiengeschichte auf. Sie spiegeln und brechen sich in den Suchbewegungen von Alissa, die zu Ali wird, in Istanbul. Der Ort selbst ist Schauplatz schmerzhafter Veränderungsprozesse. Es gibt nichts, worauf sich die Protagonist*innen verlassen könnten. Keine Begrenzung bietet Halt oder Schutz: weder Staaten, politische Systeme, Herkunft, Heimat oder Haut.
Weder Familie, Namen, Geschlecht, Sexualität oder Körper. Alles, was man gemeinhin unter dem Stichwort Identität subsumieren würde: Es ist angreifbar, verletzlich, ungewiss. „Erinnerungen legten sich aufeinander wie Folien und verrutschten“, heißt es im Roman. Wer sagt dir, wer du bist – zwischen Selbstauflösung und eigentlicher Bestimmung? Zwischen Herkunft und Zukunft? „Außer sich“ erzählt von Ausgrenzungen und Abgrenzung, aber auch von der Solidarität unter denjenigen, die sich selbst nicht in den vorgefertigten Bahnen des Mainstreams verorten können.

Beim Brechtfestival ist Sasha Marianna Salzmann mit ihrem Schriftsteller- Kollegen Deniz Utlu zu Gast. Mit ihm verbindet sie die Erfahrung des kollektiven Schreibens im Autorenduo „Angry Birds“ sowie die gemeinsame Gründung und Herausgeberschaft für das Magazin „Freitext“, das seit 2011 all denjenigen eine Stimme verleiht, die in der herkömmlichen medialen Berichterstattung nicht vorkommen. Auf der brechtbühne wird die Autorin aus „Außer sich“ lesen und im Anschluss daran mit Deniz Utlu über fließende Identitäten ins Gespräch kommen.

Ort: brechtbühne
Tickets: 15€ » 10€

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

SASHA MARIANNA SALZMANN ist in Wolgograd und Moskau aufgewachsen. Inzwischen lebt sie als Theaterautorin, Essayistin, Dramaturgin und Kuratorin in Berlin.
Sie studierte Literatur, Theater und Medien in Hildesheim sowie Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin. 2009 erhielt sie den exil-DramatikerInnenpreis der WIENER WORTSTAETTEN, 2012 den Kleist-Förderpreis für junge Dramatiker und 2013 den Publikumspreis der Mülheimer Theatertage. Seit der Spielzeit 2013/14 ist sie Hausautorin am Gorki in Berlin und war bis 2015 Künstlerische Leiterin des Studio.

DENIZ UTLU wurde in Hannover geboren. Er studierte in Berlin Volkswirtschaft mit philosophischem Schwerpunkt. Neben Romanen schreibt er Theaterstücke,
Lyrik, Kurzprosa, Erzählungen und Essays. Sein Roman „Die Ungehaltenen“ erschien 2014 und wurde 2015 im Maxim Gorki Theater für die Bühne adaptiert. Seit 2017 hat er eine eigene Kolumne zu den Themen Politik, Literatur und Reisen im Tagesspiegel.

Medien

Mit: Lea Draeger, Mateja Meded, Aleksandar Radenkovic, Taner Sahintürk, Dimitrij Schaad, Norbert Stöß, Thomas Wodianka, Till Wonka

Regie: Sebastian Baumgarten,
Bühne: Robert Lippok,
Kostüme: Jana Findeklee, Joki Tewes,
Musik: Stefan Schneider,
Video: Hannah Dörr,
Dramaturgie: Ludwig Haugk

Gastspiel des Maxim Gorki Theaters Berlin

Chaos in der Riesenstadt Chicago: Der malaiische Holzhändler Shlink tritt in
eine Leihbibliothek und will die Meinung des Angestellten George Garga über Bücher abkaufen. Es beginnt ein Kampf ohne Regeln, ohne Moral, ohne Motiv, bei dem die beiden Gegner alles aufs Spiel setzen, was sie haben. Shlink nimmt Garga den Arbeitsplatz, zwingt seine Freundin und Schwester zur Prostitution und bringt ihn ins Gefängnis. Damit ruiniert er Gargas Familie nicht nur finanziell, sondern zerstört auch ihren Zusammenhalt. Garga zeigt Shlink wegen der Vergewaltigung seiner Schwester an und initiiert eine Lynchaktion.
Es ist eine Schlacht auf Leben und Tod, ein Ringen im Dschungel, in dem man
sich scheinbar nur im Kampf nah sein kann.
„Der Besuch des Stückes ‚Im Dickicht der Städte‘ hat sich bereits als so
schwierig herausgestellt, daß nur die mutigsten Theater sich daran wagten“,
notierte Bertolt Brecht 1928. Heute ist es das Ensemble des Berliner Maxim
Gorki Theaters, das mit Sebastian Baumgartens Neuinszenierung Mut zur Kontroverse beweist. Denn der Regisseur, der nicht nur in Berliner Theaterkreisen als einer der „tiefenanalytisch hellsichtigsten Konzeptkunst-Regisseure“ der Gegenwart gilt, entschied sich, die Fremdheit des Stücks nicht glatt zu bürsten, sondern auszustellen. Sein Regiekonzept experimentiert mit verschiedenen Medien und der epischen Spielweise Brechts: Das gesamte Stück wurde als Film produziert und wird auf der Bühne in einen abstrakten Raum übersetzt. So radikalisiert sich in der Inszenierung der Verfremdungseffekt.

SEBASTIAN BAUMGARTEN pendelt als Regisseur zwischen Schauspiel und Oper. 1992 gab er sein Regie-Debüt. 2006 inszenierte er zum ersten Mal am Maxim Gorki Theater in Berlin. Im selben Jahr wurde er von der Zeitschrift Opernwelt zum „Regisseur des Jahres“ gewählt. Das Goethe-Institut zählt
ihn zu den 50 bedeutendsten zeitgenössischen Regisseuren in
Deutschland. Dazu ist er ein ausgewiesener Kenner der Werke Bertolt
Brechts: 1998 feierte er mit „Der Jasager und der Neinsager“ in Halle
Premiere. Zwischen 2011 und 2017 brachte er in Leipzig, Stuttgart,
Halle und Zürich „Der gute Mensch von Sezuan“, „Die Dreigroschenoper“,
„Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“, „Herr Puntila und
sein Knecht Matti“ und „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“ auf die
Bühne - mit letzterer wurde er 2013 zum Berliner Theatertreffen eingeladen.

Eine Produktion des Maxim Gorki Theaters Berlin.
www.gorki.de/de/dickicht

Einführung: 19.00 Uhr
Dauer: ca. 2 Stunden, 15 Minuten
Publikumsgespräch im Anschluss
an die Aufführung
Ort: brechtbühne
Tickets: 26€ » 18€

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

Pressestimmen:
„Brechts Rätselstück über die Entstehung der Tragödie aus dem Geist des
Boxkampfs wirkt hier so frisch und aggressiv, als wäre es jederzeit bereit,
sämtliche andere Theaterformen mit einem schnellen linken Haken auf die
Bretter zu werfen“,
Süddeutsche Zeitung.

„Der Regisseur führt Brechts Wortwut dahin zurück, wo sie herkommt: ins
halbverdaute Gebräu aus Medienerfahrungen, die bekanntlich unsere Vorstellungen von Realität ausmachen. […] Der Gorki-Cast wirft sich mit Ehrgeiz ins Genre-Kino zwischen expressionistischem Vampirfilm, Schwarzer Serie und Großstadt-Melodram und balanciert souverän auf der Grenze zwischen Kopie und Parodie“,
Theater heute.

Medien

Inszenierung: Christian von Treskow
Bühne und Kostüme: Oliver Kostecka
Dramaturgie: Sabeth Braun

Mit: Linda Elsner, Ute Fiedler, Anatol Käbisch, Gerald Fiedler, Klaus Müller, Sebastian Müller-Stahl, Kai Windhövel

Im Winter 1917/18 desertieren Johann Fatzer und seine drei Kameraden Koch, Büsching und Kaumann von der Front des Ersten Weltkrieges und gehen nach Mülheim an der Ruhr. Sie verstecken sich bei der Frau von Kaumann, um auf die Revolution zu warten und hungern. Hier kehrt sich der äußere Kampf nach innen, gegeneinander, als Kampf ums Überleben und ums Dasein. Und Fatzer, der Ausgestoßene, muss am Ende sterben.

Brecht, der seinen Text immer wieder überarbeitet hat und 1932
schließlich die Arbeit an ihm aufgab, nannte ihn „unaufführbar“. Heiner
Müller nannte ihn einen „Jahrhunderttext“ und bearbeitete die über
400 Seiten zu einer Bühnenfassung.
Obwohl die Handlung in der Zeit des Ersten Weltkrieges spielt, ist „Fatzer“ ein überzeitliches Werk, ein Text über das Verhältnis des Einzelnen
zur Gemeinschaft und über das Scheitern. Wie stehen wir als Individuum zur Gesellschaft? Was passiert, wenn einer aussteigt und keine Lust mehr hat, mitzumachen beim „großen Ganzen“?

Fatzers Sätze erscheinen ebenso aktuell wie erschütternd: „Aber ich habe die/
Augen offen gehabt und gesehen, daß/

Eine neue Zeit anfängt und/
Mit dem Volk/ Etwas und was noch
nie war […] Wo früher/ Ein Mensch
war und ein anderer/ Da ist jetzt
die Masse, ein/ Massenmensch und
es bleibt alles/ Zusammen.“

Zum Brechtfestival 2018 kommt „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“ in der Inszenierung
von Christian von Treskow zur Aufführung.

Christian von Treskow führte bei über 60 Inszenierungen an Bühnen im In- und Ausland Regie und war von 2009 bis 2014 Schauspielintendant und künstlerischer Geschäftsführer der Wuppertaler Bühnen.

Ort: martini-Park
Tickets Premiere: 42€ » 5€
Weitere Vorstellungen ab 27.2.: 35€ » 12€

Eine Produktion des Theaters Augsburg

Medien

Mit: Maryam Abu Khaled,
Mazen Aljubbeh,
Hussein Al Shatheli, Niels Bormann,
Karim Daoud, Kenda Hmeidan,
Ayham Majid Agha

Regie: Yael Ronen,
Bühne: Magda Willi,
Kostüme: Sophie du Vinage,
Musik: Yaniv Friedel, Ofer Shabi,
Video: Benjamin Krieg,
Mitarbeit Video: Philipp Hohenwarter,
Zeichnungen: Esra Rotthoff,
Puppenspiel: Ariel Doron,
Dramaturgie: Irina Szodruch,
Licht: Hans Fründt

Bertolt Brechts Gedicht „Über die Bezeichnung Emigranten“ beschreibt die
Situation von Menschen, die unfreiwillig ihr Land verlassen haben. Ayham
Majid Agha, Maryam Abu Khaled, Hussein Al Shatheli, Karim Daoud, Tahera
Hashemi, Mazen Aljubbeh und Kenda Hmeidan vom Exil Ensemble des Gorki
Theaters in Berlin teilen diese Erfahrung. Sie sind professionelle Schauspieler*
innen aus Afghanistan, Syrien und Palästina. „Winterreise“ ist die erste
Produktion, die sie zusammen mit der Hausregisseurin des Gorki Theaters,
Yael Ronen, entwickelt haben.
Für das Projekt unternahm das Ensemble im Januar 2017 eine zweiwöchige
Bustour durch das winterliche Deutschland. Nach Dresden, Weimar, Halle,
München, Oberndorf am Neckar, Mannheim, Dortmund, Düsseldorf, Bremen
und Hamburg ging die Fahrt – mit einem Abstecher in die Schweiz – nach
Zürich.
„Winterreise “ رحلة الشتاء thematisiert den Blick der „Neuen“ auf das „fremde
Deutschland“. Aber auch den von Unwissen, Unsicherheit und Klischees
gefärbten Blick mit dem wir „Eingeborenen“ auf sie blicken. Die Inszenierung
ist eine Mischung aus Road-Movie und animierter Graphic Novel, der einsame Wanderer aus Schuberts weltberühmtem Liedzyklus bekommt darin einen Cameo-Auftritt. Ein Abend, der humorvoll und selbstironisch Aufklärung anbietet, Aufmerksamkeit schafft und keinen unberührt zurück lassen dürfte.
Eine Produktion des Maxim Gorki Theaters Berlin in Koproduktion mit dem
Schauspielhaus Zürich, gefördert aus Mitteln der Kulturstiftung des Bundes
Deutschland, der LOTTO-Stiftung Berlin, der Stiftung Mercator sowie durch
den Lotteriefonds des Kantons Zürich.

www.gorki.de/de/winterreise

Einführung: 18.30 Uhr
Dauer: ca. 2 Stunden, ohne Pause
Publikumsgespräch im Anschluss an die Aufführung
Ort: martini Park
Tickets: 35€ » 11€

In deutscher, englischer und arabischer Sprache, mit deutschen und
englischen Übertiteln.

YAEL RONEN wurde vom Berliner Tagesspiegel schon mal als
„Meisterin der Deeskalationskomik“ bezeichnet. Die österreichischisraelische
Theaterregisseurin und Autorin ist seit der Spielzeit 2013/2014 Hausregisseurin am Maxim Gorki Theater in Berlin.
Ihre Arbeiten waren und sind aber auch am Schauspielhaus Graz,
am Volkstheater Wien und an den Münchner Kammerspielen zu sehen.
2017 erhielt sie den Europäischen Theaterpreis.

In Kooperation mit dem Theater Augsburg

Pressestimmen:
„Großer Jubel“,
Berliner Zeitung.

„Viel Wahres über Deutschand. Zum Glück ist es zum Lachen“,
Spiegel Online.

„Ein eindringlicher Theaterabend, berührend, erhellend und bei aller
Melancholie auch witzig“ ,
Rheinische Post.

Medien

Phase

Das Brechtfestival

2016 - 2010

Phase

Literatur-Festival „abc“

2008 - 2006

"Die große Methode“: Brechts Arbeitsweise im Mittelpunkt

NO FUTURE

Produktionen

"Hayat Seni Çok Seviyorum" „Leben, ich liebe Dich!“

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Ort

Medien

„Schweiß fließt, wenn Muskeln weinen“

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Ort

Medien

14 Arten (den) Regen zu beschriften: Live Hörspiel von Recorder Recorder

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Ort

All right. Good night. Lesung mit Helgard Haug (Rimini Protokoll)

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Ort

Medien

Berti Brecht and the Multiverse of Alienation

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Ort

BIXARIA – Cuir Brazilian Club Night

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Ort

BRECHT BITES!

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Workshopleiter*innen

Ort

BRECHT BREAKS!

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Ort

Medien

Brechtnacht

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Brechtnacht Line-Up 2024

Ort

Medien

Das Erbe der Menschheit – Science Fiction aus China

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Ort

Medien

Der kaukasische Kreidekreis

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Ort

DJ-Set von Julian Warner

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Doomsday oder Stimmen für den Untergang: Vinyl Lecture von und mit Kalle Aldis Laar

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Ort

Eine Trainings-Lecture

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Medien

Filme

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Ort

Freiheit und keine Zukunft: Gespräch mit Eva von Redecker

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Medien

Gegenstrategien gegen Rechtsruck – Gesprächsrunde mit der Arbeitsgruppe Conjunctural Analysis Group

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Ort

Hass – von der Macht eines widerständigen Gefühls: Lesung mit Şeyda Kurt

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Ort

Medien

JJ x H54D Spring Collection 2024

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Mitwirkende

Ort

Justizpalast: Gerichtsverhandlung im Rahmen der Organismenrepublik Augsburg

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Ort

Medien

Kriegstheater

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Ort

LEGGA, passt so